LADO B ESPECIAL DISCOS DEL AÑO

Última edición de 2008 y los integrantes del programa escogimos, según el criterio de cada uno, las mejores placas. A ver si concuerdan con nosotros:

Bloque 1: B.B. King - One Kind of Favor
Bloque 2: Protest The Hero - Fortress
Bloque 3: The Mars Volta - The Bedlam in Goliath
Bloque 4: AC/DC - Black Ice
Bloque 5: R.E.M. - Accelerate
Bloque 6: Metallica - Death Magnetic
Bloque 7: Calexico - Carried To Dust
Bloque 8: Weezer - Weezer (The Red Album)



Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.

Manuel Catrilef Cea

El concepto Unplugged se lo apropió MTv hacia finales de los '80 cuando gente como Jethro Tull, XTC y Bon Jovi hicieron presentaciones acústicas que tuvieron gran respuesta del público, por lo que la cadena televisiva, como buena empresa que es, decidió explotar la idea de llevar músicos a sus sets para "desenchufarse".

Desde ese entonces, el concepto Unplugged es casi indisociable de la televisora, pero la idea misma de realizar este tipo de presentaciones no es propio de la cadena de cable y se venía haciendo de un buen tiempo atrás. Sin llegar más lejos, Elvis Presley lo hizo en 1968 con su Comeback Special, además el guitarrista de The Who, Pete Townsend, también lo haría para una serie de conciertos de Amnistía Internacional.

Lo que parecen ideas originales no pueden estar más lejos de serlo, es simplemente retomar la forma seminal del rock: el nacimiento del Blues. El género padre originalmente se tocaba con guitarra acústica porque era a lo más que podían aspirar a tener los esclavos negros para desahogarse a finales del siglo XIX y principios de la siguiente centuria. Pensando en la misma línea del inicio musical, en cierta manera el fenómeno sigue hasta el día de hoy: cualquier chico o chica que se empieza a interesar en la música lo más seguro es que empiece a meterse en el lenguaje musical con la guitarra de palo que hay botada en el rincón de la casa. Lo acústico es sinónimo de principio hace más de cien años y en la actualidad.

Por eso, de una forma tanto histórica o como social, el que los músicos de renombre dejen la electricidad de lado un rato representa, quizás de manera inconsciente, volver a la raíz del rock, ya sea emulando a los bluseros originales o para volver al punto donde se inició en la música. Y los melómanos somos quienes terminamos disfrutando y agradeciendo aquello.

Debido a esto es que les dejamos siete discos que son un buen ejemplo de lo que es hacer un disco Unplugged. Algunos son históricos como el Folk Singer de Muddy Waters, un verdadero encuentro con sus génesis musical; The Official Bootleg de Paul McCartney que se reencontró con varias canciones de The Beatles y que fue el impulso definitivo para los desenchufados de Mtv; Unplugged de Los Tres, el primer disco acústico de una banda chilena para el canal de cable; Korn experimentando nuevamente, mostrando que el new metal puede tener más de una interpretación, etc.

Jimmy Page & Robert Plant - No Quarter: Descargar aquí

Incubus - Mtv Acoustic: Descargar aquí

Stevie Ray Vaughan - Unplugged and Jamming: Descargar aquí

Muddy Waters - Folk Singer: Descargar aquí

Korn - Mtv Unplugged: Descargar aquí

Paul McCartney - Unplugged (The Official Bootleg): Descargar aquí

Los Tres - Unplugged: Descargar aquí

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LADO B! 24-12-2008

Poniéndonos algo a tono con las fechas, en esta ocasión hicimos un especial de música desenchufada

Bloque 1: Disco de la semana con el MTv Unplugged de Los Tres
Bloque 2: Korn
Bloque 3: Muddy Waters
Bloque 4: Paul McCartney
Bloque 5: Stevie Ray Vaughan
Bloque 6: Incubus
Bloque 7: Robert Plan & Jimmy Page



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Ex vocalista de Marillion se aleja de la música

Gigwise/M.C.C.

"Con toda honestidad. Tengo 50 años, fumo, bebo, tengo una colorida historia, he cantado en cerca de 1700 conciertos por más de 27 años y he hecho el triple de entrevistas. Es como estar parado en la M1 (una carretera en Inglaterra) y esperar no ser golpeado por un auto". Con esa franqueza que solo dan los años, Fish no se sorprende por su actual problema de salud.

Hace poco, luego de hacerse una biopsia, sus médicos descubrieron que tenía un "crecimiento irregular de células" en su garganta, lo que en palabras simples es un principio de cáncer. Debido a aquello el ex líder de Marillion se tomará a lo menos 6 meses fuera de toda actividad musical para superar su condición. "Me gustaría pensar que puedo tocar en algún festival en el verano de 2009, pero no hay planes para tours hasta el 2010. No tengo siquiera contemplado un álbum hasta el final del próximo año (...) Todo depende de lo que pase en las siguientes semanas", afirmó Fish.

Lamentable noticia, sobre todo porque la carrera solista de Fish ha sido tan interesante como su etapa previa en Marillion, y las presentaciones que ha ofrecido en Chile (2001 y 2005) han estado a la altura de su trayectoria. En el intertanto, les dejamos lo que es considerada la mejor placa de los británicos en su etapa ochentera, Misplaced Childhood (1985).

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Metal de otro mundo

Manuel Catrilef Cea

Para la escena metalera, innovar no siempre es algo intrínsicamente bueno. Es cosa de ver las opiniones sobre la era Load de Metallica o los discos X-Factor y Virtual XI de Iron Maiden para darse cuenta que cualquier inclusión o acercamiento a géneros ajenos a lo tradicionalmente metalero es casi asegurarse el rechazo de buena parte de los adeptos al estilo.

Nuestro país no es la excepción. El noventa por ciento de la bandas de este lado del mundo son una continuidad de los sonidos que se generan afuera, en muchos casos con resultados notables como son los chicos de Nuclear, por ejemplo. Lo cual no es ilógico, tomando en cuenta que si creces escuchando cosas de afuera, lo más seguro es que si te dedicas a la música termines haciendo algo similar por las influencias.

Pero de vez en cuando, hay gente que se atreve a salirse del metro cuadrado en que se suele mover, no para renegar de su pasado, sino que para formar un futuro. Dorso ha sido de los mejores ejemplos en Chile y su disco Espacium es una prueba más que no están dispuestos a quedarse en la comodidad de repetir siempre la misma fórmula.

La última placa de la banda de Rodrigo "Pera" Cuadra es de lo más notable que ha entregado la escena metalera de nuestro país. Con una base de Thrash-Death Metal pesadísima, las canciones están aderezadas con una notable combinación de otro géneros. Hay elementos jazzisticos que recuerdan tanto a Christian Gálvez como a Bela Fleck, en especial en el apartado de la guitarra, Yamal Eltit y Álvaros Soms se lucen simplemente. En tanto que la inclusión de secuencias electrónicas (teclados y baterías en particular) no quitan peso o incomodan, están en los lugares precisos y con una duración exacta que no hacen perder jamás el peso a la canción, y menos llevarla hacia el tan temido lado del pop.

El "Pera" con su habitual voz de demente pasada por algún tipo de distorsión y los sonidos machacantes del nuevo batero Fran Muñoz le dan esa habitual impronta algo demencial a la música de Dorso. Y a eso hay que agregar la particular temática del las letras del disco (que siempre en la banda han tenido alguna relación con el cine de ciencia ficción o terror de bajo presupuesto) que aporta su toque de locura: Un viaje espacial plagado de encuentros con seres monstruosos de otros planetas. No serán las mejores líricas de la historia, pero son absolutamente coherentes con la experimentación en el álbum. Además, no nos veamos la suerte entre gitanos, muchas leyendas del metal extremo no se caracterizan por tener buenos textos (Cannibal Corpse y Gorgoroth son buen ejemplo) y nadie se los enrostra.

Riff ganchéramente pesados, experimentación y solidez es lo que ofrece Espacium, que si es que hay que ponerle algún rótulo, sería Metal Industrial o Metal Avant-Garde y del bueno. Si 10 años se demoraron en sacar un disco con material nuevo de esta calidad, hay que dejar que se tomen su tiempo, claramente cosas así no se pueden sacar todos los días.

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LADOB! 17-12-2008

Bloque 1: Disco de la semana con la última placa de Dorso, Espacium.
Bloque 2: Noticia sobre el cierre de los míticos estudios de grabación Olympus en Londres
Bloque 3: Entrevista con la banda chilena de blues El Cruce
Bloque 4: Comentarios sobre lista de la página Guitar World sobre los 100 peores solos de guitarra
Bloque 5: Álbum solista de Brian "Head" Welch, ex guitarrista de Korn
Bloque 6: Entrevista a Angelo Pierattini, ex Weichafe, sobre su nuevo proyecto musical
Bloque 7: Venida de Peter Murphy, ex vocalista de Bauhaus, a Chile



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El fresco y bullicioso funeral de Arcade Fire

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Influencias musicales le han colgado hasta el cansancio, desde Neil Young pasando por Roxy Music, Talking Heads, Flaming Lips y David Bowie, quien reconoció su fanatismo al escuchar el primer disco de esta banda que se alzó como una especie de fresco y bullicioso nuevo aire para la escena canadiense. Funeral era el nombre de esa placa y fue lanzado el 2004, provocando el reconocimiento inmediato de su trabajo.

Aunque Arcade Fire atrae desde un inicio por una serie de, a estas alturas, lugares comunes sobre sí, como la gran cantidad de músicos en escena y la enorme variedad de instrumentos que incluyen cada una de sus canciones -violines, acordeones, pianos, guitarra, bateria y un largo etcétera-, así como las ya mencionadas influencias musicales, muy por lo demás ciertas, lo interesante de esta banda es la capacidad que han tenido para elaborar un sonido que no se jacta de ser único ni pionero, sino que por el contrario, destaca por lograr ese mismo efecto gracias a una ensamblada unión de elementos tomados sin pudor de muchas partes, así como también por carecer de vergüenza y soberbia, lo que es llevado a su máximo ejemplo cuando la banda se sube a un escenario: energía a borbotones que mezcla desenfreno, alegría y hasta inocencia, una escena que al igual que sus canciones funde al público en los distitos estados de ánimo del universo Arcade Fire.

Así, estos canadienses formados en Montreal en 2003 debutaron hace cuatro años con el que es considerado uno de los mejores primeros álbumes del último tiempo. Una placa que hacía alusión en su título a una lista de fallecimientos que habían rondado a los distintos integrantes de la banda, pero que contrario a lo que podría esperarse, no es un álbum lúgubre ni sombrío sino que en cambio, apela a una suerte de rabia por la pérdida junto a la alegría del recuerdo, ¿qué más humano que eso?

Funeral es una sucesión de temas donde se hace patente el talento musical y "literario" de la agrupación liderada por el matrimonio conformado por Win Butler y Régine Chassagn, en los cuales la elaboración de ambientes, casi como si cada uno de los temas fueran pequeños cuentos gritados, declamados o susurrados por esta dupla, nos pasea por fábulas de muerte, pérdida, enfermedad, crecimiento y renovación, todo envuelto en una conciencia épica de distintos alcances como aquella más rockera y desatada de Neighborhood 1 (Tunnels) y Neighborhood 3 (Power Out) o dramáticas como Crowne of Love y Wake Up, uno de los temas más desarmantes del disco tanto por su melodía como por su letra, que actua como una dolorosa procesión del paso a la adultez a la usanza de un antiguo coro griego, y que recuerda en ciertos pasajes a ese Bowie que Arcade Fire homenajea y junto al cual han interpretado este tema en más de una ocasión.

Un disco para contemplar el paso del tiempo desde la vereda de la no complacencia. Un ejercicio de catarsis musical que pone a este disco debut y a la agrupación general, en un lugar privilegiado de la música actual.

Descargar aquí

Lado B 10-12-2008

Bloque 1: Popurrí de noticias con el Rockodromo, Yajaira y El Cruce
Bloque 2: Conmemoración de la muerte de Dimmebag Darrel
Bloque 3: Nuevos discos de Testament y Napalm Death
Bloque 4: Disco de la semana con Arcade Fire y su placa Funeral
Bloque 5: Entrevista con Manuel García por sU concierto eléctrico junto a Cuarto de Trébol
Bloque 6: Nueva gira por el sur de Alejandro Silva
Bloque 7: El recién salido nuevo disco de Scott Weiland y sus declaraciones respecto al futuro de Stone Temple Pilots



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Regresa A Perfect Circle

Blabbermouth/M.C.C.

Maynard James Keenan decidió darle vida nuevamente a lo que fue su primer proyecto fuera de Tool. En declaraciones a una radio el pasado fin de semana, el vocalista declaró que está trabajando junto al guitarrista Billy Howerdel para crear nuevos temas para la banda. Eso sí, no serían para un disco propiamente tal en primera instancia. "Dudo que hagamos una gira o un álbum completo... Nos concentraramos en hacer uno o dos temas a la vez antes que invertir tiempo, dinero y esfuerzo en uno de discos de plásticos que nadie toma en cuenta después", expresó Maynard.

El disco de debut de A Perfect Circle llamado Mer de Noms fue muy bien recibido por la crítica por explorar más en profundidad el lado pop-melancólico de Tool. Lamentablemente, las siguientes dos placas de la banda (Thirteenth Step y Emotive) no pudieron estar a la altura.

Debido a eso, les dejamos el primer LP de APC para que lo disfruten.

Descarga aquí

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Para ustedes....

Esta semana se cumplieron 4 años desde que partió LADO B! y en vez de aburrirlos con un discurso largo de lo gratificante que es hacer un programa de rock sin esquemas impuestos, queremos dejarles un regalo de aquellos. Aquí tienen ocho presentaciones de cada uno de los artistas que presentamos en la edición radial. Algunos son los recitales que hicieron en nuestro país, otras por razones de calidad de sonido, son en otras latitudes.

Sin más preámbulos:

Metallica, Santiago, Mayo de 1999: Descargar aquí

The White Stripes, Estonia 2005: Descargar aquí

G3, Live in Tokyo 2005: Descargar aquí

Jarvis Cocker, Paris 2007: Descargar aquí

Slipknot, Phoenix Arizona 2005: Descargar aquí

Pearl Jam, Santiago 22 y 23 de Noviembre en Santiago 2006: Descargar aquí

Roger Waters, Santiago, Marzo 2007: Descargar aquí

Steve Vai, Alive in The Ultra World, presentaciones en varios países de la gira del disco Ultra Zone: Descargar aquí

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Yajaira en vivo!!

Luego de que en 2006 sus integrantes se concentraran en sus proyectos paralelos, Yajaira vuelve a reunirse para revivir su experiencia en vivo.

Este viernes 5 de diciembre lo hará en Loreto 435, Bellavista, junto a The Ganjas desde las 22 horas, con una entrada de $2.500 pesos.

Además, el miércoles 10 de diciembre se presentarán solos en el Bar Óxido (Purísima 282, Barrio Bellavista), donde tocarán su disco de estudio de 2002 "La ira de Dios". La cita es desde las 22 horas y la entrada está a $3.000 pesos.

No se pierdan la oportunidad de ver en vivo nuevamente a esta gran banda chilensis.

Manuel García se enchufa

Así es, luego de lanzarse a la veta acústica sin Mecánica Popular, el cantante y compositor Manuel García vuelve al sonido electrificado y se enchufa el próximo 8 de diciembre en el Galpón Víctor Jara, ubicado en Huérfanos 2146, Plaza Brasil.

Desde las 21 horas podrás verlo junto al quinteto de folk rock Cuarto de Trébol.

Las entradas las obtienes a través de Feriaticket (con el obvio recargo) a 5 lucas en preventa y 7 mil si las compras el mismo día.

En el próximo Lado B estaremos comentando sobre este interesante concierto.

ESPECIAL CUARTO ANIVERSARIO

Cuatro años desde el primer programa y no podíamos hacer un episodio cualquiera. En esta ocasión cada miembro de LADO B! hablará sobre dos recitales que en particular le hayan marcado de alguna forma.

Bloque 1: Steve Vai con su concierto del año 2007
Bloque 2: Segunda venida de Roger Waters también el año pasado
Bloque 3: La única visita que ha hecho The White Stripes el 2005
Bloque 4: Slipknot en el velódromo del Estadio Nacional el mismo año
Bloque 5: La gira G3 del año 2006
Bloque 6: Aquellas inolvidables presentaciones de Pearl Jam el 2007
Bloque 7: El britpop llega de la mano del concierto realizado este año por el señor Jarvis Cocker
Bloque 8: Aquel lejano segundo recital de Metallica en 1999



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Se parte del nuevo disco de Living Colour

Blabbermouth/M.C.C.

En lo que será la segunda placa de estudio que editará la banda desde su retorno discográfico en 2003 con Collideøscope, Living Colour quiere hacer partícipe a cualquier mortal de ella, pero no en lo extrictamente musical. La banda invita a que todo el mundo envíe alguna imagen de su propia autoría (puede ser dibujo o fotografía) para que sea el arte de su nueva placa titulada "The Chair in the Doorway".

Respecto al denominación del disco, el guitarrista Vernon Reid dijo: "lo que me gusta del nombre del álbum es que es una imagen concreta y una cosa muy real, pero... ¿Por qué hay una silla en la entrada? ¿Qué significa? Es completamente abstracto".

Hay plazo hasta el 28 de febrero de 2009 para enviar tu propuesta. Más información en http://www.myspace.com/livingcolourmusic

En tanto, les dejamos un disco de grandes éxitos de Living Colour para que disfruten.

Descargar aquí

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El galope desatado de Patti

Por Pamela Ramírez R.

"Jesus die for somebody's sins but not mine" (Jesús murió por los pecados de otros, pero no los míos) reza con tono desafiante Patti Smith en "Gloria", la obertura del que sería su primer álbum, lanzado en 1975 y titulado "Horses". Frase que hasta hoy resuena en los oídos rebeldes, tal como la entrada al rock & roll de esta mujer desaliñada e imponente, que en nada quería parecerse al estereotipo de la mujer frágil, objeto y complaciente que hasta hoy destacan en la industria musical.

La portada de "Horses" no puede tomarse sólo como una fotografía tomada por el famoso Robert Mapplethorpe, sino como una especie de manifiesto estético, una de las facetas del discurso contracultural de la Smith, develado además en sus letras, música y actitud contestataria. Elementos que la llevaron a ser nombrada "la abuela del punk", por ser una clara influencia y una de las semillas iniciales para la escena que surgiría a fines de los setenta. Pero, títulos fuera, Patti Smith trasciende a las categorías que tanto gustan a la prensa, y por sí sola se sustenta como una artista completa y única.

El "Horses" fue la primera muestra en estudio, donde desde un comienzo se marca un estilo al momento del cantar-recitar de sus temas, con su voz despreocupada y rasposa, la cual potencia ese trance cercano a lo onírico llamado "Land" o más conocido como "Horses", con versos de "Land of a Thousand Dances", del compositor y cantante Chris Kenner. La canción es una de las más conocidas del repertorio de Smith, con sus espasmódicas letras que nombran "horses, horses" y que Johnny Rotten de los Sex Pistols llamaría "horshit, horshit" al ver a Patti Smith y su banda en su primera visita a Inglaterra. Una pequeña señal de que aún al ser nominada la abuelita del punk, la propuesta de la Smith era vista como algo más sofisticado para el desparpajo punketa de los Pistols.

En "Horses" Patti Smith está más conectada con la poesía de un Bob Dylan, la libertad y experimentación de un Jimmy Hendrix, por ejemplo, sintetizados con la energía e intensidad de la propia cantante y compositora. Así que los invitamos a escuchar este álbum que desde ya pueden descargar Aquí!

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Saludos!!

LADO B 28-11-2008

Bloque 1: Disco de la semana con Horses de Patti Smith
Bloque 2: Chileno entre los 50 mejores de concurso de guitarras Dean
Bloque 3: Visita de dos supergroups de tributos, HAIL! y Big Noize
Bloque 4: Festival de documentales musicales In-Edit
Bloque 5: Popurrí de noticias con Perrosky, Muse y otros
Bloque 6: Bloqueo del gobierno chino al nuevo disco de Guns 'N Roses, Chinese Democracy
Bloque 7: Anuncio de concierto en Chile de la legendaria banda Ten Years After



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Posible reunión de Blur

Musicradar/M.C.C.

Si bien los proyectos solistas de Damon Albarn y Graham Coxon han sido interesantes, ninguno ha tenido la repercusión de Blur. Lo último que escuchamos de la banda inglesa fue ese aceptable (nunca más que eso) disco llamado Think Tank en 2003 (a esas alturas el guitarrista ya había dejado el grupo), que demostró cierto desgaste del grupo y que hacía necesaria la pausa.

Pero el tiempo ha pasado y el colorin vocalista en medio de una entrevista sobre la adaptación de una leyenda china a la ópera en la cual él trabaja (Monkey: Journey To The West) dejó entrever que es inminente el regreso del conjunto: "Blur sin duda va a ensayar y veremos si estamos para eso", fueron sus palabras.

De esta forma se abre el apetito de muchos en Chile que se quedaron con las ganas de verlos el 99', cuando le hicieron el quite a nuestro país porque había cierto caballero detenido en una clínica en Londres y la embajada de Inglaterra les recomendó salterse nuestra angosta faja de tierra por temor a que fueran maltratados por estos lares.

Personalmente, no sé si iría a un recital de Blur, pero creo que así como varias bandas que marcaron a muchos en los '90 se han dignado a venir a pagar su deuda en esta década, Albarn y compañía tendrían que hacer lo mismo, muchos lo exigen.

Por mientras les dejamos un recital de Blur efectuado en noviembre de 1999 en el estadio de Wembley.

Descargar aquí.

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Navidad de Metal

Bravewords/M.C.C.

Más allá de si uno es católico o no (en mi caso soy ateo), algunas de las costumbres de esa religión las terminamos conmemorando ya sea porque el entorno familiar lo hace o porque sirven de excusa para el fin que cada uno crea conveniente. Incluso la gente que uno piensa que es la más ruda del mundo, también se da un tiempo para celebrar estas fechas. Es así como un buen puñado de leyendas del metal se unieron en un disco para conmemorar la navidad, pero de manera bien ruidosa con el disco "We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year".

Dio, Tommy Iommi, "The Ripper" Owen, Lemmy y un montón de otros próceres del rock más duro interpretan a su manera clásicas canciones navideñas, que en su mayoría pertenecen al mundo anglosajón.

Descargar disco aquí

Además, les dejamos el video promocional del disco para que se hagan una idea.



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Cuando la Rutina no Aburre

Por Patricio Salazar

Lo bueno de que el Rock And Roll sea un invento relativamente nuevo sobre la faz de la tierra (la verdad es que 60 años es la nada misma), es que aún podemos deleitarnos con los exponentes más grandes del género. Muchos de los que han dado forma a la bestia andan dando vueltas por ahí, con muchas ganas de decir algo más.

Por ejemplo, la gente de Led Zeppelín planea reunirse una vez más para salir a “romperla” como antes, Cream el año pasado dio cuenta de su calidad con una serie de conciertos, Metallica destruyó varios records con la salida de su nuevo disco, etc, por lo que los seguidores de este tipo de música podemos seguir disfrutando de los más grandes.

El turno ahora de es AC/DC. Los australianos acaban de lanzar su disco “Black Ice” que es una dosis a la vena de “vieja escuela”. Ese rock riffero, marca registrada de la mano derecha de Malcolm Young, que invita a caminar con “groove” por la vida mientras se le guiña el ojo a cuanta muchacha se cruce por delante.

Los solos de Angus Young, la otra cabeza de este monstruo, siguen siendo electrizantes y obligan a agarrar cualquier cosa que se asemeje a una guitarra para empezar a saltar por la pieza haciendo el “Paso del Pato” con los ojos cerrados para lograr sentir esas líneas melódicas en su real dimensión.

Y para que ahondar en la ya característica voz de Brian Johnson, quien termina de dar la identidad a la agrupación con ese constante tributo al sello impuesto por Bon Scott, allá por la década de los 70. Lejos lo mejorcito que han sacado en varios años y esa es la gracia, para los que nos perdimos la salida al mercado de “Back in Black”, ahora podemos escuchar un gran trabajo de una tremenda banda en vivo y en directo.

Obviamente no se puede esperar que AC/DC hayan renovado su repertorio de sonidos, cosa que tampoco es necesaria para esta banda. Ellos son de los pocos artistas que son capaces de existir sobre si mismos. No necesitan evolucionar su sonido, porque básicamente ellos son el Rock And Roll. Es el resto de los grupos los que tienen que tomarlos como referencia para llegar más allá, mientras ellos se van convirtiendo en un pilar cada vez más sólido en esta historia.

La misión de AC/DC es decirle a las nuevas generaciones “escuchen, así se hace rock and roll… aprendan”, situación que se logra con Black Ice. El disco está lleno de pentatónicas bluseras, una que otra guitarra slide, batería relajada y esos gruesos riff por acordes llenos de onda. En una actualidad músical que pareciera reducirse a los samplers y las bases hip hop, ese disco parece ser un buen regalo para que tu hermano chico enmiende el camino para que en el futuro podamos disfrutar de música con la mis cantidad de “pelotas” como la de AC/DC.

Y como en Lado B no nos quedamos sólo en palabras, acá está el link para que puedas descargar el disco: Descargar aquí

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LADO B 21-11-2008

Bloque 1: Disco de la semana con el nuevo álbum de AC/DC, Black Ice.
Bloque 2: Popurri de noticias con el Día de la Música, The Beatles y The Who.
Bloque 3: Confirmación de la venida de Opeth.
Bloque 4: Soundtrack de la semana con la cinta Blow.
Bloque 5: Anunció de un documental sobre el vocalista de Red Hot Chilli Peppers.
Bloque 6: Nuevo disco de Calexico.
Bloque 7: Adelanto de lo que será el próximo recital de Exodus en Chile.




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Una perfecta máquina de hipnosis

Por Manuel Catrilef Cea

Dentro de la nueva "invasión británica" que vivió el mundo musical a mediadios de los '90, Radiohead fue la banda que más arriesgó en su sonoridad por sobre cualquier otra. Desmarcándose de la obviedad de aquel movimiento por colgarse de The Smiths o The Stone Roses, la banda de Tom Yorke tenía referentes al otro lado del atlántico, en particular el sonido del rock alternativo de finales de los '80 y comienzos de la nueva década, aquel que terminaría decantando en lo que fue el grunge, representado por bandas como R.E.M o Pixies.

Innegable es también la influencia, en aquellos años, de otras agrupaciones británicas, My Bloody Valentine y Pink Floyd son parte de la esencia y en particular de la atmosfera de las canciones. Todo lo anterior se vio incipientemente en la placa debut Pablo Honey (de 1993 y que fue opacada en sí misma por el excelente tema, a pesar de muchos, Creep), pero sería el siguiente disco que demostraría ante todos que Radiohead era más que una banda de canciones melancólicas y autocompasivas.

The Bends fue lanzado en 1995 y fue la placa que inició el embobamiento/idolatría permanente hacia la agrupación. Quizás aquellos "síntomas" se deban a que el sonido que comenzaron a patentar los ingleses a partir de este disco tiene algo de enfermizo, bipolar si se quiere, en el sentido que se encuentran momentos sumamente enérgicos, con mucha guitarra distorsionada, manifestando rabia de forma muy estilosamente británica (lejos de una bestialidad descontrolada), pero además existen otros instantes en que la música se deja llevar por cierto estado de melancolía impregnada de una buena dosis de sustancias lisérgicas. Psicodelia de finales de siglo, psicodelia que no necesita canciones de más de 4 minutos y medio para lograr engatusar.

Por todo aquello queda la duda es que si este sonido ambivalente surgió directamente de las entrañas de la banda o es algo sumamente calculado, porque siempre aparece ese grito desesperado en el momento exacto, ese punteo poco pulcro pero melódico de guitarra, esos coros conmovedores, etc. Una perfecta máquina de hipnosis.

A diferencia de lo que se pueda pensar, Radiohead está lejos de ser solo la genialidad de Tom Yorke en esa intensidad desprolija al cantar, también está el notable trabajo en la sonoridad y de los tiempos de la guitarra de Jonny Greenwood, los pequeños arreglos melódicos de la batería de Phil Selway (demostración que no hay que ser virtuoso para lograr que un batero sea más que un metrónomo) son los elementos que terminan por completar un disco que te deja prendido con la música y pensando con sus letras (pónganle atención a Fake Plastic Trees y a Black Star).

Quizás el disco no llegue a la perfección de OK Computer por culpa de temas que originalmente no estaban incluidos (High and Dry se desechó de Pablo Honey y se puso el demo que grabaron en aquella ocasión con un par de arreglos en el álbum), pero es aquí donde hay que buscar donde comenzó el incesante experimento sonoro que la banda ha seguido durante su carrera.

Descargar aquí

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Lado B 14-11-2008

Bloque 1: Comentario recital de Paradise Lost y Carcass.
Bloque 2: Comentario recital de Judas Priest.
Bloque 3: Comentario sobre la participación de Mars Volta en la primera noche del SUE.
Bloque 4: Popurrí de noticias con la muerte del baterista de Jimi Hendrix, Mitch Mitchell, confirmación de recital de Iron Maiden en Chile y la posible venida de la banda de Phil Anselmo, Down.
Bloque 5: Comentario de los dos recitales de R.E.M. en Chile.
Bloque 6: Disco de la semana con la segunda placa de RadioHead, The Bends, a modo de "celebración" por la confirmación de su primer concierto en Chile.
Bloque 7: Comentario de la aparición de Jesus & Mary Chains en el SUE.

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Lado B 5-11-2008

El programa de esta semana fue anticipando un poco los conciertos internacionales que ocurrieron y que no fueron pocos:

Bloque 1: Disco de la semana con The Mars Volta y su The Bedlam in Goliath
Bloque 2: Carcass
Bloque 3: Paradise Lost
Bloque 4: Jesus and Mary Chain
Bloque 5: P.O.D.
Bloqur 6: Judas Priest
Bloque 7: R.E.M.



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Goliath ha hablado

Por Pamela Ramírez R.

Desde sus inicios e incluso si nos remontamos a algunos aspectos de su anterior proyecto At The Drive In, The Mars Volta nos ha volado la cabeza con sus composiciones que vacilan entre una desatada energía y el trance hipnótico, dualidades que van en crescendo y que por eso mismo los han acercado al rock progresivo.

Esa energía que siempre ha caracterizado a los Volta, vuelve en gloria y majestad y como protagonista en su disco lanzado en enero de 2008 "The Bedlam in Goliath". Si antes teníamos una muestra en satisfactorias dosis, ahora la intensidad del grupo liderado por Cedric Bixler Zavala y Omar Rodríguez Lopez se extiende en los 12 temas que componen el álbum. Comenzando con "Aberínkula" la experiencia Goliath no te suelta, conquistándote con la mejor síntesis de The Mars Volta, los toques latinos en sus percusiones, el alarido proyectado de Bixler y los riffs envolventes de Rodríguez López.

Sin duda, la presencia del nuevo baterista de la banda, Thomas Pridgen, le inyecta a esa energía siempre presente, una frescura que deslumbra en todo el disco, marcando el paso con dureza y toques metal a mi gusto, sin echar pie atrás, conjugándose con carácter con el resto de la banda. Ejemplos hay para regalar como en "Goliath" (lejos uno de los mejores temas de los Volta), "Ouroborous" y "Metatron". El virtuosismo de Pridgen casi se robó la película en la presentación de Mars Volta el pasado 3 de noviembre en el SUE, que ante algunos problemas técnicos pudo demostrar su solidez y dejarnos con gusto a poco por la escasa hora de show.

Cabe destacar la participación en las guitarras de John Frusciante, quien ya ha colaborado con los Volta en álbumes anteriores y que en esta ocasión le impregna un toque funk a los temas.

"The Bedlam..." mantiene el afán de los Volta por hacer que sus temas complementen un concepto o una historia. En esta ocasión el ocultismo y la mala suerte los rondó, gracias a una Ouija que Omar Rodríguez López compró en Jerusalem y regaló a Bixler, la cual usaron en giras y en el período en que desarrollaban este disco, lo que según ellos les trajo una racha de sucesos funestos, como la pérdida de material, el colapso nervioso de uno de sus técnicos, entre otros. Fuera así o no, Goliath (la tabla en cuestión) habla fuerte y claro en este disco, y a pesar de la rara suerte, provocó el mejor de los efectos para la discografía de The Mars Volta.

En fin, juzgue por usted mismo a través de nuestro link donde puede descargar este discazo, que desde ya inscribo como uno de los mejores del 2008.

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Saludos!

Una chica como ella, en un lugar como ese

Por Patricio Salazar

En los '90 el grunge tenía héroes y fisonomías muy claras. Los chicos de Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, etc., eran chascones, pelilargos, rudos, depresivos y displicentes. Cualquier aspirante a este grupo debía tener en cuenta este formato, sobre todo tras la muerte de Kurt Cobain en 1994, año en que la caricatura de este tipo de músico se instaló para siempre.

Las malas imitaciones no se hicieron esperar. Un montón de grupejos (que realmente me da soberana lata nombrar) trataron de apoderarse de estos elementos para instalarse dentro de lo que estaba pegando. El cliché no tardó en aparecer y todo lo que representaba la generación X se prestaba para un sketch de Saturday Night Live.

Dentro de esta etapa es en que aparece Tracy Bonham, una chica oriunda Oregon en Estados Unidos. Tras una adolescencia marcada por sus estudios de violín y posteriormente canto en el Berkley Collage Of Music, en 1996 lanza el disco “The Burdens of Being Upright” que fue un batatazo comercial ese año.

La canción “Mother Mother” revolucionó los charts, a esas alturas saturados de grunge y dándole paso al New Metal, permaneciendo un mes en el número uno norteamericano. Y es que esa canción, y el disco en particular, tenía variados elementos que lo hacían novedoso.

En primer lugar tenemos a una cantante musicalmente muy dotada, capaz de introducir dulces violines a canciones oscuras. Una voz que no se intimida al pasar desde un suave murmullo hasta un grito desgarrador y que en todo momento mantiene algo siniestramente femenino que llama poderosamente la intención.

En “Shark Can't Sleep” se nota claramente esta interacción. Si bien hay una clara influencia de Nirvana en esta canción (y en casi todo el disco), Tracy no intenta ser una versión femenina del rubio de Aberdeen. Ella es una chica y se expresa como tal. Su voz es dulce cuando debe serlo y poderosa cuando se quiere hacer escuchar. Es capaz de seducir bajo cristalinos acordes disminuidos y desconcertar sobre punkies quintas distorsionadas.

A pesar de que después de este disco la carrera de Tracy no logró consolidarse, “The Burdens of Being Upright” es un disco que merece ser escuchado.

Para descargarlo sólo haz clic aquí

Stone Temple Pilots en el Pepsi Music 2008

Por Manuel Catrilef Cea

El año pasado Sudamérica tuvo una pequeña probada de lo que era el sonido de la banda grunge no originaria de Seattle más famosa. Velvet Revolver en su gira por este lugar del mundo tocó dos temas de Stone Temple Pilots (Crackerman y Sex Type Thing) demostrando que la energía de aquellos acordes eran increíbles en vivo, a pesar de no ser interpretados por toda la gente que los creó.

Pasó más de un año desde esa serie de recitales para que nuestra región tuviera la posibilidad de ver a los chicos de San Diego reunidos nuevamente, pero las productoras mostraron su miopía al no querer costear un recital que tenía un público objetivo que había mostrado su disposición a pagar por ver a las bandas con que crecieron en los '90 (los llenos de Pearl Jam y Chris Cornell son prueba de aquello). De esta forma solamente México y Argentina fueron los países de habla hispana que pudieron ver en gloria y majestad a Stone Temple Pilots.

Weiland y compañía cerraron de forma notable la última fecha del festival Pepsi Music 2008 en el Club Ciudad de Buenos Aires. Precedidos por un generoso número de teloneros, STP se paseó por prácticamente todos sus grandes hits, solo obviando las canciones de su último disco de estudio Shangri - La Dee Da (2001). Lo cual demostró que vinieron precisamente a pagar la deuda que tenían las bandas grunge con nosotros, los latinos. Y a pesar de no haber empezado con el tema más rockero de su trayectoria (Big Time) si fue suficiente para entusiasmar a un público que se destrozó la garganta coreando TODOS LOS TEMAS, ninguno se escapó, incluyendo los de sonido más pop como Big Bang Baby o Lady Picture Show.

Pero qué decir cuando tocó el turno de escuchar Wicked Garden o Sex Type Thing, la algarabía sorprendió, tanto por la entrega de Scott Weiland arriba del escenario y la gente abajo del mismo, que en el único momento en que hizo una pausa, más para prestar atención que por cansancio, fue en esa suerte de experimento sonoro psicodélico al medio de Creep. Aunque el descontrol fue total con un tema que a pesar de estar a midtempo (Dead & Bloated), de manera natural la mayor parte de los presentes creyó necesario disfrutarlo con un slam, mosh o como quieran llamarlo.

Eso fue lo otro "anecdótico" del concierto, sin que STP sea una banda de millones y millones de discos vendidos, la cantidad de clásicos que están en el inconsciente no es menor, permitiendo que a pesar de tocar de manera continua Creep, Plush e Intestate Love Song, todavía les quedara repertorio para mantener con energía a su gente.

Al cerrar el show con un tema con mucho groove, Trippin' On A Hole In A Paper, el público despidió a la banda sin pedir más, porque a pesar que hora y media parezca poco, la intensidad de los hermanos DeLeo, el batero Eric Kretz y el todo estrella Weiland fue más de lo que las 25 mil pesonas que asistieron estaban preparadas para recibir.

Por todo aquello, aquí les dejamos a su disposición el recital que brindaron aquel glorioso 15-10-2008 en Buenos Aires.

Descargar aquí

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Entrevista a Superatones en Argentina

En el marco de la cobertura especial que hicimos a la última fecha del Pepsi Music 2008 en Argentina, tuvimos la oportunidad de entrevistar a la banda trasandina Superatones justo antes de su presentación en dicho show, que tuvo como plato principal a Stone Temple Pilots.

Así que aquí les dejamos la entrevista completa con la agrupación:



Gracias a Caracho por ser camarógrafo.

Lado B 22-10-2008

En esta edición de LADO B! una completa cobertura de la última fecha del festival Pepsi Music 2008 en Argentina:

Bloque 1: Soundtrack de la semana con Trainspotting, tocando a Blur e Iggy Pop
Bloque 2: Comentario de bandas soporte del Pepsi Music con Cabezones, Masscre y Carca
Bloque 3: Noticia con el festival Santiago Rock, tocando a Los Tres y Los Jaivas
Bloque 4: Comentario del disco de la semana con Tracy Bonham y su placa The Burdens of Being Upright
Bloque 5: Entrevista exclusiva con la banda argentina Superatones, antes de su presentación en el Pepsi Music
Bloque 6: Comentario del número principal del festival Pepsi Music, Stone Temple Pilots, incluyendo dos temas extraídos de su concierto.
Bloque 7: La lamentable noticia de la separación de la banda chilena Weifchafe



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La génesis barbárica de tres cabezas

Por Pamela Ramírez R.

Desde los primeros segundos de "The Barbarian", la apertura del álbum con la misteriosa carátula rotulada "Emerson, Lake and Palmer", sabemos que lo que suena volará nuestras cabecitas. Con solo este tema, basado en la pieza "Allegro Barbaro", compuesta en 1911 por el húngaro Bela Bartok, podemos darle una idea a nuestro oído de lo que será todo el disco. Se trata de un comienzo potente,y desenfrenado, lleno de aciertos que reflejan el virtuosismo de este trío británico, una energía inicial que daría pie a toda una era de talento progresivo.

El debut homónimo de 1970 del llamado primer supergroup del rock, pues sus integrantes Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer habían pasado por The Nice, King Crimson y Atomic Rooster respectivamente, es de esos discos que sobreviven al paso del tiempo por su consistencia musical, con piezas que sintetizan esa amalgama de sonidos con toques jazzísticos, experimentales y con excelencia docta, llamada rock progresivo.

Este esfuerzo inicial recoge un talento triple en potencia, aún sin pulir completamente ni llegar a los trabajos de mayor ambición y complejidad que vendrían más tarde, pero no por eso menos notable en muestras de valor musical. Sobretodo, es posible notar la grandeza individual de la sigla ELP en temas como "The Three Fates", donde la suelta mano de Emerson en el órgano resalta tanto como en todo el álbum; "Tank", compuesto por un Palmer que quizo jugar con nuestras mentes en cada solo; y quizá la más famosa del disco y de la carrera de ELP "Lucky Man", la única balada presente, escrita por Lake a los doce años y con uno de los finales más hermosos y épicos que se han escuchado.

No está demás decir que quienes no se han aproximado al rock progresivo, calificado de poco accesible y demasiado intelectual por sus detractores, pueden hacerlo y abrir sus orejas con este debut de Emerson, Lake and Palmer, el disco de la semana de Lado B.

Descarga este discazo aquí

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Lado B 15/10 Especial Rock Progresivo

Esta semana en Lado B!

Especial de Rock Progresivo, con exponentes de diversas épocas y estilos como Planet X, Protest The Hero, Soft Machine y Simphony X. De fondo, suena el disco de la semana que en esta ocasión fue el debut homónimo de Emerson, Lake & Palmer de 1970, una verdadera joyita de la progresiva.

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Saludos y sigan escuchando Lado B Radio.

La sicótica dulzura de Jesus and Mary Chain

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Conocido por muchos como el conjunto de los hermanos Reid, Jim (voz) y William (guitarra), The Jesus and Mary Chain es mucho más que un sonido "ruidoso" proveniente de Escocia, con altas dosis de drogas en el entorno "ondero" y alternativo de los 90. Por el contrario, la agrupación que el 4 de noviembre visitará Chile en el marco del Festival SUE, donde se presentará junto al "plato fuerte" de la noche, los estadounidenses de REM, es una de esas bandas que gracias a su falta de parafernalia, estudios de mercado o comportamiento políticamente correcto logró marcar un hito en las cabezas de toda una generación.

Porque a principios de los 80, cuando la música británica buscaba un nuevo camino luego del fin del punk, surgió un grupo que tomó prestado y unió en forma magistral la rapidez y furia de este movimiento con las melodías lisérgicas de la psicodelia. Una mezcla perfecta entre armonía y distorsión: Sex Pistols, Pink Floyd y The Velvet Underground revolviéndose en la misma juguera. Eran The Jesus and Mary Chain.

Formados en 1984, un año después lanzan su primera placa Psychocandy, que se convirtió en algo así como el aliento que el público post punk, huérfana generación que ya no luchaba contra la reina sino contra la Thatcher, necesitaba: voces susurrantes en medio de envolventes melodías que, como si fuesen parte de una bizarra versión de algún tema de The Beach Boys -en muchos de los coros es posible oír el gusto por la clave pop-, se intercalaban con eternas y asfixiantes distorsiones de guitarra.

Un disco fundamental para entender lo que sería luego la explosión del brit rock de mediados de los 90, incluso para aquellas bandas que dejaron de lado el sonido noise pop del que The Jesus and Mary Chain fue claro estandarte. Una placa que a 23 años de haber sido editada sigue sonando tan refrescante como en sus inicios, lo que no es un mérito menor, dada la tendencia actual al reciclaje y homenaje de sonidos como el que los hermanos Reid patentaron.

Y aunque es necesaria una segunda o tercera vuelta a este ecléctico disco antes de asimilarlo, es sin duda una de aquellas experiencias que no se olvidan, ya sea por la engañosa Just Like Honey, uno de sus temas emblemáticos y que fue utilizado años después por Sophia Coppola para el final de Perdidos en Tokio (2003), que con una dulzura melódica inusitada anticipa un recorrido muy distinto a lo que realmente luego vendrá con la oscura ambientación lograda con canciones como Never Understand o You Trip Me Up.

Descarga el disco aquí

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Entrevista a Perrosky de Guiso

Lo prometido es deuda. Aunque sea con un poco de retraso, los dejamos con esta mini entrevista a Alejandro Gómez, más conocido como Perrosky, de la banda chilensis Guiso. Todo fue hecho la noche del lanzamiento de su primer disco en vivo "El arte del desastre", el cual está disponible en su sitio web http://www.guiso.net

Agradecemos nuevamente a la gente del Club Mist por su buena onda y disposición.

Lado B 08-10-2008

En la última edición de LADO B!

Bloque 1: Jean-Luc Ponty visita Chile
Bloque 2: Comentario de Nine Inch Nails en nuestro país
Bloque 3: Comentario del disco de la semana con Jesus & Mary Chains y su Psychocandy
Bloque 4: Comentario de Black Rebel Motorcycle Club en Chile
Bloque 5: Poporri con Weezer y las bandas metaleras nacionales Enigma y Espectro
Bloque 6: Noticias con Depeche Mode y su nuevo disco
Bloque 7: Estreno de canciones del nuevo disco de AC/DC, Black Ice

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Corrosión "bailable"

Manuel Catrilef Cea

Dentro de lo cuadrado que puede ser el mundo del metal extremo, con un panorama de bandas nuevas que en su mayoría cultivan el metalcore y derivados, es refrescante escuchar la propuesta de la banda danesa Raunchy. Con su placa Wasteland Discotheque (2008) terminan de consolidar esa fusión impredecible de sonidos que crearon en su anterior disco de estudio Death Pop Romance (2006).

Elementos tan disonantes como la voz corrosivamente black metal de Kasper Thomsen y las guitarras melódicas con ese toque thrash se mezclan perfectamente para satisfacer oídos ávidos de escuchar propuestas nuevas y que estén dotadas de ese groove necesario para quedar prendido por horas.

Pero detras de la capa más audible del sonido de Raunchy, aparecen otros elementos que, más que limitarse a ser simples arreglos, son los que le dan finalmente esa vuelta de tuerca a su música. Un teclado claramente inspirado en las melodías del New Wave de los ochentas le da ese aire fiestero/melancólico (paradoja más que posible para esta banda) es el que da un aire diferenciador a la banda. Un tremendo logro para esta agrupación, tomando en cuenta que un peso pesado del doom metal de los 90 como Paradise Lost trató de hacer eso mismo, con resultados muy pobres.

Mención más que honrosa para los momentos en que Thomsen hace las voces limpias junto con el tecladista Jeppe Christensen, dándole también tu toque de melancolía y que no termine hostigando tanto grito. También el batero Morten Toft Hansen hace un notable trabajo en su instrumento, no remitiéndose al simple uso del doble bombo a mil por hora, sino que usa el hi-hat al más puro estilo jazzero cuando es necesario, dándole más groove incluso a las canciones. Otros percusionistas del metal deberían aprender de aquello, no todo es tocar rápido.

Wasteland Discotheque es un claro ejemplo que se puede seguir innovando en un género en que se suelen repetir fórmulas hasta el cansancio, por lo que darle una escuchada por lo menos es imprescindible.

Descarga el disco aquí

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Que siga la juerga!!, Lo nuevo de Buckcherry

por Conde Pátula

Hay cosas de las que uno no se cansa. Poco importa quien las creó, sólo sirve que aún sigan estando ahí. En el caso del Rock And Roll la actitud desenfadada, el alcohol y la juerga son elementos que sobreviven a los cambios de compases, estilos y modas.

Por eso es que bandas como Buckcherry son apreciadas. Los tipos no han inventado nada. Sus acordes y riff ya fueron tocados décadas antes por los íconos del género y cuyas almas impregnaron y definieron a la música popular. Pero la capacidad que tienen estos americanos de recordarnos esos “valores” es impagable. En un mundillo musical marcado por las poses y los profetas, a veces un poco de neanderthalismo es necesario.

Su nuevo trabajo “Black Butterfly”, aunque algo disparejo, tiene mucho de eso. El álbum comienza con una canción titulada “Rescue Me” que parece sacada de otra parte. Es un ejercicio melódico extraño para un grupo que en “Lit Up” cantaba a grito pelado sobre la adicción a drogas y situaba las bases de un “Cock Rock” con letras llenas de testosterona y políticamente incorrectas. Demasiado limpio para ser Buckcherry.

Sin embargo la fiesta recién comienza. Al igual que bajo los efectos del trago “Black …” se va desatando poco a poco a medida que van pasando los minutos. Se puede sentir como Josh Todd se empieza a soltar la corbata para liberar esa garganta llena de hálito alcohólico y empezar la catarsis característica del grupo. De pronto la cerveza empieza a salir por los parlantes revelando los estados etílicos de los miembros de Buckcherry.

Si la primera canción es de compostura poco creíble, ya en el tercer corte la cosa empieza a mejorar. Se les escucha un poco más contento, más “jugosos”. Con una base funk juguetona “Too Drunk To Fuck” ya empieza a incomodar a los miembros de la fiesta en la andan los chicos de Buckcherry. De caminar lento, la canción tiene una pose altanera que empieza a desnudar la real esencia de la agrupación y lo que amamos de ella. Se les puede ver caminado, robándose vasos de copete ajenos y fanfarroneado de su proeza de no poder coger por tanto alcohol, sin que a nadie más que a ellos les interese la historia probablemente.

En esta misma línea siguen los tracks “Talk to Me”, “A Chile Called It” y “Fallout”, hasta que llegamos al climax con “Imminet Bail Out” canción que nos devuelve a los Buckcherry que todos esperábamos en este trabajo. Una canción directa, poderosa, con Todd desatado, gritando y unas líneas de guitarra con unos cojones que deben ser cargados con una carretilla. Una descarga de energía que se agradece y que te invita a tomar una escoba, cerrar los ojos y tocar ante un estadio imaginario lleno de devotos fans.

Punto a parte son las baladas de este trabajo. Acaso el punto más bajo son las melosas notas “Dreams”, “Don’t Go Away”, que parecen no responder a la lógica de la banda. La suavidad y la melosidad no corresponden con la voz de Todd que parece estar siempre sedienta de algo más, siempre tiende a ponerse ronca y no se ve acompañada por los instrumentos. A veces llegar a dar verdadera lata.

Por la otra vereda está “Cream” que si es una balada digna de Buckcherry. “Siempre serás mi más profundo amor”, dice Todd al comienzo acompañado de una bajo que no hace nada más quedar paso a un brutal riff en la parte media de la canción que nos demuestra que no siempre hay que arrastrarse para declarar amor eterno. Se puede ser rudo aún en esa ocasión.

Descarguen el disco desde Acá

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LADO B 17-09-2008 (Especial Rock Chileno)

Fiestras patrias en Chile y nos pusimos a tonos nuevamente con un especial de rock hecho en nuestro país.

Bloque 1: Disco de la semana con Los Blops y su Locomotora
Bloque 2: El trio chileno de Doom Metal Electrozombie
Bloque 3: Seguimos con el metal, pero esta vez en clave Thrash con Dogma
Bloque 4: El sonido garage de Fother Muckers
Bloque 5: Hielo Negro y su rock stoner
Bloque 6: Uno de los mayores representantes del hardcore en Chile con BBS Paranoicos
Bloque 7: Finalmente terminamos con todo el sonido corrosivo de Slavery

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Locomotora Tricolor

Por Pamela Ramírez R.

Reconocidos más por su cruce musical con la Nueva Canción Chilena al colaborar con Víctor Jara en el emblemático "El derecho de vivir en paz" de 1971 y por ese hito cancionístico (y por qué no decirlo un infaltable en los guitarreos de fogata) llamado "Los Momentos", la esencial banda chilena Los Blops dan un rotundo giro en su tercer disco de estudio "Locomotora", situándose en un sendero musical no mostrado en sus álbumes anteriores "Blops" (1970) y "El volar de las palomas" (1971).

Lanzado pocos días después del golpe de estado,de 1973, "Locomotora" se aleja de los quietos temas folk de las primeras entregas de la banda y se desata en largas piezas instrumentales de corte progresivo y con toques más jazzísticos, conectándose con la semilla rockera con la que comenzaron el grupo, cuando su repertorio incluía covers de The Rolling Stones y Eric Clapton., entre otros. De la preocupación por la lírica de sus canciones, en su locomotora Los Blops se concentran en otorgar la potencia a través de la música, dejando de lado las voces, a excepción del tema "Sandokan", donde se escucha una extraña especie de dialecto.

En los cinco temas que componen el disco, el grupo pone esfuerzo en demostrar un virtuosismo en cada melodía, por cierto antes no expuesto, pasando de instantes tenues y delicados de la mano del teclado y flauta, a secciones de mayor profundidad y fuerza, como es el caso de "Tartaleta de Frutillas", pieza tan agradable al oído como su nombre al paladar. Esa dualidad se revierte en temas como "Locomotora", donde el teclado define su presencia con más intensidad, y las percusiones lo refuerzan con un toque de fusión latina.

Sin duda, Los Blops en su tercer álbum se empapan con el sonido de inicios de la década setentera que ya en los parlantes anglo se había posicionado y que en esta parte del mundo comenzaba a resonar de forma creciente. Lamentablemente, luego del golpe los masters de los tres discos de la banda fueron destruídos, por lo que por muchos años la discografía Blops fue desconocida ante las nuevas generaciones. En 2001 BMG reeditó los álbumes, a partir de las copias existentes, logrando remediar en parte el mal causado por aquella negra etapa de nuestro país.

Tal como cada año, en esta semana de fiesta para Chile Lado B destaca el rock nacional y en esta oportunidad rescatamos para ustedes esta joyita perdida de Los Blops "Locomotora" de 1973, una suerte de rareza que puedes descargar desde ya Aquí

No olviden que pueden escuchar LADO B, esta semana con su especial de Fiestas Patrias con puro rock chileno, todos los miércoles a las 19 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días viernes acá en nuestro blog en la categoría LADO B - RADIO.