29.7.08

Esta semana en LADO B!



El disco destacado de esta edición será el primer disco de The Mars Volta, De-Loused in the Comatorium.
También hablaremos de la polémica disición del gobierno ruso de prohibir la música emo y gótica.
Además tendremos noticias con AC/DC, Cream, Lamb of God, El Cruce, entre otros.

Nuestra enviada especial al recital de Muse, Alejandra Zúñiga, nos contará lo que pasó con ese concierto en Chile.

Y haremos una pequeña recopilación de los últimos lanzamientos de discos de este mes de julio.

Escuchen LADO B, todos los miércoles a las 21 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días jueves a través de nuestro podcast, que se encuentra mediante un reproductor al costado derecho inferior del blog o en http://www.ladob.podomatic.com/

24.7.08

No más Góticos y Emos en Rusia

Kerrang/M.C.C.

En algún momento de la historia los conservadores persiguieron a los hippies, después a los punks, más tarde a los metaleros y le siguieron los hiphoperos. Todo ello porque consideraban que esos estilos atentaban contra los valores de la sociedad y que ponían en peligro a la juventud. Pero de esas persecuciones políticas (y ridículas) habían pasado casi 20 años, hasta el día de hoy, en que el gobierno ruso ha puesto sus ojos sobre la música Emo y Gótica.

Según el sitio web de la revista Kerrang, el pasado mes de junio el comité parlamentario de Rusia decidió dar el pase para discutir un proyecto de ley en el marco de su "Estrategia en la esfera de la educación espiritual y ética". Algunas de las medidas que estarían en la prerrogativa son regular sitios web de música Emo y Gótica, además de prohibir el ingreso a escuelas públicas de jóvenes que se vistan con ropa de dichos estilos.

De acuerdo a declaraciones del personero del gobierno ruso Igor Ponkin, el proyecto de ley surge porque la cultura Emo es "un peligro social y una amenaza para la estabilidad nacional". También aclaró que la idea surgió en reacción a los suicidios de jóvenes que pertenecían a esa tribu urbana, como el caso de la inglesa Hanna Bond. La chica se quitó la vida a los 13 años, y que según apareció en el periódico británico Daily Mail, se habría suicidado luego de "comenzar a escuchar a la banda estadounidense My Chemical Romance" además de empezar "a cortar sus muñecas como parte de una iniciación en la moda Emo".

Ante este escenario, el gobierno ruso espera que la ley se apruebe antes de fin de año.

Como nota personal, creo que atribuirle a una moda juvenil el poder de convencer a las personas de que se quiten la vida es darle demasiado crédito al poder ideológico que tiene la música hoy en día. Si los cánticos de la actualidad tuvieran esa capacidad, el mundo estaría lleno de revoluciones juveniles en las calles y las clases políticas que dominan, ya sea de izquierda o derecha, estarían bien enterradas bajo 3 metros en el suelo.

Por último, si en realidad la música pudiera lograr que un joven tome la drástica decisión de matarse, deja ver que la sociedad donde vivía ese chico es bantante mediocre como para no lograr que sus supuestos buenos valores sean escuchados y sí los de quién usa más maquillaje que nuestras madres.

En fin, para pasar el mal chiste del gobierno ruso, les dejamos a quienes gustan del Emo (que no será el mejor movimiento musical de la historia, pero por algo tienen que comenzar los más chicos a meterse en el mundo del rock) el último disco de My Chemical Romance, The Black Parede is Dead. Editado el 30 de Junio, es un álbum en vivo extraído del recital ofrecido el 7 de octubre de 2007 en Ciudad de México.
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23.7.08

Esta semana en Lado B!


En el programa de esta semana tendremos noticias de Crosby, Stills & Nash, Green River y un concurso de guitarras Dean.

Además, hablamos de la visita del vocalista de Bright Eyes a Chile, el sorprendente disco de Bauhaus, mucho más cargado al rock, además de un par de efemérides rockeras.

El disco de la semana es la nueva placa de The Offspring, Rise and Fall, Rage and Grace.
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21.7.08

Noticias varias

Antimusic/M.C.C.

Metallica porno


Puede sonar algo exagerado el título, pero así han visto algunos las imágenes que recientemente mostró la banda estadounidense y que dicen relación con el arte de su próximo disco, Death Magnetic. Muchas personas ven un doble mensaje en las fotos publicadas el domingo en el sitio http://www.metallica.com/. Claramente queda al descriterio de cada uno qué cosa se imagina.

Cómo regalo, y hasta que se edite el nuevo álbum de Metallica, les dejamos los dos conciertos Unplugged que realizaron el año pasado en Mountain View.

Descargue aquí


Smashing Pumpkins en Watchmen

Por allá, en 1997, la banda de Billy Corgan hizo una nueva versión del tema The Beginning is The End Of The Beginning renombrándola The End Is the Beginning Is the End, quedando mucho más rockera que la original. Todo aquello para ser parte del soundtrack de ese bodrio llamado Batman & Robin (nos sumamos al llamado a que vean The Dark Knight para olvidar los malos ratos que hicieron pasar antes con el hombre murciélago).

Bueno, resulta que ahora Smashing Pumpkins facilitó la versión original de The Beginning is The End Of The Beginning, pero en esta ocasión para la cinta basada en el comic Watchmen. Considerada la mejor novela gráfica de la historia, fue escrita por Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons en 1986, y será llevada al cine por el director Zack Snyder, el mismo que llevó a cabo la adaptación de 300.

Les dejamos el trailer de la película, que acompaña precisamente la canción de Smashing Pumpkins.



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20.7.08

Otro conteo polémico

VH1/M.C.C.

Algunos medios tienen la costumbre de hacer rankings de cualquier cosa, y el canal de televisión pagada VH1 es de los más prolíficos al respecto. Desde los 100 mejores One Hit Wonder de la historia, hasta los 40 momentos menos metaleros han pasado por su pantalla. Es en esa senda que la señal hará un nuevo conteo, pero esta vez con las 100 mejores canciones de hard rock. La cadena propuso una lista con un centenar de temas y las personas tienen que dar su parecer sobre sus 10 canciones favoritas.

Claramente que los eligidos no dejarán conformes a todo el mundo, y al ver la lista de inmediato saltan a la cabeza algunas preguntas como ¿Desde cuándo que The White Stripes pertenece al rock duro? y si así fuese ¿Rush no debería estar diez mil veces más en esa categoría? Juzguen ustedes mismos al visitar el link de la votación:

http://www.vh1.com/shows/events/rock_honors/_2008/voting.jhtml


Cómo siempre, les dejamos un regalo, que en esta oportunidad es el último disco de Alice Cooper (que en este conteo aparece con el tema "School's Out") con su placa Along Came A Spider editada este mes.

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16.7.08

Un tributo a los metales

Manuel Catrilef Cea


Avenged Sevenfold es una prueba más de una vieja máxima del rock: el metal siempre se las ingenia para ser eternamente joven. Por sobre otros estilos, el público objetivo del género siempre estará entre quinceañeros vestidos de negro sedientos de los sonidos más extremos, y ellos mismos son los que se encargan de darle siempre la vuelta de tuerca para que la senda iniciada por Black Sabbath y Judas Priest no se quede en el pasado.

Los estadounidenses de A7X (como le gusta a los púberes admiradores de la banda abreviar el nombre) son un claro ejemplo de respeto y admiración de diversos subgéneros de la música dura. Por momentos toman prestado a Metallica o Anthrax riffs de thrash metal muy gancheros, para a continuación escuchar un par de guitarras gemelas que masificó Judas Priest, de improviso suena algo de hardcore a lo Bad Religion y cuando ya te estabas acostumbrando a ese ritmo viene un punteo de guitarra acompañado de una batería galopante al estilo del heavy metal con tintes épicos. Y si eso te pareció poco, también queda algo de espacio para uno que otro momento nü metal y progresivo. Además de la infaltables power ballads a lo Guns 'N Roses.

Lo descrito anteriomente puede sonar a una mezcla extraña y frenética, pero cuando se escucha City of Evil (2005) de Avenged Sevenfold no hay nada de eso. Todo suena coherente, cada estilo no le estorba al otro, como si fueran hermanos que se apoyan entre sí. Y todo con una improta joven, porque todo eso ya tiene 20 años de historia, pero aquí, ya sea por la producción o por la energía desplegada, huele a espíritu adolecente (¿donde habré escuchado esa frase?).

Descargue la penúltima placa de esta banda aquí

Y de paso, en Youtube encontramos el tremendo cover que le hicieron a Walk de Pantera en su recital del pasado 27 de mayo en Chile.




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En la próxima edición de LADO B

Para el próximo programa podrán escuchar noticias y música de Radiohead, Flamming Lips, El Cruce, Tenicious D, Joy Division, Bright Eyes, Ratt y Simphony X.



Además en la sección soundtrack de la semana estará Quadrophenia, adaptación al cine del disco del mismo de nombre de The Who.

En banda freak/del recuerdo estarán los nacionales de Los Bandoleros.

Y cómo disco de la Semana la tremenda placa City of Evil de Avenged Sevenfold. Puedes descargarlo desde ya aquí.

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15.7.08

Radiohead y su última odisea tecnológica

Zancada/El País/A.Z.C.

Lanzar un disco innovador como Ok Computer (1997), ser los primeros en difundir masivamente su álbum por internet (In Rainbows, 2007) parece no ser suficiente para los ingleses de Radiohead.

Porque su ya constante comunión entre música e internet parece continuar, y ahora eso ocurre de la mano de una tecnología que permite filmar sin necesidad de ver. Ya que el primer single de In Rainbows, House of Cards, cuenta ya con un video que fue grabado íntegramente por lásers y secuencias de datos. Se trata de una tecnología que permite capturar imágenes en 3D del mundo real sin emplear lentes. Un sistema de geometría informática que produce un haz de luz que registra imágenes tridimensionales si se proyecta a poca distancia del objeto.

Y, ¿cómo hicieron esto?, con scanneos tridimensionales capturados con dos tecnologías: Geometric Informatics y Velodyne LIDAR, la primera para captar imágenes cercanas, y la segunda para expandir múltiples lásers a 360º a través de paisajes y tomas a mayor distancia.

¿El resultado?, un video donde las imágenes presentadas juegan con cambios de formas, ángulos, ambientes y sensaciones volviendo a poner, le guste o no al consumidor de turno, a la banda a la punta de la experimentación.

Como ya lo hicieron antes con videos como Paranoid Android -donde las herramientas eran la animación-, No Surprises -con un Thom Yorke casi ahogado dentro de una fuente cerrada de agua- o Fade Out (Street Spirit) -con imágenes en cámara lenta frente a un escenario oscuro-, la agrupación vuelve a demostrar que lo suyo no va por seguir la tradición.

14.7.08

Carcass en el paraíso perdido


Antimusic/M.C.C.


Cuando las cosas se hacen de bajo perfil y sin generar expectativas exageradas suelen resultar bien. De esta manera se gestó la venida por partida doble de grandes exponentes de dos corrientes muy distintas del metal: Carcass y Paridise Lost harán un recital en conjunto el próximo 5 de noviembre en el Teatro Caupolicán. Las entradas se venderán a través del sistema ticketmaster.

Carcass, uno de las bandas claves en la gestación del Death Metal, volvió a la vida el año pasado presentándose en varios escenarios Europeos. El guitarrista y voz principal, Bill Steer, es el único que queda de la formación orignal, pues el legendario batero y principal Ken Owen no quizo formar parte de esta nueva etapa de la banda.

En tanto, Paradise Lost ha retomado la senda del rock más duro que abandonó hacia finales del '90 y principios de 2000, donde se alejó del doom metal para experimentar con sonidos más electrónicos, dejando de manifiesto la influencia de Depeche Mode. Su última placa editada el año pasado, In Requiem, trae de vuelta los riffs pesados que le hicieron ganar fama junto a otras agrupaciones del género como Anathema o My Dying Bride.

Cómo aperitivo para preparar este doble concierto que se dará en Chile, les dejamos la placa más trascendental que ha editado Carcass hasta la fecha, Heartwork.

13.7.08

Noticias varias

Blabbermouth/Billboard/M.C.C.

20 años debajo del pop

Ya empezó el festival de celebración de los 20 años de la casa discográfica independiente Sub Pop en el Marymoor Park de la ciudad de Seattle, Estados Unidos. Distintas bandas tocaron en honor al sello que les dio cabida mientras las multinacionlaes los ignoraban, tal como Mudhoney, Iron and Wine y The Vaselines. Estos últimos aprovecharon de tocar un par de canciones de Nirvana para conmemorar la ocasión.

Sub Pop se ganó una reconocida fama por ser quienes editaron los primeros discos de Nirvana y Soundgarden, bandas que más tarde serían catalogadas como fundadoras del movimiento grunge.

En honor a este sello, les dejamos la edición de lujo del primer álbum de Mudhoney, un cd doble que incluye el disco original remasterizado más algunos demos y dos conciertos de la agrupación.

y aquí

Y siguen los supergroups

En un intento por llegar a ser lo que fueron en los '80, Frankie Banali (ex batero Quiet Riot) y Jeff LaBar (guitarrista de Cinderella) entrarán a grabar un disco este 24 de julio para lo que será su nuevo proyecto: Freakshow. En él además está involucrado el vocalista y primera guitarra de la novel banda M!ss Crazy (así se escribe, créanme). Para más información sobre el nuevo grupo pueden ingresar al sitio My Space de la banda http://www.myspace.com/freakshowrox.

Como no hay nada editado del grupo aún, les dejamos el último disco que sacó Quiet Riot antes de la muerte de su vocalista Kevin DuBrow, Rehab del 2006.


Además de un video de la banda M!ss Crazy, para que tengan una idea de la voz con que nos toparemos en Freakshow.






Halford se cree Nostradamus


Tal parece que Rob Halford, vocalista de Judas Priest, se metió demasiado en el personaje de Nostradamus, el profeta del siglo XVI en el cuál se basó el último disco de la banda editado este año, que además se lleva el nombre del mismo.

El calvo inglés aseguró a la revista Decibel que "'Nostradamus' será bien recibido. Lo veo interpretado por el Circo du Solei en Las Vegas. También veo algo de un Grammy por ahí". Con apenas 63 mil copias vendidas en Estados Unidos se ve complicado obtener ese premio tomando en cuenta que el jurado siempre se deja llevar por las ventas a la hora de escoger a los ganadores, más allá de la calidad del disco.

También las declaraciones de Halford pueden ser perfectamente una de las bromas que acostumbra a decir en sus entrevistas, pero quién sabe... por el momento les dejamos la última placa editada por Judas Priest y que motivó estas declaraciones, Nostradamus.

12.7.08

Weezer se viste de rojo


Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

En épocas remotas hubo uno azul, en la mitad de los tiempos uno verde y en la actualidad es rojo. Tres álbumes ha sacado esta agrupación estadounidense bajo los poco -o quizás muy- originales títulos de Weezer, acompañado aquello con un color definido en el fondo de la portada y la imagen de sus integrantes posando con la vista al frente, lo que ha dado como resultado, con la salida el pasado mes de junio del último de ellos, de una trilogía no intencional de discos de colores.

Más allá del asunto estético que conlleva esta secuencia en la historia de la agrupación, lo cierto es que la banda liderada por Rivers Cuomo da vida a un disco que de principio a fin rinde tributos, se burla, disfruta y encanta. Porque si hay algo que esta banda -conocida para muchos como aquella que ha reivindicado el derecho a ser geek (o nerd)- sabe hacer, es construir álbumes donde la unión de elementos disonantes es un arte. Donde los coros más poperos se mezclan con riffs rockeros que la agrupación-en especial Cuomo- ha reconocido siempre como parte de su historia. Porque aunque sea difícil de creer, conjuntos como Metallica, Pixies o Kiss están en las inspiraciones que el conjunto posee y que les permite hacer placas tan distintas pero complementarias como el Blue Album (1994) con sus sonidos más cercanos al pop rock con mezcla de garage, o del Pinkerton (1996), donde las guitarras se toman las pistas para dar vida a uno de los discos más potentes de la agrupación, para seguir luego con el Green Album (2001) donde las revoluciones pasadas bajaron, creando un disco que pese al disgusto de algunos de sus fanáticos, dio vida a algunas de las baladas con más sentimientos de la última década.

Y así, podemos seguir con Maladroit (2002), quizás la menos redonda de sus placas pero donde las guitarras volvieron a tomar el control, para terminar el 2005 con Make Believe, un disco que nuevamente dividió a sus seguidores, con una mezcla de baladas que sin llegar a la brillantez de las compuestas en el Green Album, cumplían.

Después de esta camaleónica trayectoria, ¿qué esperar de un álbum como el lanzado este año? Nada más que una nueva vuelta de tuerca donde, por primera vez, el resto de los integrantes de la banda: Pat Wilson -batería-, Brian Bell -guitarra- y Scott Shriner -bajo- se toman los mircrófonos. Pero eso no es todo, porque el clásico formato de tres potentes y precisos minutos fue cambiado en más de una oportunidad por temas más largos y, la melancolía, la fiesta, el rock y las influencias metal se pasean en dosis precisas -aunque en muchos casos menos intensas- por un disco que recuerda que Wezeer, pese a respetar formatos, no beber en exceso (por lo menos en público), no usar chaquetas de cuero ni salir con modelos, es una banda que lleva el rock en las venas.

Escuchar atentamente el cover de The Weight, original de The Band. Bonus Track del disco, incluido en la versión aquí disponible


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Además les dejamos el notable video del single Pork and Beans, una especie de homenaje, sátira y declaración de principios nerd de la banda a la generación youtube.


Supergroup con altura de Zeppelin

Blabbermouth/M.C.C.


"Sé que es una declaración fuerte... Podemos competir con Led Zeppelin". Estas palabras salieron de la boca de Sammy Hagar (ex vocalista de Van Halen) cuando tuvo que describir qué se puede esperar del nuevo proyecto en que está embarcado. Junto a otro ex miembro de la banda ochentera, el bajista Michael Anthony, además del legendario guitarrista Joe Satriani y el batero de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, formaron Chickenfoot, un nuevo supergroup del siglo 21.

Según han dejado ver en varias declaraciones, los integrantes están seguros de la calidad de la banda. "Es demasiado rockero y esperamos entrar en los estudios para terminar a principios de septiembre y entonces salir a tocar", aseguró Smith a una radio estadounidense.

Como es lógico, la prensa especializada y los fans están espectantes a lo que será este nuevo conjunto, en especial después que los últimos supergroups que se formaron (Audioslave y Velvet Revolver) funcionaron solo a medias. Lo que sí está claro, por lo menos del lado del público, es que el nombre de la banda (Chickenfoot = pata de gallina) es pésimo: "¿CHICKENFOOT? El peor nombre de la historia"; "apuesto que sonará grandioso, pero ese nombre es realmente malo": "el nombre apesta, pero se te queda en la mente", son algunas de las impresiones que se pueden leer en los foros del sitio Blabbermouth.

Cómo sea, lo mejor es esperar y ver si las promesas de Hagar se quedan en eso o por fin volvemos a tener un grupo de rock 'n roll que esté a la altura de los grandes de la historia.

Por mientras, les dejamos un disco en vivo de Sammy Hagar, pues su trabajo como solista no es tan conocido como su labor en Van Halen.

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11.7.08

Todo el honor para The Who


Billboard/M.C.C.


La cadena VH1 rendirá homenaje a una de las primeras agrupaciones que se mereció la denominación de "banda de rock": The Who. Este jueves 12 de julio en Los Angeles se grabará el espectáculo en que se mostrará la historia del conjunto narrada por las caras más visibles (y que aún viven) de la banda, el guitarrista Pete Townshend y el vocalista Roger Daltrey. De la misma forma se presentarán en vivo Tenacious D, Pearl Jam, Foo Fighters, the Flaming Lips e Incubus, quienes tocarán sus propias versiones de algunos clásicos de la agrupación británica.
Según muchos músicos y expertos, The Who fue la banda que dio el paso final del blues a la inglesa, que dominaba en los años '60, hacia lo que es el rock propiamente tal. De ahí que para gente como Wayne Coyne, de Flamming Lips, la banda inglesa haya sido tan importante en sus vidas. "Por años me pregunté porqué no todas las bandas tocaban como The Who. Cuanto más supe de música, arte o intensidad, The Who siempre estuvo ahí. Ellos te decían tanto sobre el pensamiento de la clase trabajadora mezclado con una energía que trascendía", declaró el artista.
A no pocos amantes del punk les cuesta creer que ese género le debe mucho a Pete Townshend y compañía. Incluso en los años 80', cuando el género reinaba de la mano de The Clash, los intérpretes de "My Generation" tenían algo que decir al respecto, como cuenta Jeff Ament de Pearl Jam: "Fue en Seattle, recuerdo que después de haber visto a The Clash dije 'pagué 25 dólares y eso fue muy decepcionante'. Me fui atrás del arena, me apoyé contra una pared y The Who salió a continuación. Escuché la primera nota y fue como 'wow, la huea increíble'. En términos de lo que es la energía punk, ellos aún la tenían, y The Clash la estaba perdiendo".
Demás está decir que es imperdible esta ocasión. En Estados Unidos se transmitirá el próximo jueves 17 de julio a las 9 de la noche (hora del Este). En latinoamérica se espera que se emita en agosto/septiembre.
De regalo les dejamos un cover de una banda que lamentablemente no estará en esta cita, pero que se sientieron influidos por The Who... Iron Maiden con My Generartion. Descárguela aquí.

7.7.08

Oh Brasil, Brasilero!



Generalmente cuando me toca escribir para “El Disco de la Semana” trato de buscar algún trabajo del que pueda hablar con autoridad. Pero en esta ocasión no me fijé en compases, ni en estructuras musicales. Es que en el Bossa Nova importa bien poco eso en realidad, a pesar de que habría mucho “paño que cortar”.

La verdad es que para hablar del Bossa, y más específicamente de Antonio Carlos Jobim, hay que dejar en claro algo: los brasileños son muy inteligentes. La gente del “país más grande del mundo” tiene la capacidad única de apoderarse de todo lo que cruza por su tierra. El fútbol, las artes marciales, la magia y la música … todo tiene su identidad única y diferente.

En el caso del Bossa Nova, es el jazz quien sufre una inflexión al llegar a manos de los músicos cariocas. De una manera brillante, injertaron en el ADN de las melodías gringas, los olores y sabores de las playas de Copacabana.

Muchos podrían decir que es a causa de “una séptima mayor agregada a los acordes tradicionales” (léase con voz de crítico de música estirado y pedante), pero yo creo que la razón está en esas manos acostumbradas a moverse al son de la alegría y a esas voces cálidas producto de unas playas paradisíacas.

En el disco Stone Flower (1970), de Carlos Antonio Jobim, está una de las máximas pruebas de mi teoría. La canción “Brasil”, icono del Bossa Nova, aparece en dos versiones: una claramente cruda, probablemente grabada en una sola toma; y otra donde los arreglos y los instrumentos “ajenos” se hacen presentes.

La primera es increíble. Entre lo desprolijo de la grabación, la clara improvisación en la voz, y esa batería dividida entre samba, jazz y clave latina, se crea un híbrido de impresionante fuerza y sutileza. La segunda cuenta con una sección de vientos que, a pesar de hacerla sonoramente mejor, le quita el sudor y la brisa marina a la composición.

En general, este disco tiene ese decantar hipnótico que obliga a calmar el alma a lo largo de 10 canciones. El amor, la desesperanza y la fiesta se unen bajo los compases melancólicos de Jobim, que invitan cerrar los ojos y viajar. Si ustedes no saben nada de Bossa Nova, como yo, este es un gran trabajo para iniciarse en el estilo.

Acá les dejamos este link para que puedan descargar el disco: http://www.mediafire.com/?d2gmdgmxe2u
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28.5.08

Programa de esta semana

Lamentablemente el programa de LADO B de esta semana no se pudo realizar puesto que las dependencias donde se graba (estudios radiales del Instituto de la Comunicación e Imagen de la Universidad de Chile) se encuentran tomadas por los alumnos, quienes están movilizados por varias demandas tanto internas como a nivel de país que tienen relación con la educación.

Al equipo de LADO B lamenta no poder cumplir con el rito de todas las semanas, pero entendemos que que los chicos del ICEI tienen todo el derecho a tomar las medidas de presión que crean convenientes y no afecten la integridad física de las personas.

Esperamos que la otra semana vuelva todo a la normalidad.

Pero como el mundo de internet no se detiene, y como reclamaba alguien en este post, les dejaremos de todas formas para descarcar el disco de la semana de una las mejores bandas progresivas de la historia, King Crimson con su placa debut In the Court of the Crimson King

Descargue el disco aquí

Esp

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23.5.08

Todavía hay pulso

Por Manuel Catrilef Cea

Es inevitable para los seres humanos que al pasar los años cueste más aumentar el ritmo, pues ello implica un gasto de energía que ya no se tiene en la abundancia de antaño. Pero es gratificante ver que algunos personajes le quieren torcer la mano al destino y demostrar que todavía queda gasolina para rockear otro rato.

Si bien las nuevas canciones R.E.M. en su disco Accelerate (2008) no son las rápidas de la historia ("No somos Metallica", dijo Micheal Stipe al respecto) si traen a la memoria la etapa más rockera de la banda. Incluso se podría decir que nunca se había escuchado guitarras tan distorsionadas y baterias tan rápidas en la historia de la que fuera una las bandas más representativas del rock alternativo de Estados Unidos a finales de los '80.

Claramente que meter más ruido y tocar a mayor velocidad no son cosas suficientes para hacer un buen disco. Las melodías de las canciones, sumado a lo anterior, es lo que hace que cada tema que hay en Accelerate produzca regocijo. Es casi imposible no marcar el ritmo con el pie al escuchar Living Well Is The Best Revenge o I'm Gonna DJ. Claramente hay espacio para temas más calmos como Until The Day Is Done y Houston, pero que se notan llenos de energía de igual manera. Una tremenda diferencia respecto a lo que escuchamos en Around The Sun (2004).

Ese toque de desasón y enojo (sin llegar a ser rabioso) que se puede apreciar en varios temas se los debemos a George W. Bush, quien si bien ha dejado la cagada en el mundo, por lo menos ha servido de inspiración para lograr cosas como esta placa de R.E.M. Gracias pequeño Bush por ese favor.


Bajen el disco acá


Escuchen Lado B en nuestro podcast http://www.ladob.podomatic.com/


De yapa les dejamos una entrevista en la que Michael Stipe habla sobre el disco


18.5.08

Aparente incoherencia


Por Manuel Catrilef Cea

Era casi obvio que si Steve Albini se decidía finalmente a hacer una banda iba a desafiar las típicas estructuras rock que abundan en el mainstream. A mediados de los '90 se atrevió a dar ese paso con Shellac, grupo en el cual logró demostrar que no era el típico productor (aunque en realidad le gusta que lo llamen por lo que es, un ingeniero en sonido) que se dedica a decirles a los demás cómo deben hacer su música, sino que también puede elaborar canciones a partir de sí mismo.

Aunque hay que ser justos, Shellac no es solo Albini (guitarra), tambien hacen lo suyo Todd Trainer (batería) Bob Weston (en el bajo, no confundir con el guitarrista de Fleatwood Mac). Este trío de músicos provenientes del mundo indie, en su último disco Excellent Italian Greyhound (2007) demuestran una vez más que no están para ser predecibles. Los quiebres inesperados abundan, letras indescifrables también. Aquí no encontraremos melodías de las cuales asirnos, hay que estar atento para lograr seguir los temas.

Ahora, hay que dejar en claro algo, que no hayan estructuras melódicas claras no significa que esto sea un caos, los temas de Shellac están lejos de ser puro ruido incoherente, pero no es cosa sencilla tragarlos. Lo que ayuda a digerirlos es que gracias al conocimiento de Albini detrás de las perillas, las canciones suenan increíbles, la batería es potente sin saturar, las líneas de bajo se escuchan claramente y la guitarra es estilo garage pero sin desprolijidad. Una prueba más que ser indie no es sinónimo de sonar pésimo.

Denle una oportunidad a Shellac, lo más seguro es que no les vaya a cambiar la vida, pero un mal rato no se llevaran.

Descarguen el disco aquí

Y recuerden escuchar el programa LADO B AQUÍ

14.5.08

La Piedra Angular



Por Patricio Salazar

Ya se ha recorrido mucho camino desde que, en 1903, W.C Handy descubriera el blues de la única forma que podía ser posible: tocado por un hombre triste sentado en medio de la noche en una estación de trenes al sur de los Estados Unidos.

Cuenta la leyenda que Handy esperaba el ferrocarril que lo llevaría desde Tutwiler a Memphis cuando el sonido de un cuchillo en contra de una guitarra lo liberó del silencio abrumador de la estación de trenes: “el cantante repitió la estrofa tres veces, acompañándose con la música más extraña que he oído nunca”, dijo el asombrado músico.

Desde ese momento el curso de la cultura popular del siglo XX sufriría un cambio radical. La expansión del “sonido del alma” colocaría poco a poco en primer lugar el legado de una raza que por 400 años había permanecido oculta en las plantaciones de algodón y la opresión. De pronto, los hijos de los terratenientes blancos se atrevían a cruzar la calle hacía los clubes de negros sólo para oír esta música, dejando en la vereda de al frente las rígidas costumbres decimonónicas.

Al otro lado del océano, los jóvenes ingleses comenzaban a aferrarse de los sufrientes sonidos del blues para alejarse de la hecatombe de la Segunda Guerra Mundial. Al parecer, los diez años del mayor conflicto bélico de la historia condensaron bastante bien la sensación de cuatro siglos de aberraciones en contra de los esclavos negros. Ingleses y afro americanos nunca se habían visto, pero la conexión espiritual estaba hecha.

Gente como The Rolling Stones y Eric Clapton vaciaron sus frustraciones y deseos de “algo más” a través de los típicos acordes del sur de los EUA. No hablaron de plantaciones, ni de esclavitud, pero si de juventud y revolución con la misma fuerza que en los 70 lo haría la generación Punk. Nada de aditivos y pirotecnia. Un par de notas y al grano. Así funcionaba el nuevo discurso. Tanto para negros como para punkies, la disconformidad venía en paquetes de tres acordes.
Gracias a esto la expansión de las figuras del blues se hizo global. Gente como John Lee Hooker salió de las plantaciones y recorrió el mundo para mostrar su arte desenfadado. La figura del Bluesman se volvió icónica y el granuja, como pocas veces, era el centro de atención. No era necesario ser popular, aceptado, guapo, ni encajar en ninguno de los estereotipos de la época. Sólo había que actuar desde el corazón, aunque no siempre se estuviera en lo correcto.

Las primeras figuras del blues tenían todas las características de los antihéroes modernos. Ninguno de ellos figuraba como seres virtuosos y políticamente correctos. Son House y Leadbelly estuvieron presos por homicidio. Howlin Wolf acostumbraba entrar gateando al escenario gruñendo y ladrando al público, sólo para luego jactarse de sus aventuras impropias con el alcohol y mujeres casadas. Si escuchan detenidamente “Back Door Man” entenderán lo que digo (la puerta de atrás no necesariamente es la de la casa)

Y Robert Johnson. El mayor “bluesman” de la historia debió hacer un pacto con el diablo para poder grabar esas 29 canciones en donde quedó registrado su enorme talento. Finalmente moriría asesinado por un marido celoso. Nadie hace las cosas gratis, mucho menos Satanás.

Desde aquí nació todo lo que conocemos hoy. La actitud, los acordes, la protesta. El blues fue la pidra angular de la música popular del siglo pasado. Fue el punto de encuentro entre dos razas en conflicto. Así se forjó una actitud distinta a la del siglo XIX. La vida ya no era plana, ni teórica. Era cuerpo y alma. Era movimiento y tragedia. Era desencanto y amor. Era pueblo y multitud. Por fin se había instalado la inflexión necesaria para desarrollar un arte popular propio. Una forma de ser que uno años después sería y se sigue llamando simplemente “Rock”.
En trubuto a este gran estilo de música, el disco de esta semana está a cargo de Buddy Guy, músico de generación eléctrica del Blues con su álbum “A Man and the Blues”. Guy es uno de los guitarristas fundamentales en el desarrollo del Rock And Roll. Sus potente fraseo y sus intensas líneas solistas definieron como nadie a artistas como Jimi Hendrix, quienes vieron en su estilo la forma de llevar un paso más allá una fórmula que ya a esa altura tenia 50 años.

Buddy Guy depuró su estilo con el maestro Muddy Waters y por hoy es uno de los últimos bluesman, de aquella época, que sigue actuando regularmente. Si quieres escucharlo sólo debes hacer clic acá: http://www.mediafire.com/?9zye9rxlddu

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4.5.08

Un poco de talento, por favor


“Guitar Heroes”, así de simple. Adiós con el canon de los 90 que cohibía a quienes eran bendecidos por los Dioses de la Guitarra. En Finlandia, once destacados guitarristas se unieron y dieron nacimiento a un disco lleno velocidad y solos alucinantes, renovando las esperanzas a quienes aún vibramos con las proezas dactilares de nuestros ídolos.

Es reconfortante saber que aún hay lugares donde esa auto impuesta premisa de “menos es más” ya no sigue produciendo sosas canciones circulares. En “Guitar Heroes” se puede sentir la pasión del músico por su instrumento. El esfuerzo en la interpretación, el sudor de las horas invertidas, el hambre por los conocimientos musicales.

Nunca entendí a esos guitarristas que decían “es que no tienen sentimiento”, o esa estupidez de “yo toco para la canción, no para lucirme en un solo”. El bueno de Zakk Wylde decía “quienes hablan así, lo hacen porque simplemente no son capaces de hacerlos”. Y está bien, nadie podría decir que Kurt Cobain era un mal guitarrista porque en sus canciones no había grandes líneas de guitarra, pero eso de denostar al resto que podía “solear” era francamente una tontera.

Además, un músico sobre el escenario debe ser totalmente distinto al resto de los mortales. Para ello debe tener alguna cualidad extraordinaria que lo eleve de la multitud y enseñarla para que el mundo la disfrute. ¿O a caso alguien se oponía cuando Hendrix tocaba con los dientes, o cuando Jerry Lee Lewis colocaba sus pies sobre su piano en una demostración exultante de su maestría sobre su instrumento? La verdad yo soy de los que siguen la línea que inauguró Paganini muchísimos años atrás.

Ya hablando del disco en si, podemos encontrar muchos riff con influencias de Dream Theater, y avances de corte progresivo en las canciones. Si bien los guitarristas son todos europeos, la gran mayoría de los temas presentan un heavy “americano”, lejos de todas las tonadas épicas en las que nos hacen pensar las bandas del norte de Europa.

El trabajo solista de los guitarristas es impecable. Se pasean por temas poderosísimos como 12 Donkeys, llegando a un tema acústico de corte flamenco ( de ese que tanto le gusta a los guitarristas virtuosos) como Ulterior Motives, además de hacer algunas humoradas como Hellbilly, que es una parodia metal a los sonidos del sur de los Estados Unidos.

Ojalá disfruten “Guitar Heores”. Para descargar el disco, que está dividido en dos partes, de la semana sólo hagan clic en estos links:

http://www.mediafire.com/?cz3z5blcmdv

http://www.mediafire.com/?mwlefg20zfm

25.4.08

Intensidad aderezada de sicodelia


Por Manuel Catrilef Cea

Definir a God is an Astronaut como un grupo post-rock es quedarse corto. Primero por lo antojadizo de la definción de ese género, y segundo porque son tantos los elementos del rock que se pueden reconocer en la banda que encasillarla es algo realmente innecesario.

El mejor ejemplo de aquello es la segunda placa de los irlandeses, All Is Violent, All Is Bright (2005). Un disco que abre con un largo silencio que se va esfumando con los sonidos de guitarras, teclados y batería rozados por el Trip hop, para dar paso a un rock calmado, que prepara lo oídos para lo que vendrá a continuación.

Cada canción que sigue después de Fragile es una suma se ciclos, tanto en la estructura de cada tema como por el hilo que a todas luces la banda le quiere dar al disco. Melodías que se repiten una y otra vez, que curiosamente no caen en la monotonía, se mezclan con el lado progresivo que tiene la banda, en el cual la complejidad no viene dada por las escalas musicales o la velocidad que toca la banda, sino por las capas de sonido que se van creando a medida que se incorporan más instrumentos.

Todo lo anterior se da en un ambiente de aparente sencillez inicial, que explota en una intensidad digna de la etapa más sicodélica del rock. Ello invita, en especial a los más alucinados, a dejarse llevar por el sonido. Si quien escucha el disco está dispuesto a seguir los caminos que se proponen en él, puede experimentar a ratos un viaje alucinógeno sin la necesidad de meterse alguna sustancia ilegal en el cuerpo.

Si se compraron todo este cuento, descarguen el disco aquí

Y escuchen LADO B en nuestro podcast http://ladob.podomatic.com