Cuasi manifiesto (o sobre por qué nos pican las orejas)

Por Pamela Ramírez Riquelme

melómano, na.

(Del gr. μέλος, canto con acompañamiento de música, y ‒́mano).

1. adj. Apasionado por la música. U. t. c. s.

2. adj. Perteneciente o relativo a la melomanía.

Para los más aplicados, se trata de la combinación del ritmo, la melodía y la armonía. Para otros, no es más que un mero acompañamiento que pueda rellenar los odiosos silencios de una fome consulta dental o una excusa para tararear desde el piso número veinte hasta el segundo, marcado en un viejo ascensor. Y si le preguntamos a una chillona señora con bata y cachirulos, lo más probable es que diga que es un ruido desagradable.

Pero si fuéramos hasta donde un chascón sentado en un rincón de la micro, quizá con pinta de pocos amigos, medio autista y hasta un poco desaseado (por ponerle más color al estereotipo), y le dijéramos "oye, ¿qué es para ti la música?" lo más seguro es que responda lo que a cualquiera que se hace llamar melómano se le viene a la cabeza.

Una adicción, pasión, entretención, muchas veces hasta el mejor de los refugios. Porque para ti no se trata solamente de prender la radio y dejar que suene porque para eso sirve el aparato. Es escuchar y sentirse menos sol@, es digerir ese pianito que luego no se te va de la cabeza, imitar esa guitarra y creerse un rato Hendrix, un virtuoso Satriani o un sentimental Harrison. Esa es la gracia, hay música para todos los gustos, para nosotros es el rock, para otros Rachmaninov y el genial Beethoven. Bendita sea aquella libertad de poder escoger y el alivio de saber que esto no se acaba.

Como toda raza (o seudo tribu), tenemos varias costumbres que nos identifican. Todos somos Rob Gordon cuando vemos "Alta Fidelidad" y queremos tener todos esos discos para nosotros, así como cada uno tiene su propia lista de canciones que ilustran algún momento de nuestra corta existencia. También no faltan las obsesiones en algunos, ese gusto por saber todo sobre un álbum: el año, el productor, la canción oculta, quién hizo el arte, entre muchas otras excentricidades que consultamos en las enciclopedias de cabecera.

En fin, el manual del melómano podría seguir y ser actualizado cada día, mientras la música se siga transformando con el paso del tiempo, en formato de vinilo, el fiel cassette, el frío CD o el móvil Mp3. Y como en Lado B, somos todos unos fanáticos, quisimos aportar nuestro granito de arena al movimiento melómano con un nuevo especial.

Desde nuestra humilde condición de apasionados por el rock en todas sus vertientes, cada integrante recomienda un disco que no puede faltar en los archivos de nuestros ansiosos radioescuchas. De entre todos ellos, el álbum "California" (1999) de la inclasificable banda estadounidense Mr. Bungle, es nuestro disco de la semana, con su caos sonoro, rico en bossa nova, jazz, metal, ritmos de oriente y mucho más. Porque como ya todos sabemos, nunca es suficiente cuando de música se trata.

Puedes descargar "California" en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/download.php?brj33jxhdyf

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La Década de la Cabeza Parlante

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Para la generación veinteañera actual, los aniversarios musicales son la mayoría de las veces fechas prestadas por las generaciones anteriores que, ya mas viejas o experimentadas, ven con nostalgia cómo bandas, canciones o discos han crecido y madurado con ellos.

Este 2007 tuvo una de sus fechas más importantes en la celebración de los 40 años del mítico Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, álbum esencial para la historia de la música y para décadas de seguidores que ven en este disco una de sus mayores revoluciones. Un gusto trascendental para cualquier melómano, pero que por asuntos históricos, para nosotros es algo completamente heredado.

Buscando en los registros de nacimiento, nos encontramos con que este 2007 es también el aniversario de la primera década de vida –aún está en su niñez- de Ok Computer, tercer disco de la banda inglesa Radiohead, y que elevado hoy a la altura de imprescindible, es para nosotros un álbum que representa parte de nuestra historia.

Imágenes de destrucción y pesimismo acompañadas por la presencia de máquinas y hasta naves alienígenas son parte del imaginario que, en medio de la invasión de brit pop que dominaba la década de los 90, marcó un antes y un después en la música del momento con un disco que desencajó a muchos y gustó a todos. El martirio de este hombre postmoderno perseguido por sus demonios y las catástrofes mundiales iba acorde con la época, siendo uno de sus mayores aciertos saber estar en el instante preciso.

Y si todo este éxito no se hubiese dado, probablemente costaría imaginar que un disco con cargas inimaginables de quejidos pudiese tomarse las mentes de los fanáticos de todas las tendencias –desde felices poperos hasta acérrimos metaleros-, para tenernos hoy recordando que hace diez años, el mundo de la música recibió una de sus más recientes e innovadoras inyecciones de vida.

Si eres de aquellos que nunca ha escuchado el disco y quieres remediarlo ahora, puedes bajarlo de aquí: http://rapidshare.com/files/37385449/1997_-_OK_Computer.rar.

También te contamos que la revista Stereogum lanzó un disco tributo de covers a los temas de Ok Computer en: http://www.stereogum.com/okx/

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El horror hecho punk

Por Manuel Catrilef Cea

Es tan raro pensar que una banda punk fue clave en el sonido que después crearían bandas tan disímiles como Metallica, Guns 'N Roses o My Chemical Romance. Es que el punk con ese sonido tan básico y poco pulcro pareciera una limitación en sí mismo. Pero, como casi siempre, aparecen "los iluminados" que nos demuestran que cualquier cosa es mejorable o reinventable. Y The Misfits fue una patada en el culo para todos aquellos que pensaron que el punk estaba destinado a la muerte por su propia naturaleza anárquica, sucia y viceral.

En un primer momento, liderados por Glen Danzig y Jerry Only, los norteamericanos se dieron cuenta que el estilo al que pertenecían era algo tan simple y básico como el rock n' roll, algo más rápido y ruidoso, y por lo tanto su escencia era el espectáculo. De esa manera adaptaron a su forma todo el cine de horror clase b de las películas de los años 50 en adelante y lo hicieron propio. Ellos se volvieron personajes arriba del escenario, simulando ser esqueletos caminantes o zombies.

Si bien leyendas como Alice Cooper y Kiss ya habían hecho lo mismo varios años antes, no eran comparables con lo que hacían The Misfits. Claro, porque al espectáculo propio de la banda arriba del escenario había que agregarle la furia y el desenfreno que producían entre los punkies que asistían a sus recitales, con un slam imparable y gente volando de un lado para otro. Un concierto de The Misfits no es igual a ningún otro.

Y pese a que la banda ha tenido varias formaciones, y actualmente celebra una gira por sus 30 años de carrete no en su mejor forma, el legado sigue intacto.

Por todo lo anterior y mucho más, el disco de la semana es de ellos, el mejor registro de la segunda etapa de The Misfits, con Michele Graves en la voces, el gran "American Psycho" de 1997. Un disco punk agresivo, que por momentos hace guiños al thrash metal y que deja en claro que el trabajo de postproducción en un disco de este estilo musical es siempre un aporte. No porque un disco punk suene bien va a tener menos actitud por eso.

Aquí está el link para que lo descarguen http://www.mediafire.com/?d0yjndte4tr

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Saludos!

Fusionándose con el sonido

Por Patricio Salazar

Hace no mucho, mientras vagaba por el inmenso oceano que Youtube tiene para todos nosotros, encontré una grabación en donde Dimebag Darrell reflexiona acerca de los viejos discos y los contemporaneos. (http://www.youtube.com/watch?v=1i_XN26SS4E , por si alguien quiere verlo)

Cámara en mano y ataviado solo con una toalla, Mr Dimebag habla del sentimiento que había en los viejos discos, ya que la imposibilidad de hacer posproducción a las grabaciones obligaba a los músicos a entregar los mejor de si en cada nota que tocaban.

La emoción de la música honesta, esa que sale en el preciso segundo en que el músico la siente y la transforma en sonido a través de su instrumento. Si bien Dimebag habla con una nostalgia muy parecida al sentimiento de pérdida, se olvida del último nicho en donde el sentimiento, el momento preciso y la música se unen para formar una de las cosas más poderosas inventadas en el siglo pasado: Live Rock and Roll.

Cualquiera que haya asistido a un concierto puede dar crédito a estas palabras. El momento en que se apagan las luces y empiezan a zonar los acordes de aquella canción que siempre escuchas en tu habitación, debe ser una de las sensaciones más fuertes que cualquier amante de la música puede tener. Ese donde el público se hace parte importantante de la música y donde la magia que se reparte por todo el público se manifiesta con gritos y gargantas desgarradas de tanto cantar.

Es por esta razón que el programa de esta semana está dedicado a los Discos en Vivo. Podrán escuchar a verdaderos monstruos como Pappo, Ozzy o Los Stones, tipos que sobre el escenario se portan como gigantes y logran que su música penetre en todas las almas presentes en el show.

Para bajar el disco de la semana, Ozzy Osbourne Live & Loud, pinchen la siguiente dirección: http://www.megaupload.com/es/?d=C9ZJX3XZ

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Celuloide Sonoro

Por Alejandra Zúñiga

Drama, guerra, terror, romance o suspenso. Cualquiera sea el género seleccionado, actualmente ver una película que no posea su adecuado y correspondiente soundtrack suena a algo así como un suicidio. Ya sea por intereses comerciales o artísticos, lo cierto es que hoy una cinta sin su consecuente soundtrack es algo inimaginable.

Porque la muerte de Janet Leigh en Psicosis sin los compases compuestos por Bernard Hermann para cada una de aquellas famosas cuchilladas no hubiesen sido lo mismo en versión muda, ni la caminata del elegante quinteto de asesinos de Perros de la Calle de Tarantino, tampoco hubiese quedado guardado en la memoria de la generación de los 90 sin el tema Little Green Bag de George Baker que la acompaña.

Y es que la música es un factor tan importante en el cine que, desde sus inicios a principios del siglo XX y pasada ya la efervescencia inicial de la pantalla grande, existió tanto en los espectadores como en la gente de la industria el deseo de dotar a las películas de su condición básica de realidad: el sonido.

Es así que en 1927 se estrena la que es considerada la primera película sonora de la historia, El Cantante de Jazz, donde paradojalmente el sonido provenía del canto y no de las conversaciones de los actores. Posteriormente la tecnología Vitaphone comienza a desarrollarse y se producen cintas donde los actores finalmente hablan, olvidando de a poco la sobreactuación que las películas mudas requerían y comenzando así la historia de la banda sonora como uno de los grandes elementos para generar el clima de una historia.

Nombres como Ennio Morricone, John Williams, Danny Elfman (y su conocida colaboración con Tim Burton) o Angelo Badalamenti (y su correspondiente participación con David Lynch) son algunas de las vacas sagradas de la música para cine, quienes junto a artistas de la talla de Bob Dylan o Nine Inch Niles -números más que habituales en los soundtracks-, podrán ser oídos semana a semana en la nueva sección de bandas sonoras de nuestro programa.


Para bajar el disco de la semana King For a Day Fool For a Lifetime de Faith no More, pinchen la siguiente dirección: http://www.mooload.com/new/file.php?file=file01/280607/1183049756/FNM+-+KFAD%2C+FFALT.zip&s=t
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Mejor que Nuevo...

Segundo especial de verano acá en LADO B.
Como el tiempo apremia ya que los conductores de este espacio se encuentran ganando plata como locos durante el verano, vamos de inmediato al grano.

Esta semana hemos decidido ofrecerles a ustedes los temas originales de esos covers famosos que repasamos durante el programa. Asi que les hemos juntado a Jay Hawkins, Big Mama Thorton, David Bowie, The Troggs, Peter Green y Bob Seguer en una sola carpeta, para que puedan escuchar de donde han salido algunos de las más grandes piezas del rock universal. Cuando las cosas se hacen bien, no importa si son originales o no.

Aquí está el lInk para que puedan descargar esta selección de temas http://www.yousendit.com/download/CMG%2FGFRrkY95TA%3D%3D

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De nuestro primer especial de verano, música del mundo, hemos elegido a Arch Enemy como la banda que queremos que escuchen. Los potentes riff de los hermanos Ammott (bueno, ahora un solo hermano), son dignos de ser recibidos por los radio escuchas de LADO B. En cada disco hay tantas melodías malévolas, lineas de guitarra dobladas y repasos al Heavy Metal en su estado más puro, que harían llorar al fans mas acérrimo de la música del diablo. De verdad estos suecos se las traen

Si quieren disfrutar y concocer de esta banda vikinga , les dejamos el disco Doomsday Machine editado el 2005.

http://www.sendspace.com/file/0bv0o8

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El Mejor de Nuestros Tiempos

Los que no alcanzamos a gozar con las grandes voces de Ian Gillian (Deep Purple), Robert Plant (Led Zeppelin) o Freddy Mercury (Queen) cuando estaban en su plenitud, tuvimos nuestro propio ícono de lo que es ser un gran vocalista. El es un personaje que con sus cuerdas vocales puede conmovernos por la pasión que expresa o transmitir toda su rabia con gritos que cualquier cantante de metal quisiera hacerlo. Chris Cornell llénó ese cupo que dejó Mercury cuando nos dejó a principios de los 90'.

Cornell nos sorprendió a todos cuando formó parte de ese proyecto llamado Temple Of The Dog, en el cual plasmó toda su pena y cariño que sentía por Andrew Wood, vocalista de Mother Love Bone quien murió y al cual fue dedicado el proyecto. En ese disco Cornell hace gala de sus dotes de varítono, y hace que cada tema sea tan conmovedor que es imposible no hacerse parte de la melancolía que irradian esas canciones.

Después, en su etapa más reconocida y por la cual se ganó el respeto en el mundo del rock, en Soundgarden pudo dejar en claro que también la rabia era parte de su repertorio, con gritos agudos y a la vez carraspeados que, sumados a la potencia musical de la banda, nos hacían parte de ese desencanto e impotencia que la generación grunge sentía por el rumbo de la humanidad en esos años.

En la actualidad Cornell forma parte de Audioslave, proyecto que lo tiene junto a los ex miembros de Rage Against The Machine. Aquí, el ex Soundgarden, todavía nos muestra porque es el mejor cantante de rock desde la muerte de Mercury, pues el paso de lo años no le han disminuido su capacidad vocal, solo que la calidad de las canciones de la banda no hacen que pueda lucir toda su potencialidad.

Pero, si quieren disfrutar y concocer a Corell en su mejor forma y momento, les dejamos el último disco editado por Soundgarden para que aprecien al mejor cantante de nuestra generación... Down On The Upside

http://www.sendspace.com/file/ncba17

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In Memoriam

Diciembre es un mes triste para todos los amantes de la música. Con 24 años de distancia, una par perfectos desconocidos alcanzaron fama mundial tras despojar al mundo de dos tremendos músicos. Bajos las armas de Mark Chapman y Nathan Gale, sucumbían John Lennon y Dimebag Darrell Abbott, respectivamente.

El genio de Liverpool solo alcanzó a ver la cara de su atacante por unos breves segundos antes de que éste le dispara en repetidas oportunidades justo al lado de su apartamento en Dakota, para luego sentarse en la acera calmadamente. El conserje, que vió la macabra escena gritó " ¿acaso sabes lo que acabas de hacer?", a lo que Chapman respondió : "Si, acabo de dispararle a John Lennon". Y así nada más, tan estúpida, desabridamente e inexplicablemente, un 8 de diciembre de 1980, moría el genio y creador de los Beatles, la banda más grande de la historia.

Ya en 2004, en un club de Columbus Ohio, Dimebag Darrell sacaba de su guitarra esos brutales riff que lo había transformado en un mesías del heavy metal en los 90 con Pantera. Con su nueva banda, Damageplan, llevaba cerca de 10 segundos en el escenario cuando el ex- marine, Nathan Gale, se acercó a su ídolo para tomarlo del hombro y dispararle 6 veces. Dimebag murió instantaneamente, en frente de su público. Momentos despues, Gale se le uniría tras ser muerto por un policía de un escopetazo en la nuca.

En Labo B hemos decidido rendir homenaje a estos mártires de rock poniendo a disposición de nuestros auditores dos discos para descargar esta semana. El primero es Reinventing Hell, The Best of Pantera, que reune los clásicos de la agrupación Texana, más los singles inéditos The Badge e Immortally Insane. Solo debes hacer click acá: http://www.sendspace.com/file/x1093h

(el segundo disco de John Lennon será subido pronto por Pamela)

También no olviden escuchar nuestro programa Lado B en http://www.radiojgm.uchile.cl cada miércoles a las 16:30 y 22:30 hora de Chile. También estamos a toda hora en http://ladob.podomatic.com. Y pueden escribirnos a ladob.jgm@gmail.com, dejen sus comentarios y sugerencias y además pueden participar comentando un disco.
Saludos!

For Those About to Rock, We Salute you

Ya han pasado dos años desde que sonó por primera vez la presentación del programa en radio JGM. Hace dos años exactos el hombre bajo el gorro se ponía tras el microfono y le daba vida, en forma de ondas sonoras, a un deseo que se venía forjando hace bastante rato. Compartir su gusto por el rock con cualquiera que deseara oirlo. Lado B estaba en el aire un 6 de diciembre del 2004.

Por el programa ya han pasado varios colaboradores. Ernesto "Tito" Quinteros tiene un reconocimiento por haber sido socio fundador del proyecto. Nicole Perez estuvo un tiempo en el staff tambien. Sin embargo la cosa empezo a tomar forma con la llegada de los actuales miembros del programa Pamela Ramirez y Pato Salazar.

Desde mi perspectiva (soy el Pato), he sentido que de a poco el programa a ido tomando forma y vida propia. Desde aquellas locuciones tímidas y llenas de frases balbuceantes, a la complicidad que he llegado a tener con mis compañeros locutores, esta experiencia me ha servido para, principalmente, reforzar lazos con dos personas que a estas alturas puedo considerar con toda seguridad mis amigos. Lo entretenido es que esta unión se ha ido forjando a través de una de las cosas que mas adoro en el mundo: el rock.

Es por este motivo que el programa aniversario lo hemos hecho a partir de los hitos que han marcado la evolución del programa en estos dos años. Aquí les vas la siguiente lista:

La primera canción que se escuchó a través de Lado B fue Prince Charming, de Metallica.

Las bandas que han ido a nuestro estudio en estos años han sido "Tu no eres Sylvia" y " Tamerland", de quienes tocamos los temas "Laguna" (grabada en vivo en nuestros estudios) y "Remember", respectivamente.

La canción más rancia que ha sonado alguna vez en el programa es "Black Sweat", de Prince. (gracias a un servidor)

La canción más mala es I like rock, de Paul Gilbert (yo de nuevo)

La que nunca fue un lado b, Far Behind de Candlebox (insistó que yo nunca la había esuchado) (tres apariciones...debo merecer un premio por esto)

Junto a ellas hemos colocado nuestros temas favoritos que han aparecido en el programa y los gustitos que solo por esta vez, ya que se tratan de hits, nos pudimos dar. La lista incluye a Pantera, Pj Harvey, la Renga, entre otros.

Acá les dejamos la compilación de temas. Solo deben hacer clic en el link y listo.

http://www.sendspace.com/file/z4a1xl

Esperamos seguir avanzando con este proyecto y llegar lo más lejos que se puede siempre al lado del rock. Y como dijo AC/DC alguna vez : "A todos aquéllos que rockean, los saludamos ( For Those About to Rock, We Salute you)"

Como una bala en tu cabeza

En 1992 en medio de los gritos lastimeros de los chascones del grunge y los soleados acordes del rock californiano, irrumpió de pronto un estallido potente de magnitudes musicales que cambió la escena y marcó un nuevo rumbo para el camaleónico rock.

Se trata del disco homónimo de Rage Against the Machine, el cual sorprendió con la potentes y contestatarias líricas de Zach de la Rocha de la mano de la versátil guitarra de Tom Morello, quien dio nuevas sonoridades a su instrumento, aprovechando sus posibilidades al máximo. No es por nada que es considerado actualmente uno de los mejores guitarristas del rock.

Así, la voz y letras creadas por de la Rocha y la guitarra de Morello, fueron las mejores armas que podrían tenerse para la configuración de un discurso comprometido con causas importantes, como la de los zapatistas, una constante crítica al capitalismo y especialmente al gobierno de Estados Unidos. De hecho la portada del disco da cuenta de la conciencia social y política de la banda, pues tiene la impactante fotografía que registra la inmolación de Tich Luang Dúrc, un monje budista que protestaba contra los abusos del gobierno de Vietnam.

“Killing in the name”, “Freedom”, “Know your enemy”, son algunos de los temas que reflejan el fuerte espíritu rebelde de RATM y además dan pie para un nuevo estilo de hacer rock. En los ochentas ya se habían observado los primeros atisbos de una fusión que en los noventa se instalaría de lleno: Public Enemy más Ántrax y el famosos tema de Run DMC y Aerosmith “Rock this way”. Temas que hacían prever que rimas y riffs sí eran compatibles. El disco de Rage… vino a confirmarlo, gracias a él, más tarde grupos como Korn y Limp Biskit salieron a la luz, pero con una sonoridad más edulcorada que la rabia contra la máquina que inició todo.

Así que les invitamos a escuchar este gran disco de los noventas que desde ya pueden descargar en la dirección: http://www.sendspace.com/file/2i99al

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Y aquí estaba su mente

Don Charles Michael Kittridge Thompson IV, más conocido como Frank Black, es la cara más reconocible de aquel proyecto de mediados de los 80' llamado Pixies. Un grupo que influenció a toda aquella camada de bandas de habla inglesa con un sonido desprolijo y sucio que se dejaba guiar más por la inercia, que por una estructura melódica clara. La complejidad no era lo de Pixies, sino que el dejarse llevar por sus instrumentos, sin caer en la psicodelia pura, pero algo de eso había.

Por todo lo anterior es raro escuchar el disco Dog in The Sand de este personaje. Lejos del sonido alternativo de su banda madre, Black se deja influenciar más por gente como Bob Dylan y Niel Young a la hora de componer los temas. Muchas guitarras acústica, mucho del folk y del country combinado con la voz de Frank dan cuenta que este hombre puede componer canciones más complejas y con mejores arreglos, que lo de Pixies era una volada y no era que estuviera limitado por su talento. Aquí se demuestra que podía aterrizar su mente y hacer algo con una sonoridad más estructurada, pero sin eso significar que sea menos sorprendente y fresca.

En cualquier caso, no es que sea un disco típico de Folk-country, para nada, sólo que estos estilos son los más reconocibles, siempre aderezados con muchos de los guiños típicos de la obra de Frank Black.

Para un fan promedio de Pixies pudiera ser difícil digerir el disco al principio, pero si pueden obviar ese hecho y tener la menta abierta a un sonido más claro y definido, este disco puede ser una experiencia muy grata.

Bueno, y aquí está el link para que lo puedan descargar

http://www.sendspace.com/file/2fu8v2

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Más Vivo que Nunca

De Hendrix es dificil hablar a estas alturas. Que se puede decir que ya no se haya dicho. El más grande de los guitarristas eléctricos de la faz de la tierra aún sigue inspirando a generaciones de guitarristas, a más de 30 años de su triste y temprana muerte.

La legendaria guitarra Fender Stratocaster con la que maravilló al mundo será rematada en Nueva York dentro de los próximos días. La mayor oferta se cree que llegará a la no despreciable cifra de 200 mil dólares. Y es que la verdad la magia que desprendia de sus 6 cuerdas colocadas al revés supera ampliamente esa cifra. ¿Quién más, por ejemplo, a hecho sonar una stratocaster como Jimi lo hizo en Voodo Chile?. Absolutamente nadie.

Y es que cuando Hendrix se dejaba llevar por la música podía pasar 100 veces por las mismas notas y hacerlas sonar de una manera diferente cada vez. Maestro de la melodía y el rasgueo. La sutil mezcla que hacía de ambos al improvisar sobre sus canciones le dieron esa frescura a su música que aún la mantiene viva. Hendrix era un animal del "En vivo".

Su ya extraordinaria presencia en sus singles de estudio se multiplicaba por mil cuando pisaba es escenario y comenzaba a sacarle gritos a su amada guitarra. La recorría entera con sus enormes manos y la aprisionaba con su cuerpo en un espectáculo que rozaba lo erótico y lo surrealista, para finalmente destruírla. Acabar con lo que más amaba en el mundo.

Tal como lo hacía Keith Moon, tal como lo haría Kurt Cobain. Todos se dedicaron a amar y destruir con la misma intensidad. Y a todos ellos la muerte les cobró la palabra.

Para poder sentir lo que era Hendrix sobre el escenario es que les traemos un disco de la Band Of Gypsys, proyecto posterior a la Jimi Hendrix Experience, grabado en la noche de año nuevo de 1969-1970. Con su gran amigo Billy Cox, y el baterista Buddy Miles, formaron un poderoso power trio, dejando plasmadas 6 canciones llenas de improvisación y pasión. Entre ellas la imponente Machine Gun, 12 minutos de los mejores licks de rock de la historia. Para Trey Anastasio, lejos la mejor canción del genio de Seattle.

El disco lo pueden descargar acá, solo debes hacer click en http://www.sendspace.com/file/chb0en

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Harrisongs

Cuando The Beatles hacía vibrar a las calcetineras del mundo, George Harrison siempre fue catalogado como "The quiet beatle" o "el beatle callado". Claro, a pesar de ser el guitarrista principal, Harrison se caracterizó por una personalidad más tranquila e introvertida, casi no hablaba en las conferencias ante la prensa y estaba lejos de la efervescencia de John Lennon o el carisma de Paul McCartney.

Aún así, en medio de dos enormes egos, George Harrison fue evolucionando en sus destrezas musicales, siendo capaz de aportar con grandes canciones dentro del repertorio del cuarteto de Liverpool. La intensa "While my guitar gently weeps" una de las mejores canciones del Álbum Blanco, "Taxman", “Something” catalogada como una de las más bellas canciones de amor, “I me mine” y la célebre “Here comes the sun” son algunos ejemplos que dan cuenta de un sonido propio del guitarrista, quien demostraría que además sabía cantar y componer. A esto se suma la introducción del sitar en la música de The Beatles desde el Rubber Soul, instrumento que dominaría gracias a sus estudios con el maestro Ravi Shankar.

Todo este talento que solo era conocido de forma fragmentada y casi esparcida en la discografía beatle, puede verse desplegada en toda su expresión en el álbum de 1970, All Things Must Pass. Luego del fin de su etapa en el grupo más importante en la historia del rock, Harrison se adelantó a sus ex compañeros y lanzó el primer disco de un beatle en solista.

En este triple álbum, por fin llegamos a conocer a Harrison en su propia faceta, sin el rótulo de beatle o el guitarrista tras la dupla Lennon-McCartney. Libre y autónomo nos internamos en lo que tiene que decir frente al amor, las relaciones y su ferviente fe, reflejada en “My Sweet Lord”una de las canciones más famosas del disco, en la cual Harrison grita Hare Krishna y Aleluya, como una sola expresión del creer.

Así de la mano de su guitarra, forma perfectas melodías para canciones perfectas: “Beware of Darkness”, “I’d have you anytime” (compuesta junto a su amigo Dylan), “Isn’t it a Pity”, por nombrar algunas. Sin duda las mejores Harrisongs están en All Things Must Pass, disco que ya puedes descargar en el siguiente link: http://www.sendspace.com/file/06g1wp que contiene el primer volumen. El otro volumen esta aquí: http://www.sendspace.com/file/10afem. Ahí los tienen, todos los temas de un destacable álbum.

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PD: La versión que bajarás es la remasterización de 2001 que repartió los temas en un disco doble, el cual contiene novedades como nuevas versiones de canciones antiguas y otras en modo acústico.

Saludos!

Bienvenidos al Centro de Una Irrealidad

Cabezones es una banda atípica en el mundo del rock. Comenzaron por allá en el año '94 con una propuesta hardcore, tenían un sonido muy sucio y letras de evidente corte político-social. Lo cual explica en gran medida que se hayan acercado a Andrés Gimenez (líder de los disueltos A.N.I.M.A.L.) para que hiciera la mezcla y manejara el sonido de sus primeros Ep's. A decir verdad, en ese momento no eran mejor que ninguna banda promedio del estilo y no tenían cómo destacar en la fuerte escena rockera argentina.

Pero todo cambió cuando Zeta, el ex bajista de Soda Stereo, los llevó a firmar con la multinacional Sony y se encargó de la producción del disco Alas, debut comercial de la banda en el año 2000 (antes habían editado Electroshok, pero que en la actualidad no es reconocida como la primera placa oficial).

Fue en ese momento en que la banda comenzó a tener una sonoridad propia, dando un vuelco hacia el hard rock, con guitarras muy poderosas y riff pegajosos. Lo anterior, en contraste con la voz de César Andino, la cual es muy suave y melódica, casi púber, perfecta para alguna banda de emo-core.

Esa mezcla de fuerza y melodía se siguió desarrollando con el disco Eclipse (2003), el cual le permitió a la banda girar en México, y además, hacer más de 50 recitales en 2 meses en su natal Argentina. Es decir, su consolidación era clara.

Pero sería con su última placa, Jardín de Extremidad (2005), que darían un paso la maduración total de su sonido, lo cual también significó el reconocimiento absoluto de la crítica y del público. Algunos incluso catalogaron al álbum como el mejor de ese año en el país trasandino.

Y siendo honestos, no es para menos. El disco es una exquisita mezcla de poder, riff fuertes, y en algunos temas, baterías aceleradas, que están perfectamente matizadas con la voz de César Andino. Quizás en un principio la mezcla cuesta digerirla (a su servidor le ocurrió) pero después de un par de "escuchadas" las canciones empiezan a tener gusto y lógica.

Ésta última en todo orden, pues que la música sea fuerte, que las vocalizaciones sean ultra melódicas, y que las letras tengan una temática sentimental, todo aquello armoniza perfectamente. El disco es casi una obra conceptual, en cada canción se puede ver que se habla de alguien que ya no está ahí, y el proceso de asimilación que hay que hace a partir de aquello, tanto a nivel de sentimientos y reflexión.

Desde esa perspectiva, las letras, que en un principio pudieran parecer melosas y facilistas (qué más fácil que escribir una canción de amor) cobran valor, y son absolutamente justificadas.

Si juntamos todo lo anterior, y le sumamos los notables arreglos de cuerdas que hay en la placa, hacen que el disco sea absolutamente recomendable.

Aquí está el link para que puedan descargar el disco

http://www.sendspace.com/file/u4s026

Escuchen el programa en el podcast ladob.podomatic.com

La Cosa Nostra

Hay algo raro en los descendientes de italianos. Tal vez porque son herederos directos de uno de los guitarristas y violinistas más virtuoso de la historia. Paganinni fue quien inició una travesía que no se ha detenido hasta el momento. Es que siempre alguno de ellos está a la cabeza del mundo de las cuerdas. Satriani, Vai, Zappa ... da como para pensar.

Lo único concreto es que el pasado sabado 21 de Octubre, uno de los herederos estuvo entre nosotros en el marco de la gira mundial 2006 del G3. Este show propiedad de Joe Satriani que a punta de virtuosismo y despliegue técnico es capaz de noquear a todos aquellos que dicen que este tipo de música carece de sentimiento. Cuando John Petrucci estaba en el climax de su actuación a todos los presentes se nos pararon los pelos del brazo y se nos detuvo por un instante el aliento.

Debido a tan memorable acontecimiento es que les ofrecemos el trabajo solista del guitarrista de Dream Theater "Suspended Animation" del año 2005, en el cual participa ese monstruo de la batería que es Mike Portnoy. El disco es intenso de principio a fin. Marcado de una dureza que va un poco más allá de lo hecho con Dream, Petrucci se da espacio para desarrollar sus tipicas lineas melódicas a través de riff gancheros que no deben apaciguarse para la entrada de un teclado o la voz de James Labrie como sucede en " el teatro de los sueños".

Temas como Jaws of Life, que abrió en concierto en Chile, invitan a los headbangers a disfrutar corporalmente la canción, que tambien ofrece pasajes de guitarra Shred alucinante y muy lirica. Por otra parte hay temas como Glasgow Kiss donde se ve la mano de Mike Portnoy acompañando con un grove algo jazzy un riff rockero que hace que la canción flote de un modo extraño al que estamos acostumbrados. En resumen es un tremendo disco.

Suspended Animation de John Petrucci, es el disco de la semana aca en Lado B... . Que lo disfruten

http://www.sendspace.com/file/ikkt2d

Además no olvides sintonizar Lado B todos los miércoles a las 16:30 y 22:30, hora de Chile en http://www.radiojgm.uchile.cl.
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El sonido de la ensoñación

Cuántas veces no hemos repetido la escena de estar pegados mirando a la nada desde la ventana de la micro usando los audífonos como si fueran parte de uno o tendidos en la cama con la radio de compañía. Así, enchufados a una canción que nos inyecta sentido, que completa los vacíos de esos momentos donde pareciera que los segundos, los minutos y las horas no existen. Sólo estás tú y el sonido de la música, transportándote a todas partes y a ningún lado al mismo tiempo.

Si hay bandas que producen tales efectos ensoñadores es el grupo irlandés-británico My Bloody Valentine con su disco Loveless. Lanzado en 1991, ha sido definido como el máximo exponente del estilo shoegazer, término que los críticos le dieron al sonido introspectivo de algunas bandas de la época, de las cuales Jesús & The Mary Chain serían los primeros referentes. Está claro que a los críticos les encantan las etiquetas, así, shoegazer, nacería de la revista estadounidense New Musical Express, pues notó que los miembros de estas bandas miraban al suelo mientras que tocaban o a sus pedales de efectos, en el caso de los guitarristas, dando la sensación de estar en un pleno estado de concentración.

Lejos de las etiquetas que no necesita, Loveless es un disco de una enorme potencia e intensidad, entregada por las guitarras distorsionadas y ruidosas de Kevin Shields, quien compuso casi la totalidad del disco. Éstas, nos envuelven y atrapan en canciones como "Sometimes" y "When you Sleep" y son acompañadas por hermosos teclados que de pronto aparecen para crear nuevas atmósferas. Las voces de Shields y Bilinda Butcher, se complementan pareciéndo a ratos que conforman un solo registro, formándose una mezcla perfectamente etérea, tanto como la propia música.

Loveless es un viaje constante, puedes escucharlo una y otra vez y nunca es como la primera. Te invitamos a oírlo y transportarte: ya puedes descargarlo desde el sitio http://www.sendspace.com/file/p2pu1w.

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Girls, Girls, Girls

En el Rock no hay muchas mujeres, porque si hemos de ser francos los hombres, es que el rock es bien machista. Es solo cosa de ver las letras de las canciones de grandes bandas como Motorheäd, AC/DC, Motley Crüe, Kiss y hasta algunas canciones de Elvis para darse cuenta de ello.

Pero de vez en cuando aparecen algunas mujeres con actitud que nos dejan babosos, independiente de si son bellas o no. Un caso claro es el Janis Joplin, quien no era para nada actractiva físicamente, pero que con su sensual desplante en el escenario tenía a todo el público en su bolsillo.

Y continuando con ese legado, pero de manera más actual y con una sonoridad más dura aún, es que aparecieron hacia finales de la década pasada The Donnas, unas chicas estadounidenses que rescatan el lado de rock más fiestero, ese que tiene mucho groove y que dan ganas de pararse de inmediato y empezar a basilar con su música.

La actitud de minas indefensas no va con estas chicas, y las letras del disco Spend The Night lo demuestran (Estoy en mi segundo trago, anque ya me habia tomado unos cuantos antes, estoy tratando de pensar, y pienso en ti en el suelo, yeah, tu en el suelo. Vamos y sácalo, sácalo, tienes que sacudirlo para mí!). Es así como dejan claro que las fiestas, diversión, y en especial el goce del sexo no son solo para nosotros los hombres, ellas también nos pueden enseñar algunas cosas. Y si son The Donnas ¿qué mejores maestras queremos?

Aquí está el link para que descarguen un buen disco de rock n' roll, en el que podrán ver que estas cuatro chicas se las traen, por momentos recuerdan lo mejor de los Ramones y AC/DC, incluidos solos de guitarras, así que afírmense si no las han escuchado.

http://www.sendspace.com/file/c73tpl (si les sale una ventana de propaganda, aprieten la x de la esquina de esa ventana al interior de la página y desaparecerá)

PS: Recuerden escuchar Lado B todos los miércoles a las 16:30 y 22:30 horario de Chile por el sitio www.radiojgm.uchile.cl

No diga Grupo.. Diga Supergroup

Cuando Andrew Wood (lider y vocalista de la banda Mother Love Bone) murió, un joven y talentoso músico se sintió tocado hasta lo más profundo de su alma. No solo había muerto un antiguo compañero de habitación o un amigo, había partido uno de los pilares de lo que posteriormente se llamaría la revolución grunge. Esa que en los 90 se apoderó de Estados Unidos y que tuvo tal potencia que tuvo la osadía de declarar muertos al Heavy Metal y a las mega estrellas del Pop.

Chris Cornell compuso inmediatamente dos canciones que ponían en evidencia su alma. "Say Hello 2 Heaven" y "Reach Down" eran un tributo para quien había sido uno de sus guías. Reunió a dos miembros de la banda de Wood para llevar a cabo su homenaje. Estos eran los jóvenes Stone Gossard y Jeff Ament, quienes se harían famosos a nivel mundia con Pearl Jam unos años después. También se unió al proyecto el baterista de la banda de Cornell, Soundgarden. Matt Cameron se hizo cargo de los ritmos de este tributo mientras que Mike McCready, guitarrista de unos nacientes Pearl Jam tambien quiso integrarse al proyecto. Las primeras jams dieron como resultado el tema "Temple of the Dog", que posteriormente se transformaría en el album tributo a Wood.

Con 10 temas, este albúm se destaca por la calidad extraordinaria de la voz de Cornell. Es un trabajo reflexivo, alejado de las guitarras mas duras de Soundgarden y Pearl Jam. Acá tenemos declaraciones de principios acompañada de una instrumentación intensa. Unas guitarras que entre rasgueo y rasgueo de pronto lanzan gritos de dolor y esperanza que tratan de alcanzar el plano astral en donde se encuentra la voz de Chris Cornell. Gritando, desgarrado por la partida de su amigo. El entonces pelilargo logra que los pelos del brazo se pongan de punta en cada climax alcanzado por su extraordinaria performance. Sin ser mejor que lo que harían cada uno de los integrantes en Pearl Jam y Soungarden, sigue siendo un buen disco.

Eddie Vedder participa en la canción Hunger Strike, apoyando en los coros a Cornell. Vedder había viajado a Seattle a audicionar para Pearl Jam. Entró en el estudio e improvisó junto a un boquiabierto Cornell que vio como un desconocido había captado el alma de su canción sin ni siquiera haberla escuchado antes.

Tras este trabajo, la banda se separó. Soungarden lanzó Badmotorfinger, disco fundamental en su carrera, mientras que Pearl Jam lanzó el albúm Ten, que los puso en el mapa mundial. Sin embargo Temple of the Dog esta ahí para recordarles el lazo que los unió alguna vez.

Pueden descargarlo desde acá http://www.sendspace.com/file/lmxyq0, que lo disfruten.

Sigan escuchando Lado B, en http://www.radiojgm.uchile.cl/ todos los miércoles totalmente en vivo a las 16:30 y su repetición a las 22:30, hora de Chile.
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El Lennon que llevamos dentro

Luego de que The Beatles se acabara oficialmente, John Lennon decidió someterse junto a su inseparable Yoko al tratamiento de terapia primaria (Primal Therapy), desarrollada y popularizada por el doctor Arthur Janov. Durante 4 meses, Lennon tuvo que confrontar sus miedos y traumas de su infancia, el abandono, como una forma de sanación interna.

Súbitamente la rabia y el dolor contenido por años emergieron, y qué mejor manera de canalizarlos que a través de la música. Es así como nació John Lennon/Plastic Ono Band de 1970, el primer disco solista del ex beatle y quizá el más explosivo, emocional e introspectivo de su carrera.

Todos los temas fueron compuestos por Lennon, quien también se encargó de las guitarras y la mayoría de las interpretaciones en piano. Además de revelar por primera vez las capacidades musicales y compositivas que Lennon poseía en el estudio, fuera de la dupla con Paul McCartney y su participación en The Beatles, el disco es un auténtico manifiesto acerca de su vida, el amor, la muerte y su manera de pensar.

En canciones como “God”, Lennon deja en claro en qué cree y a qué le ha perdido la fe. “No creo en Jesús…en Elvis, no creo en Beatles, solo creo en mí, Yoko y en mí…”, nos canta John a modo de confesión, mientras que el legendario Billy Preston (llamado alguna vez el sexto beatle) lo secunda en el piano. Asimismo, Mother, una de las canciones más intensas y emotivas del álbum, y “Mummys Dead”, reflejan lo que significó la pérdida de Julia, la madre del cantante, en un accidente en 1958.

Ser personal en este disco y de no dejarse llevar por ninguna exigencia musical del medio o el mismo público, pudo haber sido un gran riesgo para Lennon, especialmente cuando todos estaban alertas a qué iba a realizar cada beatle luego de la disolución. Sin embargo, la crítica lo alabó en su momento y hasta hoy se agradece la honestidad y pasión puesta en cada una de estas canciones. La catarsis de John Lennon se ha vuelto nuestra también.

Los dejamos entonces, con la que puede ser una excelente primera aproximación a Lennon, revisitada sorpresa o parte de la vida misma. Un álbum único, con Lennon totalmente en solitario, sin Beatles, sin Yoko gritando entremedio.
Solo John puro e intenso.

El link para descargarlo es: http://www.sendspace.com/file/x7167r

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