Larga Vida al Rey (el verdadero rey)

Por Patricio Salazar

Si un músico es bueno da lo mismo que está de moda en las radios y que no. Poco importa competir con agrupaciones de "Boys bands" o con compadres pálidos y con los ojos más delineados que la misma Cleopatra. Cuano empieza a sonar la suave guitarra de B.B King junto a esa voz gruesa producto de un corazón azotado por los azares de un bluesman - y unos kilos demás, hay que decirlo - nos damos cuenta que estamos frente a uno de los más grandes músicos del siglo XX.

El 2007 no comenzó bien para el rey. En enero una gripe los mandó directo al hospital, debiendo cancelar al menos un par de conciertos en su país de origen. Y es que a sus 82 años, no le causa ninguna gracia tener que alejarse obligado de los escenarios, donde por más de medio siglo se ha alimentado del aplauso del público, quienes lo han sabido recompensar como de debe.

Ganador de 14 premios Grammys tambien se le otorgó el Premio Nacional de Artes americano, a la vez que la Universidad de Mississippi lo hizo PhD honorario de esa casa de estudios y la Academia Sueca le dio el Premio de Música Polar, por sus aportes al blues. Nada es demasiado para quien se ha transformado en el sinónimo más directo del estilo padre del Rock and Roll

Es por esto que el disco "B.B King The Best of the Early Years" es un trabajo indispensable en las estanterias de cualquier amante de la buena música. Son 25 temas que repasan los primeros años del maestro. Esos en que su voz era increíblemente dulce y cuando ningún famosillo peleaba por tocar junto a él. Esta es una obra donde se puede apreciar la gran versatilidad de músico afroamericano, moviéndose plácidamente con big bands, tocando en formato de trío, desplazandose hacia el boggie y luciéndose en el primitivo y emocional blues de 12 compases, imprimiéndole su sello a una formula que a esa altura ya tenía varias décadas de recorrido.

Acá hay clásicos como "Sweet Little Thing", "Three O Clock Blues" o "Catsfish Blues" en donde la guitarra de B.B King se separa de la de sus contemporaneos gracias a esas intensas respuetas a su voz, cuyas melodías pentatónicas son capaces de competir con el mayor acierto poético de unas letras dedicadas a las mujeres, el amor y la desesperanza. No por nada Buddy Guy, otro grande del blues dijo "antes de este chico, todos tocaban la guitarra eléctrica como si fueran malditas acústicas".

Mención propia para "Sweet Sixteen", lejos la canción más hermosas del disco entero y uno de los grandes clásicos del bluesman. Son seis minutos de una súplica a través de una voz que bordea el llanto por la desesperación amorosa y que se quiebra varias veces debido al ahogo de un alma torturada por la indiferencia femenina. Más nos vale que B.B King haya conseguido al amor de su vida con esta canción, porque si no pudo claramente no queda ninguna esperanza para el resto de nosotros.

Al terminar, "B.B King The Best of the Early Years" es un testimonio de que cuando algo es tremendamente bueno se vuelve atemporal. No importa si eres hippie, trash, pokemon o pelolaís, si alguno de estos acordes suenan en tu radio tendrás que subir el volumen, porque por último alguien más te lo pedirá. Una vez Mr. King dijo " ¿Sabes que me hace realmente feliz?, Dame seis cuerda y seré feliz"... definitivamente lo apoyo, denle seis cuerda y yo tambien seré feliz.

Disfruten y descarguen "B.B King The Best of the Early Years" desde ésta direcciónhttp://www.mediafire.com/?1121bx342gm

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Los perros días de 1995

Por Manuel Catrilef Cea

El mundo es injusto, y eso no lo vamos a descubrir ahora. Él de la música suele ser mucho peor aún. Y en nuestro querido chilito se suele acrecentar aún más la injusticia.

A mediados de los 90' en este lado del planeta comenzó a surgir un fuerte apoyo de la industria hacia las bandas nacionales. Y fueron muchas las que pudieron publicar su primer disco y tener difusión radial, demasiadas de hecho. De esa masa de grupos sólo algunos, como Chancho en Piedra y Lucybell, lograron mantenerse vigentes, la mayoría no superó la prueba del tiempo.

Y a decir verdad, no fue algo extraño. Esos conjuntos tenían muchas ganas e ideas, pero carecían de calidad y talento para lograr consolidarse. No hubo "discriminación positiva", se publicó cualquier porquería. Artitas como Elso Tumbay y Jano Soto son buenos ejemplos de aquello (incluso éste último en un blog admitió que su propio disco era bastate malo).

Pero también existió una tercer arista en ese fenómeno: las bandas buenas que no fueron tomadas en cuenta. Ya sea porque no les intersó a las disqueras explotarlas o porque éstas simplemente prefirieron no amarrarse a una multinacional.

Dentro de éstas encontramos a La banda del capitán corneta. Recibieron ofertas de EMI y Polygram para editar su primer disco pero las condiciones del contrato los restringían demasiado. Así que el sello Alerce fue quien les permitió hacer lo que quisieran en lo que fue su debut y despedida, Perros Días (1995).

Sólo en el circuito under y dentro del ambiente musical fueron reconocidos como una tremenda agrupación. Las radios y el público masivo nunca hicieron mucho eco de su música.

Y fue una lástima porque "Perros Días" es realmente un disco excelente. Blues, Jazz, Funk y algo de Hard Rock son los elementos que se entrecruzan constantemente. Pese a que esto puede hacer pensar que estamos ante un grupo de sonido complejo de digerir, nada está más lejos de la realidad. Lo melódico y contagioso es la tónica, la energía de un grupo de jóvenes que recién comenzaban es lo que se puede sentir en cada estrofa de "vida de perros" y "sarna". La vibra de la génesis de algo potente se puede percibir en cada track del álbum.

A lo anterior, hay que sumarle la pulcritud técnica de cada tema. Que el sonido directo y aparentemente simple no los engañe, cada instrumento está lleno de arreglos y estructuras que le hacen honor a la educación formal en música que tuvo cada miembro de la banda.

Capítulo aparte es la voz de Pancho Rojas, quien le imprime un sello propio a los temas desde el comienzo del disco. Claramente que aquí ya se podía ver que se iba a transformar en una de las grandes voces del rock local, cosa que corroboró tanto en Mandrácula, como actualmente en Dama Juana.

Disfruten y descarguen "Perros Días" de La Banda del Capitán Corneta desde ésta dirección
http://www.mediafire.com/download.php?1nvw9e2m9z2

Aproveche, este disco simplemente ya no se edita más, así que es de las oportunidades que no pueden dejar pasar.

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(Di)sonancias ochenteras

Famosos pero desconocidos, de culto pero denostados. La historia de Violent Femmes se nutre de contradicciones partiendo por la más importante de todas: su singular sonido. Mezcla de punk, folk y pop, esta banda proveniente de Milwaukee, Estados Unidos, hizo de la experimentación e innovación banderas de lucha de un estilo hasta ese minuto inexplorado.

Contrario a lo que sucedió para su lanzamiento en 1982, hoy los acordes del homónimo primer álbum de la banda nos suenan familiares -aunque no por eso repetidos-. Porque desde que Gordon Gano y compañía pisaron por primera vez los escenarios comenzó una historia que se sigue escribiendo hasta ahora y que los tiene como verdaderos abuelos no reconocidos de una herencia musical y performática que se reparte a lo largo de diversos géneros, décadas y trayectorias; dejando claro que pese a no liderar nunca los ranking, su influencia se ha ido acumulando con los años y es mucho más que una estampa en camisas rockeras.

Pero, ¿son realmente estas “mujeres violentas algo más que Blister in the Sun, su tema más famoso y que hizo furor entre los fiesteros universitarios de la época? La evidencia pareciera confirmar que sí, porque además de ser algo así como el primer grupo folk-punk de la historia -si es que existe tal denominación-, son los autores de un disco que innovó más allá de lo que estaba ocurriendo en ese entonces, adelantándose incluso en años a lo que luego sucedería en la música.

Porque al oír el disco sabiendo que fue realizado en los inicios de la década de los 80, llama la atención lo inusual de sus melodías y lo parecido que suena a lo que tiempo después se ejecutaría en forma un poco más masiva, siendo este un álbum que equilibra sabiamente los distintos temas de un disco marcado por otra de las contradicciones de la banda: que no todo es tan feliz como parece. Porque uno de los talentos de la voz nasal de Gano, las cuerdas de Brian Ritchie y los tambores de Víctor DeLorenzo fue explotar irónicamente el más visceral y masoquista de los sufrimientos: la angustia adolescente de ese nerd que todos llevamos dentro.

Y ya sea innovación, talento, suerte, locura o una mezcla de todo lo que condujo a este trío hasta los sonidos de su primer y más aclamado disco, es necesario escucharlo aunque sea una vez para decidir si vale la pena seguir explorando en otros de sus temas o simplemente quedarse con lo que ya es conocido: la aparente alegría de un hit famoso por demasiado tiempo.

Si quieres bajar Violent Femmes, disco debut de la banda pincha aquí: http://www.mediafire.com/download.php?01zm2nmwb1p

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Violent Femmes - Violent Femmes (1983)

A la espera del comentario de Alejandra sobre el disco homónimo de Violent Femmes, les dejamos la placa para que puedan descargarla en este link http://www.mediafire.com/download.php?01zm2nmwb1p

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Ladys and Gentlemans, ¡the Blues Explosion!

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Box set, ediciones de lujo o lados b. Raras versiones que en un inicio sólo un reducido número de personas conoce, hasta que el músico en cuestión -coludido o no con su disquera- lanza al mercado uno de aquellos discos que la mayoría de las veces sólo los fanáticos logran realmente apreciar.

Sin continuar precisamente esta línea, podemos incluir a la banda neoyorkina Jon Spencer Blues Explosion -hoy llamada sólo Blues Explosion- como seguidora de esta tendencia llevada al extremo. Porque entre 1998 y 1999 el trío lanzó al mercado tres LP’s bajo el nombre de Acme, donde el original se diferenciaba de las versiones posteriores –Acme Plus (UK) y Acme Xtra (US)- por su falta de apellido. Hasta aquí nada extraño, si no fuera porque esas dos secuelas son una misma versión que casi no poseen relación con el disco “original”.

Entonces, ¿porqué llamarlos por el mismo título?, ¿exceso de creatividad o flagrante negocio? Lo cierto es que en 1999 la noticia debe haber tenido al fanático-melómano-codicioso con una fuerte comezón en las manos y a la disquera, Matador Records, con una gran sonrisa de sólo imaginar sus bolsillos más abultados.

Lo interesante de todo esto, además de los puntos de trivia ganados, es acercarnos a un fenómeno de elitismo musical nada reciente que en este caso, constituyó una experiencia singular al haber hecho gastar los pesos del fanático en uno, dos o tres álbumes que son algo más que una versión “rara” extra o una carátula distinta.

A lo largo de los 19 temas que componen Acme Plus, nos encontramos con una selección más cercana a los puntos altos en experimentación y energía de esta banda de punk blues, que a las melodías explotadas en el más desabrido Acme sin apellido. Siendo un disco que logra imitar, aunque no igualar, el magnetismo de una puesta en escena conocida por hacer de las contorsiones de su vocalista y de su potencia sonora una inyección hacia las venas.

Yendo más allá de virtuosismos y técnicas, la placa posee temas como Chowder o New Year con los que deja en claro que lo único importante aquí es la reacción de los sentidos ante este ejercicio visceral de rock and roll. “La banda nunca frena entre canciones para tomar aire y arranca de nuevo apenas el público piensa que es tiempo de aplaudir”, fue la descripción que hizo años atrás la revista Mojo sobre uno de sus shows y que Acme Plus simula a la perfección. Una mezcla de energía, performance, ritmo y velocidad de la mano de Jon Spencer en voz, Judah Bauer en guitarra y Russell Simins en batería, efectuando un retrato que incluye el ingrediente que ha hecho grande a este trío desde su formación: la bendita y famosa explosión.


Acme Plus fue el disco de la semana el 17 de octubre, programa que puedes escuchar al igual que todas nuestras otras emisiones en: http://www.ladob.podomatic.com/

Para bajar Acme Plus pincha aquí http://www.mediafire.com/download.php?ahkfnzzzdhz y
si quieres el Acme visita acá http://www.mediafire.com/?bymlx2hkyas

Vote por Miles

Por Pamela Ramírez R.

Hacia 1972 el genial Miles Davis ya había sorprendido al mundo con joyitas como Kind of blue en 1959. Hasta la fecha las reverencias lo habían acompañado en cada ejemplo de maestría expresado con su trompeta, verdadero virtuosismo en clave de bronce.

Pero con la salida de On the corner, ese año 72, la recepción fue muy distinta. La crítica de la época lo vapulió, no comprendiendo la nueva propuesta de Davis, muy distinta a sus trabajos anteriores, la cual explotaba un sonido lejos al jazz convencional. Qué mal oído, más bien, qué ilusos, pues qué menos convencional que un personaje y artista como Miles.

Siempre dando un paso más adelante, Miles nunca pretendió enjaular al jazz, expandiendo sus límites (si es que existen) y cruzándolo con otros estilos como el rock y el funk. Es el caso de On the corner, el cual rescata a la calle como premisa, integrando guitarras eléctricas, un bajo con pulso más funky, además de una base en percusiones, cuyo resultado constituyó un referente para lo que posteriormente sería el hip-hop, el drum and bass y la electrónica.

Un impulso mucho más festivo se propuso Miles, para acercarse sobretodo a los jóvenes que habían puesto atención a otros estilos más populares y masivos como es el caso del rock.

En un nuevo especial de Lado B! decidimos dedicar nuestras dos horas de programa al jazz, palabra que es sólo eso, un intento por englobar lo inconmensurable. Hasta la fecha, la evolución que ha pasado por las big bands, el bebop, la grandeza de un Miles, un Coltrane, un Dizzie, Bird, Thelonius, por nombrar solo algunos, aún sigue su curso, enriqueciéndose con otros estilos e inspirandonos cada día.

Descarga el Disco de la Semana del especial de jazz en Lado B!: On the corner, de Miles Davis (1972) desde el siguiente link http://www.mediafire.com/?5kdlov2m31b

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Un Gruñido en la Oscuridad

Por Patricio Salazar.

Yo siempre he tenido la costumbre de visualizar en imágenes las canciones que escucho a diario. Tal vez por una vocación frustrada de cineasta o porque definitivamente Mtv terminó por podrirme las neuronas.

Sea lo que sea, la primera vez que escuché "Down III: Over The Under", tercer trabajo de la banda de Phil Anselmo lanzado en septiembre de este año, lo primero que se me vino a la cabeza era una ciudad polvorienta y devastada. Una destrucción teñida de polvo seco y esparciendose en los cerca de 60 minutos que dura el disco; una orbe en ruinas grises, a merced de esa muralla de gruesos riff que los chicos de Nueva Orleans tan bien lograron en esta tercera entrega.

Este desvarío mental en realidad no está tan alejado de las motivaciones que dieron vida a este albúm. Con su mente consumida aún por la culpa de nunca haber arreglado bien las cosas con Dimebag Darrel (Vean esto http://www.youtube.com/watch?v=nTlAHo5Kqa4), Anselmo tuvo que enfrentar una operación a la espalda que lo mantuvo alejado de los escenarios y la destrucción de Nueva Orleans a causa del huracán Katrina, sucesos que lo mantuvieron en una profunda depresión.

Su silencio preocupó a los fans quienes esperanzados por los excelentes trabajos anteriores de Down (N.O.L.A y Down II), esperaban con ansias la siguiente propuesta del incombustible Anselmo. Pero mas preocupaba a sus nuevos compañeros de banda, quienes veían como uno de los más grandes frontman del metal se iba hundiendo cada vez mas en la oscuridad. Asi fue como Pepper Keenan buscó al cantante y lo puso nuevamente al frente de Down logrando, ciertamente, la mejor placa de su historia.

Y es que "Down III: Over The Under" nos entrega una de las mejores interpretaciones vocales en años de Phil. Claramente ya no es el tipo que podía gruñir como el peor de los orcos para luego batirse a duelo de armónicos con Dimebag Darrel, como lo hizo en Cemetery Gates, pero aun conserva es timbre capaz de brutalizar hasta el más insípido de los lick de guitarra. Un rugido que es abrumador desde el comienzo y que es capaz de matizar con una voz cancina que obliga a tomarnos en serio a este hombre.

El trabajo en la guitarras por parte de Keenan y Kirk Windstein es solidísimo. Volviendo más las ideas que expusieron en N.O.L.A, la dupla genera riff gigantes de una distorsión fangosa y espesa, llenos de groove azotados por la firme, aunque no descollante, batería de Jimmy Bower. Otra de cosas a destacar es la utilización de pasajes acústicos en alguna de las canciones, recurso que ha caracterizado a Down en sus tres discos, y que debe ser una de sus propuestas más logradas. Porque si bien ninguno de los guitarristas podría ser sindicado como solistas destacados (no hay ningún solo que te permita asumir que estas frente a un talento superior) ambos saben trabajar extremadamente bien los sonidos limpios de sabor sureño con un poco de blues como condimento. La canción "Never Try" es un claro ejemplo de cómo el mundo interior es capaz de manifestarse a través de las entrañas en la música. Gran tema.

Otro de los aspectos destacables es el trabajo de posproducción del disco. Down II, su placa anterior, pecaba de una labor en las perillas algo desprolija, aunque en realidad no podemos saber si fue con intención o no. En cambio en este album, la mezcla suena increíblemente power. A cada instrumento se le extrae el máximo potencial, y las armonizaciones en las voces de Anselmo son perfectas. En resumen uno puede sentir como sale toda la frustración y rabia de quinteto a través del polvo de la orbe en ruinas. Claramente este es un disco que todos los fanáticos del Metal deben tener.

Y como en Lado B estamos por fomentar la música, les ofrecemos para descargar gratis "Down III: Over The Under", solo haga click acá: http://www.mediafire.com/?8wyybdzen44

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