Una chica como ella, en un lugar como ese

Por Patricio Salazar

En los '90 el grunge tenía héroes y fisonomías muy claras. Los chicos de Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, etc., eran chascones, pelilargos, rudos, depresivos y displicentes. Cualquier aspirante a este grupo debía tener en cuenta este formato, sobre todo tras la muerte de Kurt Cobain en 1994, año en que la caricatura de este tipo de músico se instaló para siempre.

Las malas imitaciones no se hicieron esperar. Un montón de grupejos (que realmente me da soberana lata nombrar) trataron de apoderarse de estos elementos para instalarse dentro de lo que estaba pegando. El cliché no tardó en aparecer y todo lo que representaba la generación X se prestaba para un sketch de Saturday Night Live.

Dentro de esta etapa es en que aparece Tracy Bonham, una chica oriunda Oregon en Estados Unidos. Tras una adolescencia marcada por sus estudios de violín y posteriormente canto en el Berkley Collage Of Music, en 1996 lanza el disco “The Burdens of Being Upright” que fue un batatazo comercial ese año.

La canción “Mother Mother” revolucionó los charts, a esas alturas saturados de grunge y dándole paso al New Metal, permaneciendo un mes en el número uno norteamericano. Y es que esa canción, y el disco en particular, tenía variados elementos que lo hacían novedoso.

En primer lugar tenemos a una cantante musicalmente muy dotada, capaz de introducir dulces violines a canciones oscuras. Una voz que no se intimida al pasar desde un suave murmullo hasta un grito desgarrador y que en todo momento mantiene algo siniestramente femenino que llama poderosamente la intención.

En “Shark Can't Sleep” se nota claramente esta interacción. Si bien hay una clara influencia de Nirvana en esta canción (y en casi todo el disco), Tracy no intenta ser una versión femenina del rubio de Aberdeen. Ella es una chica y se expresa como tal. Su voz es dulce cuando debe serlo y poderosa cuando se quiere hacer escuchar. Es capaz de seducir bajo cristalinos acordes disminuidos y desconcertar sobre punkies quintas distorsionadas.

A pesar de que después de este disco la carrera de Tracy no logró consolidarse, “The Burdens of Being Upright” es un disco que merece ser escuchado.

Para descargarlo sólo haz clic aquí

Stone Temple Pilots en el Pepsi Music 2008

Por Manuel Catrilef Cea

El año pasado Sudamérica tuvo una pequeña probada de lo que era el sonido de la banda grunge no originaria de Seattle más famosa. Velvet Revolver en su gira por este lugar del mundo tocó dos temas de Stone Temple Pilots (Crackerman y Sex Type Thing) demostrando que la energía de aquellos acordes eran increíbles en vivo, a pesar de no ser interpretados por toda la gente que los creó.

Pasó más de un año desde esa serie de recitales para que nuestra región tuviera la posibilidad de ver a los chicos de San Diego reunidos nuevamente, pero las productoras mostraron su miopía al no querer costear un recital que tenía un público objetivo que había mostrado su disposición a pagar por ver a las bandas con que crecieron en los '90 (los llenos de Pearl Jam y Chris Cornell son prueba de aquello). De esta forma solamente México y Argentina fueron los países de habla hispana que pudieron ver en gloria y majestad a Stone Temple Pilots.

Weiland y compañía cerraron de forma notable la última fecha del festival Pepsi Music 2008 en el Club Ciudad de Buenos Aires. Precedidos por un generoso número de teloneros, STP se paseó por prácticamente todos sus grandes hits, solo obviando las canciones de su último disco de estudio Shangri - La Dee Da (2001). Lo cual demostró que vinieron precisamente a pagar la deuda que tenían las bandas grunge con nosotros, los latinos. Y a pesar de no haber empezado con el tema más rockero de su trayectoria (Big Time) si fue suficiente para entusiasmar a un público que se destrozó la garganta coreando TODOS LOS TEMAS, ninguno se escapó, incluyendo los de sonido más pop como Big Bang Baby o Lady Picture Show.

Pero qué decir cuando tocó el turno de escuchar Wicked Garden o Sex Type Thing, la algarabía sorprendió, tanto por la entrega de Scott Weiland arriba del escenario y la gente abajo del mismo, que en el único momento en que hizo una pausa, más para prestar atención que por cansancio, fue en esa suerte de experimento sonoro psicodélico al medio de Creep. Aunque el descontrol fue total con un tema que a pesar de estar a midtempo (Dead & Bloated), de manera natural la mayor parte de los presentes creyó necesario disfrutarlo con un slam, mosh o como quieran llamarlo.

Eso fue lo otro "anecdótico" del concierto, sin que STP sea una banda de millones y millones de discos vendidos, la cantidad de clásicos que están en el inconsciente no es menor, permitiendo que a pesar de tocar de manera continua Creep, Plush e Intestate Love Song, todavía les quedara repertorio para mantener con energía a su gente.

Al cerrar el show con un tema con mucho groove, Trippin' On A Hole In A Paper, el público despidió a la banda sin pedir más, porque a pesar que hora y media parezca poco, la intensidad de los hermanos DeLeo, el batero Eric Kretz y el todo estrella Weiland fue más de lo que las 25 mil pesonas que asistieron estaban preparadas para recibir.

Por todo aquello, aquí les dejamos a su disposición el recital que brindaron aquel glorioso 15-10-2008 en Buenos Aires.

Descargar aquí

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Entrevista a Superatones en Argentina

En el marco de la cobertura especial que hicimos a la última fecha del Pepsi Music 2008 en Argentina, tuvimos la oportunidad de entrevistar a la banda trasandina Superatones justo antes de su presentación en dicho show, que tuvo como plato principal a Stone Temple Pilots.

Así que aquí les dejamos la entrevista completa con la agrupación:



Gracias a Caracho por ser camarógrafo.

Lado B 22-10-2008

En esta edición de LADO B! una completa cobertura de la última fecha del festival Pepsi Music 2008 en Argentina:

Bloque 1: Soundtrack de la semana con Trainspotting, tocando a Blur e Iggy Pop
Bloque 2: Comentario de bandas soporte del Pepsi Music con Cabezones, Masscre y Carca
Bloque 3: Noticia con el festival Santiago Rock, tocando a Los Tres y Los Jaivas
Bloque 4: Comentario del disco de la semana con Tracy Bonham y su placa The Burdens of Being Upright
Bloque 5: Entrevista exclusiva con la banda argentina Superatones, antes de su presentación en el Pepsi Music
Bloque 6: Comentario del número principal del festival Pepsi Music, Stone Temple Pilots, incluyendo dos temas extraídos de su concierto.
Bloque 7: La lamentable noticia de la separación de la banda chilena Weifchafe



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La génesis barbárica de tres cabezas

Por Pamela Ramírez R.

Desde los primeros segundos de "The Barbarian", la apertura del álbum con la misteriosa carátula rotulada "Emerson, Lake and Palmer", sabemos que lo que suena volará nuestras cabecitas. Con solo este tema, basado en la pieza "Allegro Barbaro", compuesta en 1911 por el húngaro Bela Bartok, podemos darle una idea a nuestro oído de lo que será todo el disco. Se trata de un comienzo potente,y desenfrenado, lleno de aciertos que reflejan el virtuosismo de este trío británico, una energía inicial que daría pie a toda una era de talento progresivo.

El debut homónimo de 1970 del llamado primer supergroup del rock, pues sus integrantes Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer habían pasado por The Nice, King Crimson y Atomic Rooster respectivamente, es de esos discos que sobreviven al paso del tiempo por su consistencia musical, con piezas que sintetizan esa amalgama de sonidos con toques jazzísticos, experimentales y con excelencia docta, llamada rock progresivo.

Este esfuerzo inicial recoge un talento triple en potencia, aún sin pulir completamente ni llegar a los trabajos de mayor ambición y complejidad que vendrían más tarde, pero no por eso menos notable en muestras de valor musical. Sobretodo, es posible notar la grandeza individual de la sigla ELP en temas como "The Three Fates", donde la suelta mano de Emerson en el órgano resalta tanto como en todo el álbum; "Tank", compuesto por un Palmer que quizo jugar con nuestras mentes en cada solo; y quizá la más famosa del disco y de la carrera de ELP "Lucky Man", la única balada presente, escrita por Lake a los doce años y con uno de los finales más hermosos y épicos que se han escuchado.

No está demás decir que quienes no se han aproximado al rock progresivo, calificado de poco accesible y demasiado intelectual por sus detractores, pueden hacerlo y abrir sus orejas con este debut de Emerson, Lake and Palmer, el disco de la semana de Lado B.

Descarga este discazo aquí

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Lado B 15/10 Especial Rock Progresivo

Esta semana en Lado B!

Especial de Rock Progresivo, con exponentes de diversas épocas y estilos como Planet X, Protest The Hero, Soft Machine y Simphony X. De fondo, suena el disco de la semana que en esta ocasión fue el debut homónimo de Emerson, Lake & Palmer de 1970, una verdadera joyita de la progresiva.

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Saludos y sigan escuchando Lado B Radio.

La sicótica dulzura de Jesus and Mary Chain

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Conocido por muchos como el conjunto de los hermanos Reid, Jim (voz) y William (guitarra), The Jesus and Mary Chain es mucho más que un sonido "ruidoso" proveniente de Escocia, con altas dosis de drogas en el entorno "ondero" y alternativo de los 90. Por el contrario, la agrupación que el 4 de noviembre visitará Chile en el marco del Festival SUE, donde se presentará junto al "plato fuerte" de la noche, los estadounidenses de REM, es una de esas bandas que gracias a su falta de parafernalia, estudios de mercado o comportamiento políticamente correcto logró marcar un hito en las cabezas de toda una generación.

Porque a principios de los 80, cuando la música británica buscaba un nuevo camino luego del fin del punk, surgió un grupo que tomó prestado y unió en forma magistral la rapidez y furia de este movimiento con las melodías lisérgicas de la psicodelia. Una mezcla perfecta entre armonía y distorsión: Sex Pistols, Pink Floyd y The Velvet Underground revolviéndose en la misma juguera. Eran The Jesus and Mary Chain.

Formados en 1984, un año después lanzan su primera placa Psychocandy, que se convirtió en algo así como el aliento que el público post punk, huérfana generación que ya no luchaba contra la reina sino contra la Thatcher, necesitaba: voces susurrantes en medio de envolventes melodías que, como si fuesen parte de una bizarra versión de algún tema de The Beach Boys -en muchos de los coros es posible oír el gusto por la clave pop-, se intercalaban con eternas y asfixiantes distorsiones de guitarra.

Un disco fundamental para entender lo que sería luego la explosión del brit rock de mediados de los 90, incluso para aquellas bandas que dejaron de lado el sonido noise pop del que The Jesus and Mary Chain fue claro estandarte. Una placa que a 23 años de haber sido editada sigue sonando tan refrescante como en sus inicios, lo que no es un mérito menor, dada la tendencia actual al reciclaje y homenaje de sonidos como el que los hermanos Reid patentaron.

Y aunque es necesaria una segunda o tercera vuelta a este ecléctico disco antes de asimilarlo, es sin duda una de aquellas experiencias que no se olvidan, ya sea por la engañosa Just Like Honey, uno de sus temas emblemáticos y que fue utilizado años después por Sophia Coppola para el final de Perdidos en Tokio (2003), que con una dulzura melódica inusitada anticipa un recorrido muy distinto a lo que realmente luego vendrá con la oscura ambientación lograda con canciones como Never Understand o You Trip Me Up.

Descarga el disco aquí

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Entrevista a Perrosky de Guiso

Lo prometido es deuda. Aunque sea con un poco de retraso, los dejamos con esta mini entrevista a Alejandro Gómez, más conocido como Perrosky, de la banda chilensis Guiso. Todo fue hecho la noche del lanzamiento de su primer disco en vivo "El arte del desastre", el cual está disponible en su sitio web http://www.guiso.net

Agradecemos nuevamente a la gente del Club Mist por su buena onda y disposición.

Lado B 08-10-2008

En la última edición de LADO B!

Bloque 1: Jean-Luc Ponty visita Chile
Bloque 2: Comentario de Nine Inch Nails en nuestro país
Bloque 3: Comentario del disco de la semana con Jesus & Mary Chains y su Psychocandy
Bloque 4: Comentario de Black Rebel Motorcycle Club en Chile
Bloque 5: Poporri con Weezer y las bandas metaleras nacionales Enigma y Espectro
Bloque 6: Noticias con Depeche Mode y su nuevo disco
Bloque 7: Estreno de canciones del nuevo disco de AC/DC, Black Ice

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Corrosión "bailable"

Manuel Catrilef Cea

Dentro de lo cuadrado que puede ser el mundo del metal extremo, con un panorama de bandas nuevas que en su mayoría cultivan el metalcore y derivados, es refrescante escuchar la propuesta de la banda danesa Raunchy. Con su placa Wasteland Discotheque (2008) terminan de consolidar esa fusión impredecible de sonidos que crearon en su anterior disco de estudio Death Pop Romance (2006).

Elementos tan disonantes como la voz corrosivamente black metal de Kasper Thomsen y las guitarras melódicas con ese toque thrash se mezclan perfectamente para satisfacer oídos ávidos de escuchar propuestas nuevas y que estén dotadas de ese groove necesario para quedar prendido por horas.

Pero detras de la capa más audible del sonido de Raunchy, aparecen otros elementos que, más que limitarse a ser simples arreglos, son los que le dan finalmente esa vuelta de tuerca a su música. Un teclado claramente inspirado en las melodías del New Wave de los ochentas le da ese aire fiestero/melancólico (paradoja más que posible para esta banda) es el que da un aire diferenciador a la banda. Un tremendo logro para esta agrupación, tomando en cuenta que un peso pesado del doom metal de los 90 como Paradise Lost trató de hacer eso mismo, con resultados muy pobres.

Mención más que honrosa para los momentos en que Thomsen hace las voces limpias junto con el tecladista Jeppe Christensen, dándole también tu toque de melancolía y que no termine hostigando tanto grito. También el batero Morten Toft Hansen hace un notable trabajo en su instrumento, no remitiéndose al simple uso del doble bombo a mil por hora, sino que usa el hi-hat al más puro estilo jazzero cuando es necesario, dándole más groove incluso a las canciones. Otros percusionistas del metal deberían aprender de aquello, no todo es tocar rápido.

Wasteland Discotheque es un claro ejemplo que se puede seguir innovando en un género en que se suelen repetir fórmulas hasta el cansancio, por lo que darle una escuchada por lo menos es imprescindible.

Descarga el disco aquí

No olviden que pueden escuchar LADO B, esta semana con “Black Butterfly” de Buckcherry todos los miércoles a las 19 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días viernes acá en nuestro blog en la categoría LADO B - RADIO.

Que siga la juerga!!, Lo nuevo de Buckcherry

por Conde Pátula

Hay cosas de las que uno no se cansa. Poco importa quien las creó, sólo sirve que aún sigan estando ahí. En el caso del Rock And Roll la actitud desenfadada, el alcohol y la juerga son elementos que sobreviven a los cambios de compases, estilos y modas.

Por eso es que bandas como Buckcherry son apreciadas. Los tipos no han inventado nada. Sus acordes y riff ya fueron tocados décadas antes por los íconos del género y cuyas almas impregnaron y definieron a la música popular. Pero la capacidad que tienen estos americanos de recordarnos esos “valores” es impagable. En un mundillo musical marcado por las poses y los profetas, a veces un poco de neanderthalismo es necesario.

Su nuevo trabajo “Black Butterfly”, aunque algo disparejo, tiene mucho de eso. El álbum comienza con una canción titulada “Rescue Me” que parece sacada de otra parte. Es un ejercicio melódico extraño para un grupo que en “Lit Up” cantaba a grito pelado sobre la adicción a drogas y situaba las bases de un “Cock Rock” con letras llenas de testosterona y políticamente incorrectas. Demasiado limpio para ser Buckcherry.

Sin embargo la fiesta recién comienza. Al igual que bajo los efectos del trago “Black …” se va desatando poco a poco a medida que van pasando los minutos. Se puede sentir como Josh Todd se empieza a soltar la corbata para liberar esa garganta llena de hálito alcohólico y empezar la catarsis característica del grupo. De pronto la cerveza empieza a salir por los parlantes revelando los estados etílicos de los miembros de Buckcherry.

Si la primera canción es de compostura poco creíble, ya en el tercer corte la cosa empieza a mejorar. Se les escucha un poco más contento, más “jugosos”. Con una base funk juguetona “Too Drunk To Fuck” ya empieza a incomodar a los miembros de la fiesta en la andan los chicos de Buckcherry. De caminar lento, la canción tiene una pose altanera que empieza a desnudar la real esencia de la agrupación y lo que amamos de ella. Se les puede ver caminado, robándose vasos de copete ajenos y fanfarroneado de su proeza de no poder coger por tanto alcohol, sin que a nadie más que a ellos les interese la historia probablemente.

En esta misma línea siguen los tracks “Talk to Me”, “A Chile Called It” y “Fallout”, hasta que llegamos al climax con “Imminet Bail Out” canción que nos devuelve a los Buckcherry que todos esperábamos en este trabajo. Una canción directa, poderosa, con Todd desatado, gritando y unas líneas de guitarra con unos cojones que deben ser cargados con una carretilla. Una descarga de energía que se agradece y que te invita a tomar una escoba, cerrar los ojos y tocar ante un estadio imaginario lleno de devotos fans.

Punto a parte son las baladas de este trabajo. Acaso el punto más bajo son las melosas notas “Dreams”, “Don’t Go Away”, que parecen no responder a la lógica de la banda. La suavidad y la melosidad no corresponden con la voz de Todd que parece estar siempre sedienta de algo más, siempre tiende a ponerse ronca y no se ve acompañada por los instrumentos. A veces llegar a dar verdadera lata.

Por la otra vereda está “Cream” que si es una balada digna de Buckcherry. “Siempre serás mi más profundo amor”, dice Todd al comienzo acompañado de una bajo que no hace nada más quedar paso a un brutal riff en la parte media de la canción que nos demuestra que no siempre hay que arrastrarse para declarar amor eterno. Se puede ser rudo aún en esa ocasión.

Descarguen el disco desde Acá

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LADO B 17-09-2008 (Especial Rock Chileno)

Fiestras patrias en Chile y nos pusimos a tonos nuevamente con un especial de rock hecho en nuestro país.

Bloque 1: Disco de la semana con Los Blops y su Locomotora
Bloque 2: El trio chileno de Doom Metal Electrozombie
Bloque 3: Seguimos con el metal, pero esta vez en clave Thrash con Dogma
Bloque 4: El sonido garage de Fother Muckers
Bloque 5: Hielo Negro y su rock stoner
Bloque 6: Uno de los mayores representantes del hardcore en Chile con BBS Paranoicos
Bloque 7: Finalmente terminamos con todo el sonido corrosivo de Slavery

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Locomotora Tricolor

Por Pamela Ramírez R.

Reconocidos más por su cruce musical con la Nueva Canción Chilena al colaborar con Víctor Jara en el emblemático "El derecho de vivir en paz" de 1971 y por ese hito cancionístico (y por qué no decirlo un infaltable en los guitarreos de fogata) llamado "Los Momentos", la esencial banda chilena Los Blops dan un rotundo giro en su tercer disco de estudio "Locomotora", situándose en un sendero musical no mostrado en sus álbumes anteriores "Blops" (1970) y "El volar de las palomas" (1971).

Lanzado pocos días después del golpe de estado,de 1973, "Locomotora" se aleja de los quietos temas folk de las primeras entregas de la banda y se desata en largas piezas instrumentales de corte progresivo y con toques más jazzísticos, conectándose con la semilla rockera con la que comenzaron el grupo, cuando su repertorio incluía covers de The Rolling Stones y Eric Clapton., entre otros. De la preocupación por la lírica de sus canciones, en su locomotora Los Blops se concentran en otorgar la potencia a través de la música, dejando de lado las voces, a excepción del tema "Sandokan", donde se escucha una extraña especie de dialecto.

En los cinco temas que componen el disco, el grupo pone esfuerzo en demostrar un virtuosismo en cada melodía, por cierto antes no expuesto, pasando de instantes tenues y delicados de la mano del teclado y flauta, a secciones de mayor profundidad y fuerza, como es el caso de "Tartaleta de Frutillas", pieza tan agradable al oído como su nombre al paladar. Esa dualidad se revierte en temas como "Locomotora", donde el teclado define su presencia con más intensidad, y las percusiones lo refuerzan con un toque de fusión latina.

Sin duda, Los Blops en su tercer álbum se empapan con el sonido de inicios de la década setentera que ya en los parlantes anglo se había posicionado y que en esta parte del mundo comenzaba a resonar de forma creciente. Lamentablemente, luego del golpe los masters de los tres discos de la banda fueron destruídos, por lo que por muchos años la discografía Blops fue desconocida ante las nuevas generaciones. En 2001 BMG reeditó los álbumes, a partir de las copias existentes, logrando remediar en parte el mal causado por aquella negra etapa de nuestro país.

Tal como cada año, en esta semana de fiesta para Chile Lado B destaca el rock nacional y en esta oportunidad rescatamos para ustedes esta joyita perdida de Los Blops "Locomotora" de 1973, una suerte de rareza que puedes descargar desde ya Aquí

No olviden que pueden escuchar LADO B, esta semana con su especial de Fiestas Patrias con puro rock chileno, todos los miércoles a las 19 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días viernes acá en nuestro blog en la categoría LADO B - RADIO.

Pink Floyd no habría sido lo mismo sin ti...

BBC/M.C.C.

No resaltó por ser el músico atormentado de la banda (Syd Barret), el genio conceptual (Roger Waters) y tampoco el agraciado con una voz conmovedora (David Gilmour). Richard Wright (28/07/1943 - 15/09/2008) fue un hombre que no acaparó luminarias, era el de los arreglos, esos detalles que hacen que una canción pase de ser un tema más a una obra magnífica. Su genio para ocupar el teclado Hammond o Fafisa fue determinante en la magnificencia de discos como Meddle o Dark Side of The Moon.

La psicodelia pertenecía a Barret en su cabeza y a Gilmour en su guitarra, pero el lado épico, esa sonoridad que hace sentir al oyente que está ante algo gigantesco, era de absoluta propiedad de Wrigth (y muchas veces también el del jazz).

El cáncer se llevo a Richard y también muchas de las opciones de ver a Pink Floyd reunido, y aunque lo hicieran, hay un hueco que es casi imposible de llenar. Por lo menos se fue en paz con Roger Waters después de su pelea en los '80.

De Youtube extraemos el siguiente video que muestra un lado distinto de Wright, minimalista si se quiere: "Love scene V. 4" de la película Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni, un hermoso solo de piano, que si bien aparece todo Pink Floyd en los créditos, es claro quien lo compuso realmente.

Especial Fiestas Patrias!

Esta semana tenemos el tradicional Especial Dieciochero en Lado B, con sólo bandas del territorio chilensis. El disco de la semana en esta oportunidad lo traen Los Blops con su tercer disco de estudio "La Locomotora", una peculiar pieza dentro de su discografía, comentado por Pamela Ramírez.

Manuel Catrilef nos trae más decibeles chilenos con Dogma y Slavery, mientras que Alejandra Zúñiga hablará de Fother Muckers, banda chilena que provocará un encendido debate entre los conductores de Lado B.

En sus bloques, Patricio Salazar destacará el punk más melódico de los BBS Paranoicos y el sonido agresivo de los Elektrozombies. Además, Pamela Ramírez tocará el rock patagónico de Hielo Negro.

No se pueden perder este especial para que empiecen zapateando en estas Fiestas Patrias con lo mejor del Rock Chileno.

Escuchen LADO B, todos los miércoles a las 19 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o a través de nuestro blog en el tag Lado B Radio.

Bo Diddley, más que una guitarra cuadrada

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Su nombre podrá no haber aparecido en la lista de discos más vendidos o decorar las piezas de miles de fanáticos; sin embargo, es una de las más importantes influencias surgidas del rock and roll en sus inicios. Bo Diddley (1928-2008), el emblemático músico de la guitarra cuadrada (square bodied, que a veces llevaba la etiqueta de Jack Daniels impresa) creó un peculiar estilo que pese a no ponerlo, en términos de popularidad, al mismo nivel de Elvis Presley, Chuck Berry o Little Richard sí se encuentra entre los más importantes artistas de la época, de aquellos años en que los sonidos que hoy conocemos como rock comenzaban a nacer.

Músicos disímiles y posteriores como The Rolling Stones –con quienes hizo su primera gira por Estados Unidos-, The Yardbirds, The Clash –con quienes salió de gira en 1979- o el guitarrista de U2, The Edge, le rindieron homenaje en más de una oportunidad al tocar junto a él o, simplemente, reconocer y tomar algunos de los aportes que el autor realizó a lo largo de su carrera. Una trayectoria que tuvo uno de sus puntos altos de fama con su segundo disco, Bo Diddley is a Gunslinger (1961).

Un álbum donde es posible apreciar la técnica y los primeros pasos en la creación de su estilo, aquel que le permitiría desarrollar canciones enteras con un solo acorde, sólo con cambios de ritmo, y dejando además al descubierto la ecléctica mezcla de elementos que intervenían en la creación de su peculiar sonido. Por un lado, la forma “salvaje” de tocar la guitarra, en un intento por replicar lo que en sus días de violinista hacía con el arco de aquel instrumento, a lo que se sumaba su veta como baterista frustrado y, por otra parte, la innovadora unión de blues, rock and roll y melodías africanas que dieron como resultado una innovadora melodía basada en la repetición constante de un ritmo que parecía serlo todo y no querer finalizar jamás.

Precisamente, la creación de este singular estilo fue lo que en cierta medida impidió que obtuviera una desbordante fama mediática, pero fue también aquello que le reservó un lugar destacado en la historia como merecedor del título de precursor del rock and roll.

Para descargar el clásico de Bo Diddley pinchar aquí

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LADO B 10-09-2008 (Especial Rock 'N Roll)

En la última parte de nuestro ciclo de géneros fundacionales le rendimos tributo al estilo que es el antecedente directo del rock propiamente tal, un género que sentó la bases de lo que sería la rebeldía y la estructura que ocuparía melódica que ocuparían la mayoría del los primeros rockeros.

Bloque 1: Gene Vincent
Bloque 2: Eddie Cochran
Bloque 3: Carl Perkins
Bloque 4: Bo Diddley, de quien tambiés es el disco de la semana con su placa Bo Diddley is a Gun Slinger
Bloque 5: Brian Setzer
Bloque 6: Dave Edmunds
Bloque 7: Fats Domino

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Lado B 03-09-2008

Después de tener algunos problemas con el servidor que aloja nuestros programas, aqui está la pasada edición de LADO B

Bloque 1: Documental de La Renga en Chile
Bloque 2: Anticipamos las visitas de Bill Calahan y The Hives
Bloque 3: Popurrí de noticias con Slipknot, John 5 y Sonic Youth
Bloque 4: Lanzamiento del libro sobre la banda chilena Pinochet Boys
Bloque 5: Disco de la semana con Death Magnetic de Metallica
Bloque 6: Soundtrack rockero con la cinta Sid & Nancy
Bloque 7: Banda del recuerdo con las chilenas de Venus

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Metallica escuchó a los fanáticos...

Manuel Catrilef Cea

Si hay algo complejo en el mundo musical es evaluar las placas de Metallica desde el disco Load (1996) en adelante. Cualquier comentario positivo frente a alguno de esos LP significa de inmediato que eres un fanboy de la banda que les aguantaría hasta sus jugueteos con el Nü Metal. Por el contrario, si destrozas el disco o no dices nada bueno eres de la interminable lista de detractores de los Four Horsemen simplemente por haber introducido el mundo del metal al mainstream. Un pecado de capital.

Lo anterior es la mirada más general de los melómanos rockeros frente a quienes comentan discos, y las posturas claramente tienen algo de cierto, innegable. Y el nuevo disco de Metallica pone esa encrucijada más latente que nunca. Death Magnetic (2008) pone a prueba al oyente a sacarse cualquier prejuico para degustar de lo que debe ser el disco más esperado del año.

Tal como lo habían prometido desde el año pasado, la placa tiene mucho, muchísimo de ese sonido Thrash metal ochentero, en especial muchos momentos recuerdan al ...And Justice For All (1988). Esto se lo debemos en gran parte al trabajo de Rick Rubin, que ya había hecho lo mismo con Slayer y su Christh Illusion (2006). Constantes cambios en la estructuras de los temas, riffs rapidísimos, dobles bombos y aceleraciones en la batería como hace tiempo Lars Ulrich no hacía. Y claro, lo que más se extrañó en St. Anger, los solos de guitarra de Kirk Hammet, que no serán los mejores de su carrera, pero están muy bien puestos.

Es tan difícil no comparar canciones como The Shortest Straw, Eye Of The Beholder o One con The End of The Line, My Apocalypse, o Broken, Beat & Scarred, si tienen toda esa onda de tintes progresivos en cada nota. Por algún instante pareciera que Metallica nunca hubiese cruzado la década de los '80.

Pero no hay que engañarse, claramente hay momentos de la etapa Load-Reload (The Unfogiven III especialmente, pero también varios instantes de The Day That Never Comes), pero son eso, momentos muy bien calculados.

Nota aparte para las vocalizaciones de Hetfield, carraspeando muchísimo y poniendo el toque melódico cuando es necesario. Lo cual se debe justificar por las buenas letras que James nos hace creer que en realidad las siente hasta la médula.

Leyendo foros de rock alrededor del mundo, queda claro que la mayoría está conforme y gratamente impresionada con este regreso de Metallica, es casi todo lo que hace años les pedían que hicieran, un disco remorando el tiempo en que "valían la pena". Eso se nota por todos lados, Hetfield y cia. tuvieron que revisitarse para la reconciliación final con sus fans. Death Magnetic es un notable disco, plagado de buenas canciones metaleras, pero siempre quedará esa sensación que es el álbum en que Metallica agachó la cabeza, se rindió a la voluntad de sus seguidores y compuso según los gustos de alguien más que ellos mismos.

Baja Death Magnetic aquí y aquí

Lado B 27-08-2008

En esta edición de LADO B!:

Bloque 1: Disco de la semana con la segunda placa homónima de The Band
Bloque 2: Rock Honors, recital tributo a The Who transmitido por la cadena VH1, con Foo Fighters y Pearl Jam
Bloque 3: Sección de banda chilena y nueva con Kañón
Bloque 4: Sountrack rockero con la banda sonora de Juno con The Kinks, Sonic Youth y Barry Louis Polisa
Bloque 5: Popurrí de noticias con Led Zeppelin, Chris Cornell y The Racounters
Bloque 6: Metallica y las dos canciones que han estrenado de su nuevo disco Death Magnetic
Bloque 7: Comentario de la fiesta de Radio Futuro con Weichafe y Congreso

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