Por problemas de la página donde alojamos el programa, no habíamos podido subir la última edición, así que aquí se las dejamos:
Bloque 1: Sección de discos nuevos con The Verve, The Breeders y Melvins
Bloque 2: Llegada a Chile de box set de la leyenda del Metal Pentagram
Bloque 3: Popurri de noticias con AC/DC, Metallica y The Ganjas
Bloque 4: Disco de la semana con David Bowie y la placa Live Santa Monica 1972
Bloque 5: Rumores de recitales con R.E.M., Stone Temple Pilots y Motlëy Crüe
Bloque 6: Noticias con los chilenos de Huinca
Bloque 7: Llegada de Wes Borland, ex guitarrista de Limp Bizkit, a Marilyn Manson
Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.
19.8.08
Reclama tu banda favorita!
Desde ya puedes opinar acerca de las bandas que te gustaría ver en noviembre próximo en el escenario del Festival Fénix 2008, que el año pasado trajo a The Killers, Travis, entre otros. No sería malo sugerir a Weezer o The Mars Volta, por darte alguna idea. Soñar no cuesta nada...
En fin, haz presente tu opinión en este link que la productora puso a tu disposición. Manifiestate ya!
En fin, haz presente tu opinión en este link que la productora puso a tu disposición. Manifiestate ya!
Para que vayan tanteando terreno...
Para los que tienen los oídos ansiosos de novedades musicales, esta semana aparecieron dos avances de las nuevas entregas de Bob Dylan y Metallica.
En el caso del viejo maestro, se trata del tema "Dreamin of You", parte de "Tell Tale Signs: The Bootleg Series Vol. 8", un álbum doble con 27 canciones que será lanzado oficialmente el 7 de octubre. El disco, trae grabaciones de estudio nunca antes publicadas, tomas alternativas, demos, temas en vivo y rarezas, verdaderas joyitas del período entre 1989 y 2006. Una buena época para Dylan, considerando que en ese tiempo sacó grandes discos como Time Out of Mind, Love and Theft y Modern Times.
Por su lado, Metallica se raja con nada más y nada menos que ¡14 segundos! de "Death Magnetic", su nuevo disco. Ojo, que no bromeo con los 14 segundos que ellos llaman "A little taste of death". A Lars ya le debe haber dado un poco de urticaria por el solo hecho de poner esa migaja en línea. Este nano-avance puedes completarlo cuando el último trabajo de estudio de los generosos Metallica salga a la luz el próximo el 12 de septiembre.
Así que los dejamos con estas muestras para que vayan preparando las orejas, o los bolsillos para los más producidos.
"A little taste of death"
"Dreamin of You"
En el caso del viejo maestro, se trata del tema "Dreamin of You", parte de "Tell Tale Signs: The Bootleg Series Vol. 8", un álbum doble con 27 canciones que será lanzado oficialmente el 7 de octubre. El disco, trae grabaciones de estudio nunca antes publicadas, tomas alternativas, demos, temas en vivo y rarezas, verdaderas joyitas del período entre 1989 y 2006. Una buena época para Dylan, considerando que en ese tiempo sacó grandes discos como Time Out of Mind, Love and Theft y Modern Times.
Por su lado, Metallica se raja con nada más y nada menos que ¡14 segundos! de "Death Magnetic", su nuevo disco. Ojo, que no bromeo con los 14 segundos que ellos llaman "A little taste of death". A Lars ya le debe haber dado un poco de urticaria por el solo hecho de poner esa migaja en línea. Este nano-avance puedes completarlo cuando el último trabajo de estudio de los generosos Metallica salga a la luz el próximo el 12 de septiembre.Así que los dejamos con estas muestras para que vayan preparando las orejas, o los bolsillos para los más producidos.
"A little taste of death"
"Dreamin of You"
17.8.08
Las cosas en su lugar
Pato "Hair Metal" SalazarCuenta la leyenda que el productor de Warrant llamó a Jani Lane, vocalista de la banda, para decirle que le faltaba un single pegajoso a su disco “Uncle’s Tom Cabin”. Ante la sugerencia, Lane compuso durante la noche una canción a la que tituló “Cherry Pie” y que finalmente dio nombre a ese álbum de 1990.
La inspiración de esa jornada transformó la vida de la banda. De pronto la canción se transformó en un hit y Lane se vio cantándola una y otra vez. Se organizaban concurso de lanzarse pies de fresa en los cuales el cantante debía ser juez y toda la obra de Warrant se acotó a esas dos palabras. Años después, en un programa de VH1, Lane diría: “ahora me pegaría un tiro en la maldita cabeza antes de componer nuevamente esa canción”.
El caso no es aislado. En una industria más preocupada por el éxito comercial que por la calidad musical, la búsqueda de un gancho ha hecho temblar el legado de muchas bandas… sólo dos ejemplos: Radiohead no toca en vivo “Creep” por esta razón y muchos creen que Faith No More es solamente “Easy”, canción que ni siquiera es de ellos.
Esto mismo le pasó a una de la agrupaciones clásicas de los 80’s, Extreme. Su cuatro discos plagados de los riff metaleros, aderezados con una pizca de funk y su actitud de rockers se vio reducida a una imagen de “niños bien” gracias al tema “More Than Words”.
Sin proponérselo, la bestial forma de tocar de Nuno Bettencourt y la licenciosa voz de Gary Cherone sólo servían para unir parejas durante el “clásico lento” que había en las fiestas de casi una década atrás. Esa guitarra limpia acalló, impensadamente, las toneladas de distorsión que descargaba Extreme en cada concierto.
Por eso es que su último trabajo, “Saudades de Rock” (2008) es revitalizante. Si bien no llegará a la categoría de clásico, se nota la mano relajada y las ganas de hacer buena música. En este disco se multiplican las melodías roqueras clásicas que, sin ningún asco, remiten a los grandes referentes del género. Desde la canción “Comfortably Dumb”, con toques zeppelinianos, hasta la totalmente country “Take Us Alive”, los 14 tracks de este disco entretienen y llevan a la nostalgia del rock de estadios.
Queda en claro que bajo todo el artificio que Extreme tenía en los 80, había una dupla que se movía plácidamente. En “Saudades…” no tienen problemas para mezclar sonidos modernos – algunas canciones recuerdan algo a Audioslave – con los viejos recursos como los clásicos coros doblados que usaban toda la generación Glam Metal. Pero lo más notables es la desfachatez con que se mueven las canciones, una impronta altanera que deja en claro que ellos pueden tocar lo que quieran, cuando quieran, una actitud muy similar de la que tiene un cincuentón pretendiendo a una niña de veinte años.
Por eso era necesario que salieran un trabajo así. Había que sacarles la melosidad que “More Than…” había creado sobre la banda. Ellos no eran lindos, se querían aprovechar de las chicas, esa era la actitud inicial, no eran los yernos ideales, eran desalmados rompe calzones que usaban su talento para vender el cielo y la tierra en pos del objetivo carnal, y este disco los revela en esa perspectiva rock que jamás debieron haber perdido.
La inspiración de esa jornada transformó la vida de la banda. De pronto la canción se transformó en un hit y Lane se vio cantándola una y otra vez. Se organizaban concurso de lanzarse pies de fresa en los cuales el cantante debía ser juez y toda la obra de Warrant se acotó a esas dos palabras. Años después, en un programa de VH1, Lane diría: “ahora me pegaría un tiro en la maldita cabeza antes de componer nuevamente esa canción”.
El caso no es aislado. En una industria más preocupada por el éxito comercial que por la calidad musical, la búsqueda de un gancho ha hecho temblar el legado de muchas bandas… sólo dos ejemplos: Radiohead no toca en vivo “Creep” por esta razón y muchos creen que Faith No More es solamente “Easy”, canción que ni siquiera es de ellos.
Esto mismo le pasó a una de la agrupaciones clásicas de los 80’s, Extreme. Su cuatro discos plagados de los riff metaleros, aderezados con una pizca de funk y su actitud de rockers se vio reducida a una imagen de “niños bien” gracias al tema “More Than Words”.
Sin proponérselo, la bestial forma de tocar de Nuno Bettencourt y la licenciosa voz de Gary Cherone sólo servían para unir parejas durante el “clásico lento” que había en las fiestas de casi una década atrás. Esa guitarra limpia acalló, impensadamente, las toneladas de distorsión que descargaba Extreme en cada concierto.
Por eso es que su último trabajo, “Saudades de Rock” (2008) es revitalizante. Si bien no llegará a la categoría de clásico, se nota la mano relajada y las ganas de hacer buena música. En este disco se multiplican las melodías roqueras clásicas que, sin ningún asco, remiten a los grandes referentes del género. Desde la canción “Comfortably Dumb”, con toques zeppelinianos, hasta la totalmente country “Take Us Alive”, los 14 tracks de este disco entretienen y llevan a la nostalgia del rock de estadios.
Queda en claro que bajo todo el artificio que Extreme tenía en los 80, había una dupla que se movía plácidamente. En “Saudades…” no tienen problemas para mezclar sonidos modernos – algunas canciones recuerdan algo a Audioslave – con los viejos recursos como los clásicos coros doblados que usaban toda la generación Glam Metal. Pero lo más notables es la desfachatez con que se mueven las canciones, una impronta altanera que deja en claro que ellos pueden tocar lo que quieran, cuando quieran, una actitud muy similar de la que tiene un cincuentón pretendiendo a una niña de veinte años.
Por eso era necesario que salieran un trabajo así. Había que sacarles la melosidad que “More Than…” había creado sobre la banda. Ellos no eran lindos, se querían aprovechar de las chicas, esa era la actitud inicial, no eran los yernos ideales, eran desalmados rompe calzones que usaban su talento para vender el cielo y la tierra en pos del objetivo carnal, y este disco los revela en esa perspectiva rock que jamás debieron haber perdido.
Si quiere oir lo nuevo de extreme solo descargue el disco aquí
Escuchen LADO B, todos los miércoles a las 21 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días viernes acá en nuestro blog en la categoría LADO B - RADIO.
Lado B 13-08-2008
Estrenamos formato nuevo para escuchar el programa, adios a nuestro querido podcast, que tuvimos que dejar pues por su limitación de espacio teníamos que borrar los episodios anteriores para subir algunos nuevos. Pero eso ahora será parte del pasado pues con esta nueva modalidad no se perderán las futuras ediciones del programa.
Para que entiendan el nuevo formato. Abajo aparecerá un pequeño reproductor en formato flash (por lo que es necesario que tengan instalada, de preferencia, la más reciente versión de adobe flash, aunque es probable que ya la tengan dado que el formato es muy común dentro los sitios web). En ese reproductor ustedes verán la teclas Play, adelantar y retroceder y dos puntos blancos, uno que es el indicador de la reproducción en curso y otro que es para controlar el volumen.
Las teclas de adelantar y retroceder sirven para adelantar los bloques, no la reproducción en curso. De esta manera, si solo les interesa escuchar el segmento donde hablamos de los posibles vocalistas de Velvet Revolver, ahora pueden ir hasta esa sección sin la necesidad de pasar por los otros bloques. Después tan solo tienen que esperar a que se cargue la barra de reproducción, tal cual como los videos de Youtube.
Sin más palabras, los bloques de esta semana
Bloque 1: Día del rock nacional con Los Jaivas, Las Lilits y Weichafe.
Bloque 2: Candidatos para ser el nuevo vocalista de Velvet Revolver con Sebastian Bach, Spacehog y Lenny Kravitz.
Bloque 3: Banda chilena y nueva con Cazuela de Cóndor.
Bloque 4: Disco de la semana con Extreme.
Bloque 5: Soundtrack rockero con la banda sonora de The Commitments.
Bloque 6: Noticia con nuevo disco de Anthrax.
Bloque 7: Visita de Divine Heresy a Chile (lástima que canceló justo después de la grabación del programa).
Para que entiendan el nuevo formato. Abajo aparecerá un pequeño reproductor en formato flash (por lo que es necesario que tengan instalada, de preferencia, la más reciente versión de adobe flash, aunque es probable que ya la tengan dado que el formato es muy común dentro los sitios web). En ese reproductor ustedes verán la teclas Play, adelantar y retroceder y dos puntos blancos, uno que es el indicador de la reproducción en curso y otro que es para controlar el volumen.
Las teclas de adelantar y retroceder sirven para adelantar los bloques, no la reproducción en curso. De esta manera, si solo les interesa escuchar el segmento donde hablamos de los posibles vocalistas de Velvet Revolver, ahora pueden ir hasta esa sección sin la necesidad de pasar por los otros bloques. Después tan solo tienen que esperar a que se cargue la barra de reproducción, tal cual como los videos de Youtube.
Sin más palabras, los bloques de esta semana
Bloque 1: Día del rock nacional con Los Jaivas, Las Lilits y Weichafe.
Bloque 2: Candidatos para ser el nuevo vocalista de Velvet Revolver con Sebastian Bach, Spacehog y Lenny Kravitz.
Bloque 3: Banda chilena y nueva con Cazuela de Cóndor.
Bloque 4: Disco de la semana con Extreme.
Bloque 5: Soundtrack rockero con la banda sonora de The Commitments.
Bloque 6: Noticia con nuevo disco de Anthrax.
Bloque 7: Visita de Divine Heresy a Chile (lástima que canceló justo después de la grabación del programa).
11.8.08
Nombre chicano con acento country-rock
Manuel Catrilef CeaPartiendo por el hilarante nombre, The Flying Burrito Brothers es una banda que cuesta tomar en serio. A eso hay que agregar las fotos que se encuentran al buscar imágenes del grupo en internet, además del hecho que pertecen al género del country, bastante mirado en menos por este lado del mundo, y más aún el que está cercano al mundo religioso.
Pero extrayendo toda esa capa de prejuicios que es lógico tener ante un grupo con ese prontuario, la música de este conjunto es más que interesante, en especial en su placa The Gilded Palace Of Sin (1969). Aquí podemos encontrar que el lado country, que es llevado principalmente por la guitarra principal, es notablemente matizado con unos coros que recuerdan al periodio de la beatlemania de los Fab four. Melodías pegajosas hay al por mayor, lo que hace dificil no ponerse a tararear en algún momento. El sonido del bajo es poderoso, cubriendo de esa manera la tendencia al sonido agudo de la música de las haciendas estadounidenses.
Y el lado religioso que marcan las letras no es irritante ni apuntar a declarar pecadores a todo el mundo no-cristiano. No son las típicas plegarias del fanático religioso, sino que se trata de una visión aterrizada de como ve la sociedad de su alrededor un creyente. Hasta un ateo (como quien escribe este artículo) puede encontrar razón en algunas de esas palabras, mal que mal, la racionalidad no es un objeto exclusivo de la ciencia.
Debido a todo lo anterior, no es una pérdida de tiempo darle aunque sea una mirada a esta placa, para así darse cuenta que no toda la música country es tan ridícula como se cree. Punto aparte es meterse en la vida de uno de los miembros fundadores de este grupo, Gram Parsons, una suerte de Kurt Cobain del género. Tarea para la casa.
Descargue aquí
Escuchen LADO B, todos los miércoles a las 21 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días jueves a través de nuestro podcast, que se encuentra mediante un reproductor al costado derecho inferior del blog o en http://www.ladob.podomatic.com/
6.8.08
Esta semana en LADO B!
Continuando con la serie de especiales sobre los géneros fundacionales del rock, esta semana hablaremos un estilo que es bien poco conocido en Chile, pero que es pieza esencial en todo el armado que tuvo en sus inicios el rock 'n roll: el country.
Por eso veremos desfilar en el programa a gente como grupos como The Amazing Rhythm Aces, Son Volt, la leyenda del Bluegrass Bill Monroe, a los noveles Nickel Creek, Steve Earle y Gram Parsons.
El disco de la semana estará a cargo de The Flying Burrito Brothers (tremendo nombre) con su placa The Gilded Palace Of Sin.
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3.8.08
Snobs: devuélvannos a The Mars Volta
Manuel Catrilef CeaThe Mars Volta es de esas bandas que vuelven rápidamente a los críticos de música actuales en gruopies. En especial porque gran parte de quienes se dedican y viven del análisis de discos (cosa que no incluye a éste servidor desafortunadamente) se vuelven locos por cualquier cosa que suene rara y no acsequible para los oídos de quienes suelen nutrirse de la música mainstream o más tradicional. Es decir, si eres snob y melómano tienes el potencial de candidato para que te guste The Mars Volta (¿alguien dijo Super45 y demás blogs-revistas del estilo?).
Ante este nefasto e inevitable prejuicio hacia la banda liderada por Cedric Bixler-Zavala (vocalista) y Omar Rodríguez-López (guitarra) hay que hacer algunas aclaraciones. Que una porción no despreciable de fans de esta agrupación sean unos pelmazos (por lo menos en Chile) no significa que la música sea igual de detestable. En estos puertorriqueños mezclados con estadounidenses hay una innegable cuota de talento y creatividad.
Prueba clara de aquello es su primer disco De-Loused in the Comatorium (2003). Esquizofrenia pura, de guitarras fuertes se cambia bruscamente a melodías suaves, con punteos de guitarras psicodélicos dignos de David Gilmour, y una batería plagada de quiebres que poco tiene que envidiarle a Mike Portnoy de Dream Theater. Arreglos increíbles en el bajo y voces calculadas para darle un ambiente de insanidad desesperada a las canciones, que se matizan con la parte latina de los músicos, cada vez que pueden sacan ritmos centroamericanos de tambores o fraseos de guitarra cercanos a la salsa.
Toda esa mezcolanza suena en un caos guiado y armado a la medida de la historia que relata el disco: un suicida que descubre gracias a su sobredosis de morfina que es mejor estar en el mundo onírico del estado de coma que vivir su miserable realidad.
¿Difícil de digerir a la primera? Posiblemente ¿Olvidable con el pasar del tiempo? Para nada. La placa debut de The Mars Volta es casi una obligación para quien busca nuevas ideas en la música, pero sin dejarse caer en el "snobismo". Por hacer un paralelo, debido a su experimentación sonora como por la complejidad de técnica de sus canciones, son los Rush de la actualidad.
Descarga el disco aquí
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2.8.08
Ascenso y caída de una vez
Manuel Catrilef CeaDespués de su placa Smash (1994), The Offspring había decepcionado constantemente a los fans de su época realmente cercana al punk-hardcore melódico. En Ixnay On The Hombre (1997) ya asomaba cierto distanciamiento de sus sonidos más duros, y después con la trilogía olvidable de Americana (1998), Conspiracy of One (2000) y Splinter (2003) terminaron por demostrar que estaban más interesados en vender discos que en hacer buenas composiciones.
De ahí que muchos perdiéramos la fe en que el vocalista Dexter Holland y compañía nos volvieran a entregar un puñado de canciones aceleradas y melódicas como las de sus primeros tiempos. Y si bien Rise and Fall, Rage and Grace (2008) no es precisamente un vuelta total a ese sonido que definió el punk-rock de los 90', por lo menos es un intento por balancear la mejor época de The Offspring con su veta comercial.
Los primeros 6 temas tienen ese gancho de pulso rápido y sonido pegajoso que hace difícil no corear y marcar el ritmo de la batería. Buenos riffs y algunos intentos de solo de guitarra hacen de esas canciones lo mejor de la banda californiana en años.
Claro que después de esa buena primera parte volvemos a las canciones poperas tipo Hit That (Splinter) que si bien no son tan insoportables, hacen dudar por un segundo de quien era la banda que había tocado los temas anteriores. No es para vomitar esa segunda parte del disco, pero sí desencanta. Quizás lo único destacable es la power ballad Fix You, no tanto por su calidad o su letra, sino porque es un intento de hacer algo más novedoso dentro del lado pop que tiene The Offspring.
Denle una oportunidad a esos primeros seis temas, quizás en la próxima ocasión nos topemos con canciones de ese calibre solamente. Con el resto de los tracks... nos los culpamos si los envian a la papelera.
Descarga el disco aquí (lo debíamos de la semana pasada).
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1.8.08
Otra vez nos quedamos sin documental de Let It Be
Nightwatcher's House Of Rock/M.C.C.Paralelo a la grabación del disco Let It Be (1970) de The Beatles, Michael Lindsay-Hogg filmaba un documental sobre el proceso de creación del mismo, en el que ademas mostraba la convivencia que tenían los Fab-four en esos momentos. Finalmente todo ese material nunca se editó pues la banda no quería que el mundo los viera en su peor momento de relaciones personales, peleando constantemente o ignorándose unos a otros. De ahí que al poco tiempo terminaran separándose.
Ya sea por morbosidad o para comprender mejor cuáles fueron las razones que llevaron a la banda de Liverpool a disolverse, cualquier melómano gustaría de ver esas imágenes, en especial pues ya han pasado bastantes años y se supone que las heridas están cerradas, además del hecho que quedan solo dos Beatles de pie, Paul Mccartney y Ringo Starr. Pues bien, ahora que estaba todo listo para finalmente la cinta fuera editada, ambos personajes impidieron que esto sucediera ya que, según fuentes cercanas a ellos, afirman que "no creen necesario que el público vea el lado oscuro de la banda".
Claramente la imagen de The Beatles difícilmente se vea deteriorada por un documental que a lo más muestra el desgaste típico de cualquier relación personal. Por ejemplo se dice que entre las imágenes recolectadas se muestra a George Harrison criticando la forma de tocar la guitarra de Paul Macartney, además de un John Lennon absolutamente desinteresado de la grabación del disco y mucho más concentrado en su mujer Yoko Ono.
En fin, parece que habrá que esperar que todos estos músicos estén bajo tierra para conocer lo hay en esos rollos de cinta bien guardados.
Por mientras les dejamos el disco Let it Be... Naked (2003), esta versión que muestra las canciones de The Beatles como ellos las concibieron, sin todos los arreglos que el productor Phil Spector le metió a todas las canciones del disco original.
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29.7.08
Esta semana en LADO B!
El disco destacado de esta edición será el primer disco de The Mars Volta, De-Loused in the Comatorium.
También hablaremos de la polémica disición del gobierno ruso de prohibir la música emo y gótica.
Además tendremos noticias con AC/DC, Cream, Lamb of God, El Cruce, entre otros.
Nuestra enviada especial al recital de Muse, Alejandra Zúñiga, nos contará lo que pasó con ese concierto en Chile.
Y haremos una pequeña recopilación de los últimos lanzamientos de discos de este mes de julio.
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Además tendremos noticias con AC/DC, Cream, Lamb of God, El Cruce, entre otros.
Nuestra enviada especial al recital de Muse, Alejandra Zúñiga, nos contará lo que pasó con ese concierto en Chile.
Y haremos una pequeña recopilación de los últimos lanzamientos de discos de este mes de julio.
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24.7.08
No más Góticos y Emos en Rusia
Kerrang/M.C.C.En algún momento de la historia los conservadores persiguieron a los hippies, después a los punks, más tarde a los metaleros y le siguieron los hiphoperos. Todo ello porque consideraban que esos estilos atentaban contra los valores de la sociedad y que ponían en peligro a la juventud. Pero de esas persecuciones políticas (y ridículas) habían pasado casi 20 años, hasta el día de hoy, en que el gobierno ruso ha puesto sus ojos sobre la música Emo y Gótica.
Según el sitio web de la revista Kerrang, el pasado mes de junio el comité parlamentario de Rusia decidió dar el pase para discutir un proyecto de ley en el marco de su "Estrategia en la esfera de la educación espiritual y ética". Algunas de las medidas que estarían en la prerrogativa son regular sitios web de música Emo y Gótica, además de prohibir el ingreso a escuelas públicas de jóvenes que se vistan con ropa de dichos estilos.
De acuerdo a declaraciones del personero del gobierno ruso Igor Ponkin, el proyecto de ley surge porque la cultura Emo es "un peligro social y una amenaza para la estabilidad nacional". También aclaró que la idea surgió en reacción a los suicidios de jóvenes que pertenecían a esa tribu urbana, como el caso de la inglesa Hanna Bond. La chica se quitó la vida a los 13 años, y que según apareció en el periódico británico Daily Mail, se habría suicidado luego de "comenzar a escuchar a la banda estadounidense My Chemical Romance" además de empezar "a cortar sus muñecas como parte de una iniciación en la moda Emo".
Ante este escenario, el gobierno ruso espera que la ley se apruebe antes de fin de año.
Como nota personal, creo que atribuirle a una moda juvenil el poder de convencer a las personas de que se quiten la vida es darle demasiado crédito al poder ideológico que tiene la música hoy en día. Si los cánticos de la actualidad tuvieran esa capacidad, el mundo estaría lleno de revoluciones juveniles en las calles y las clases políticas que dominan, ya sea de izquierda o derecha, estarían bien enterradas bajo 3 metros en el suelo.
Por último, si en realidad la música pudiera lograr que un joven tome la drástica decisión de matarse, deja ver que la sociedad donde vivía ese chico es bantante mediocre como para no lograr que sus supuestos buenos valores sean escuchados y sí los de quién usa más maquillaje que nuestras madres.
En fin, para pasar el mal chiste del gobierno ruso, les dejamos a quienes gustan del Emo (que no será el mejor movimiento musical de la historia, pero por algo tienen que comenzar los más chicos a meterse en el mundo del rock) el último disco de My Chemical Romance, The Black Parede is Dead. Editado el 30 de Junio, es un álbum en vivo extraído del recital ofrecido el 7 de octubre de 2007 en Ciudad de México.
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23.7.08
Esta semana en Lado B!
En el programa de esta semana tendremos noticias de Crosby, Stills & Nash, Green River y un concurso de guitarras Dean.
Además, hablamos de la visita del vocalista de Bright Eyes a Chile, el sorprendente disco de Bauhaus, mucho más cargado al rock, además de un par de efemérides rockeras.
El disco de la semana es la nueva placa de The Offspring, Rise and Fall, Rage and Grace.
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21.7.08
Noticias varias
Antimusic/M.C.C.Metallica porno
Puede sonar algo exagerado el título, pero así han visto algunos las imágenes que recientemente mostró la banda estadounidense y que dicen relación con el arte de su próximo disco, Death Magnetic. Muchas personas ven un doble mensaje en las fotos publicadas el domingo en el sitio http://www.metallica.com/. Claramente queda al descriterio de cada uno qué cosa se imagina.
Cómo regalo, y hasta que se edite el nuevo álbum de Metallica, les dejamos los dos conciertos Unplugged que realizaron el año pasado en Mountain View.
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Smashing Pumpkins en Watchmen
Por allá, en 1997, la banda de Billy Corgan hizo una nueva versión del tema The Beginning is The End Of The Beginning renombrándola The End Is the Beginning Is the End, quedando mucho más rockera que la original. Todo aquello para ser parte del soundtrack de ese bodrio llamado Batman & Robin (nos sumamos al llamado a que vean The Dark Knight para olvidar los malos ratos que hicieron pasar antes con el hombre murciélago).
Bueno, resulta que ahora Smashing Pumpkins facilitó la versión original de The Beginning is The End Of The Beginning, pero en esta ocasión para la cinta basada en el comic Watchmen. Considerada la mejor novela gráfica de la historia, fue escrita por Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons en 1986, y será llevada al cine por el director Zack Snyder, el mismo que llevó a cabo la adaptación de 300.
Les dejamos el trailer de la película, que acompaña precisamente la canción de Smashing Pumpkins.
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20.7.08
Otro conteo polémico
VH1/M.C.C.Algunos medios tienen la costumbre de hacer rankings de cualquier cosa, y el canal de televisión pagada VH1 es de los más prolíficos al respecto. Desde los 100 mejores One Hit Wonder de la historia, hasta los 40 momentos menos metaleros han pasado por su pantalla. Es en esa senda que la señal hará un nuevo conteo, pero esta vez con las 100 mejores canciones de hard rock. La cadena propuso una lista con un centenar de temas y las personas tienen que dar su parecer sobre sus 10 canciones favoritas.
Claramente que los eligidos no dejarán conformes a todo el mundo, y al ver la lista de inmediato saltan a la cabeza algunas preguntas como ¿Desde cuándo que The White Stripes pertenece al rock duro? y si así fuese ¿Rush no debería estar diez mil veces más en esa categoría? Juzguen ustedes mismos al visitar el link de la votación:
http://www.vh1.com/shows/events/rock_honors/_2008/voting.jhtml
Cómo siempre, les dejamos un regalo, que en esta oportunidad es el último disco de Alice Cooper (que en este conteo aparece con el tema "School's Out") con su placa Along Came A Spider editada este mes.
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16.7.08
Un tributo a los metales
Manuel Catrilef Cea
Avenged Sevenfold es una prueba más de una vieja máxima del rock: el metal siempre se las ingenia para ser eternamente joven. Por sobre otros estilos, el público objetivo del género siempre estará entre quinceañeros vestidos de negro sedientos de los sonidos más extremos, y ellos mismos son los que se encargan de darle siempre la vuelta de tuerca para que la senda iniciada por Black Sabbath y Judas Priest no se quede en el pasado.
Los estadounidenses de A7X (como le gusta a los púberes admiradores de la banda abreviar el nombre) son un claro ejemplo de respeto y admiración de diversos subgéneros de la música dura. Por momentos toman prestado a Metallica o Anthrax riffs de thrash metal muy gancheros, para a continuación escuchar un par de guitarras gemelas que masificó Judas Priest, de improviso suena algo de hardcore a lo Bad Religion y cuando ya te estabas acostumbrando a ese ritmo viene un punteo de guitarra acompañado de una batería galopante al estilo del heavy metal con tintes épicos. Y si eso te pareció poco, también queda algo de espacio para uno que otro momento nü metal y progresivo. Además de la infaltables power ballads a lo Guns 'N Roses.
Lo descrito anteriomente puede sonar a una mezcla extraña y frenética, pero cuando se escucha City of Evil (2005) de Avenged Sevenfold no hay nada de eso. Todo suena coherente, cada estilo no le estorba al otro, como si fueran hermanos que se apoyan entre sí. Y todo con una improta joven, porque todo eso ya tiene 20 años de historia, pero aquí, ya sea por la producción o por la energía desplegada, huele a espíritu adolecente (¿donde habré escuchado esa frase?).
Descargue la penúltima placa de esta banda aquí
Y de paso, en Youtube encontramos el tremendo cover que le hicieron a Walk de Pantera en su recital del pasado 27 de mayo en Chile.
Y escuchen LADO B, todos los miércoles a las 21 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o a través de nuestro podcast, que se encuentra mediante un reproductor al costado derecho inferior del blog o en http://www.ladob.podomatic.com/.
Avenged Sevenfold es una prueba más de una vieja máxima del rock: el metal siempre se las ingenia para ser eternamente joven. Por sobre otros estilos, el público objetivo del género siempre estará entre quinceañeros vestidos de negro sedientos de los sonidos más extremos, y ellos mismos son los que se encargan de darle siempre la vuelta de tuerca para que la senda iniciada por Black Sabbath y Judas Priest no se quede en el pasado.
Los estadounidenses de A7X (como le gusta a los púberes admiradores de la banda abreviar el nombre) son un claro ejemplo de respeto y admiración de diversos subgéneros de la música dura. Por momentos toman prestado a Metallica o Anthrax riffs de thrash metal muy gancheros, para a continuación escuchar un par de guitarras gemelas que masificó Judas Priest, de improviso suena algo de hardcore a lo Bad Religion y cuando ya te estabas acostumbrando a ese ritmo viene un punteo de guitarra acompañado de una batería galopante al estilo del heavy metal con tintes épicos. Y si eso te pareció poco, también queda algo de espacio para uno que otro momento nü metal y progresivo. Además de la infaltables power ballads a lo Guns 'N Roses.
Lo descrito anteriomente puede sonar a una mezcla extraña y frenética, pero cuando se escucha City of Evil (2005) de Avenged Sevenfold no hay nada de eso. Todo suena coherente, cada estilo no le estorba al otro, como si fueran hermanos que se apoyan entre sí. Y todo con una improta joven, porque todo eso ya tiene 20 años de historia, pero aquí, ya sea por la producción o por la energía desplegada, huele a espíritu adolecente (¿donde habré escuchado esa frase?).
Descargue la penúltima placa de esta banda aquí
Y de paso, en Youtube encontramos el tremendo cover que le hicieron a Walk de Pantera en su recital del pasado 27 de mayo en Chile.
Y escuchen LADO B, todos los miércoles a las 21 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o a través de nuestro podcast, que se encuentra mediante un reproductor al costado derecho inferior del blog o en http://www.ladob.podomatic.com/.
En la próxima edición de LADO B
Para el próximo programa podrán escuchar noticias y música de Radiohead, Flamming Lips, El Cruce, Tenicious D, Joy Division, Bright Eyes, Ratt y Simphony X.Además en la sección soundtrack de la semana estará Quadrophenia, adaptación al cine del disco del mismo de nombre de The Who.
En banda freak/del recuerdo estarán los nacionales de Los Bandoleros.
Y cómo disco de la Semana la tremenda placa City of Evil de Avenged Sevenfold. Puedes descargarlo desde ya aquí.
Escuchen LADO B, todos los miércoles a las 21 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días jueves a través de nuestro podcast, que se encuentra mediante un reproductor al costado derecho inferior del blog o en http://www.ladob.podomatic.com/.
15.7.08
Radiohead y su última odisea tecnológica
Zancada/El País/A.Z.C.Lanzar un disco innovador como Ok Computer (1997), ser los primeros en difundir masivamente su álbum por internet (In Rainbows, 2007) parece no ser suficiente para los ingleses de Radiohead.
Porque su ya constante comunión entre música e internet parece continuar, y ahora eso ocurre de la mano de una tecnología que permite filmar sin necesidad de ver. Ya que el primer single de In Rainbows, House of Cards, cuenta ya con un video que fue grabado íntegramente por lásers y secuencias de datos. Se trata de una tecnología que permite capturar imágenes en 3D del mundo real sin emplear lentes. Un sistema de geometría informática que produce un haz de luz que registra imágenes tridimensionales si se proyecta a poca distancia del objeto.
Y, ¿cómo hicieron esto?, con scanneos tridimensionales capturados con dos tecnologías: Geometric Informatics y Velodyne LIDAR, la primera para captar imágenes cercanas, y la segunda para expandir múltiples lásers a 360º a través de paisajes y tomas a mayor distancia.
¿El resultado?, un video donde las imágenes presentadas juegan con cambios de formas, ángulos, ambientes y sensaciones volviendo a poner, le guste o no al consumidor de turno, a la banda a la punta de la experimentación.
Como ya lo hicieron antes con videos como Paranoid Android -donde las herramientas eran la animación-, No Surprises -con un Thom Yorke casi ahogado dentro de una fuente cerrada de agua- o Fade Out (Street Spirit) -con imágenes en cámara lenta frente a un escenario oscuro-, la agrupación vuelve a demostrar que lo suyo no va por seguir la tradición.
Porque su ya constante comunión entre música e internet parece continuar, y ahora eso ocurre de la mano de una tecnología que permite filmar sin necesidad de ver. Ya que el primer single de In Rainbows, House of Cards, cuenta ya con un video que fue grabado íntegramente por lásers y secuencias de datos. Se trata de una tecnología que permite capturar imágenes en 3D del mundo real sin emplear lentes. Un sistema de geometría informática que produce un haz de luz que registra imágenes tridimensionales si se proyecta a poca distancia del objeto.
Y, ¿cómo hicieron esto?, con scanneos tridimensionales capturados con dos tecnologías: Geometric Informatics y Velodyne LIDAR, la primera para captar imágenes cercanas, y la segunda para expandir múltiples lásers a 360º a través de paisajes y tomas a mayor distancia.
¿El resultado?, un video donde las imágenes presentadas juegan con cambios de formas, ángulos, ambientes y sensaciones volviendo a poner, le guste o no al consumidor de turno, a la banda a la punta de la experimentación.
Como ya lo hicieron antes con videos como Paranoid Android -donde las herramientas eran la animación-, No Surprises -con un Thom Yorke casi ahogado dentro de una fuente cerrada de agua- o Fade Out (Street Spirit) -con imágenes en cámara lenta frente a un escenario oscuro-, la agrupación vuelve a demostrar que lo suyo no va por seguir la tradición.
14.7.08
Carcass en el paraíso perdido
Antimusic/M.C.C.
Cuando las cosas se hacen de bajo perfil y sin generar expectativas exageradas suelen resultar bien. De esta manera se gestó la venida por partida doble de grandes exponentes de dos corrientes muy distintas del metal: Carcass y Paridise Lost harán un recital en conjunto el próximo 5 de noviembre en el Teatro Caupolicán. Las entradas se venderán a través del sistema ticketmaster.
Carcass, uno de las bandas claves en la gestación del Death Metal, volvió a la vida el año pasado presentándose en varios escenarios Europeos. El guitarrista y voz principal, Bill Steer, es el único que queda de la formación orignal, pues el legendario batero y principal Ken Owen no quizo formar parte de esta nueva etapa de la banda.
En tanto, Paradise Lost ha retomado la senda del rock más duro que abandonó hacia finales del '90 y principios de 2000, donde se alejó del doom metal para experimentar con sonidos más electrónicos, dejando de manifiesto la influencia de Depeche Mode. Su última placa editada el año pasado, In Requiem, trae de vuelta los riffs pesados que le hicieron ganar fama junto a otras agrupaciones del género como Anathema o My Dying Bride.
Cómo aperitivo para preparar este doble concierto que se dará en Chile, les dejamos la placa más trascendental que ha editado Carcass hasta la fecha, Heartwork.
13.7.08
Noticias varias
Blabbermouth/Billboard/M.C.C.
y aquí
Tal parece que Rob Halford, vocalista de Judas Priest, se metió demasiado en el personaje de Nostradamus, el profeta del siglo XVI en el cuál se basó el último disco de la banda editado este año, que además se lleva el nombre del mismo.
20 años debajo del pop
Ya empezó el festival de celebración de los 20 años de la casa discográfica independiente Sub Pop en el Marymoor Park de la ciudad de Seattle, Estados Unidos. Distintas bandas tocaron en honor al sello que les dio cabida mientras las multinacionlaes los ignoraban, tal como Mudhoney, Iron and Wine y The Vaselines. Estos últimos aprovecharon de tocar un par de canciones de Nirvana para conmemorar la ocasión.
Sub Pop se ganó una reconocida fama por ser quienes editaron los primeros discos de Nirvana y Soundgarden, bandas que más tarde serían catalogadas como fundadoras del movimiento grunge.
En honor a este sello, les dejamos la edición de lujo del primer álbum de Mudhoney, un cd doble que incluye el disco original remasterizado más algunos demos y dos conciertos de la agrupación.
y aquí
Y siguen los supergroups
En un intento por llegar a ser lo que fueron en los '80, Frankie Banali (ex batero Quiet Riot) y Jeff LaBar (guitarrista de Cinderella) entrarán a grabar un disco este 24 de julio para lo que será su nuevo proyecto: Freakshow. En él además está involucrado el vocalista y primera guitarra de la novel banda M!ss Crazy (así se escribe, créanme). Para más información sobre el nuevo grupo pueden ingresar al sitio My Space de la banda http://www.myspace.com/freakshowrox.
Como no hay nada editado del grupo aún, les dejamos el último disco que sacó Quiet Riot antes de la muerte de su vocalista Kevin DuBrow, Rehab del 2006.
Además de un video de la banda M!ss Crazy, para que tengan una idea de la voz con que nos toparemos en Freakshow.
Halford se cree Nostradamus
Tal parece que Rob Halford, vocalista de Judas Priest, se metió demasiado en el personaje de Nostradamus, el profeta del siglo XVI en el cuál se basó el último disco de la banda editado este año, que además se lleva el nombre del mismo.El calvo inglés aseguró a la revista Decibel que "'Nostradamus' será bien recibido. Lo veo interpretado por el Circo du Solei en Las Vegas. También veo algo de un Grammy por ahí". Con apenas 63 mil copias vendidas en Estados Unidos se ve complicado obtener ese premio tomando en cuenta que el jurado siempre se deja llevar por las ventas a la hora de escoger a los ganadores, más allá de la calidad del disco.
También las declaraciones de Halford pueden ser perfectamente una de las bromas que acostumbra a decir en sus entrevistas, pero quién sabe... por el momento les dejamos la última placa editada por Judas Priest y que motivó estas declaraciones, Nostradamus.
12.7.08
Weezer se viste de rojo
Por Alejandra Zúñiga Cárdenas
En épocas remotas hubo uno azul, en la mitad de los tiempos uno verde y en la actualidad es rojo. Tres álbumes ha sacado esta agrupación estadounidense bajo los poco -o quizás muy- originales títulos de Weezer, acompañado aquello con un color definido en el fondo de la portada y la imagen de sus integrantes posando con la vista al frente, lo que ha dado como resultado, con la salida el pasado mes de junio del último de ellos, de una trilogía no intencional de discos de colores.
Más allá del asunto estético que conlleva esta secuencia en la historia de la agrupación, lo cierto es que la banda liderada por Rivers Cuomo da vida a un disco que de principio a fin rinde tributos, se burla, disfruta y encanta. Porque si hay algo que esta banda -conocida para muchos como aquella que ha reivindicado el derecho a ser geek (o nerd)- sabe hacer, es construir álbumes donde la unión de elementos disonantes es un arte. Donde los coros más poperos se mezclan con riffs rockeros que la agrupación-en especial Cuomo- ha reconocido siempre como parte de su historia. Porque aunque sea difícil de creer, conjuntos como Metallica, Pixies o Kiss están en las inspiraciones que el conjunto posee y que les permite hacer placas tan distintas pero complementarias como el Blue Album (1994) con sus sonidos más cercanos al pop rock con mezcla de garage, o del Pinkerton (1996), donde las guitarras se toman las pistas para dar vida a uno de los discos más potentes de la agrupación, para seguir luego con el Green Album (2001) donde las revoluciones pasadas bajaron, creando un disco que pese al disgusto de algunos de sus fanáticos, dio vida a algunas de las baladas con más sentimientos de la última década.
Y así, podemos seguir con Maladroit (2002), quizás la menos redonda de sus placas pero donde las guitarras volvieron a tomar el control, para terminar el 2005 con Make Believe, un disco que nuevamente dividió a sus seguidores, con una mezcla de baladas que sin llegar a la brillantez de las compuestas en el Green Album, cumplían.
Después de esta camaleónica trayectoria, ¿qué esperar de un álbum como el lanzado este año? Nada más que una nueva vuelta de tuerca donde, por primera vez, el resto de los integrantes de la banda: Pat Wilson -batería-, Brian Bell -guitarra- y Scott Shriner -bajo- se toman los mircrófonos. Pero eso no es todo, porque el clásico formato de tres potentes y precisos minutos fue cambiado en más de una oportunidad por temas más largos y, la melancolía, la fiesta, el rock y las influencias metal se pasean en dosis precisas -aunque en muchos casos menos intensas- por un disco que recuerda que Wezeer, pese a respetar formatos, no beber en exceso (por lo menos en público), no usar chaquetas de cuero ni salir con modelos, es una banda que lleva el rock en las venas.
Escuchar atentamente el cover de The Weight, original de The Band. Bonus Track del disco, incluido en la versión aquí disponible
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Además les dejamos el notable video del single Pork and Beans, una especie de homenaje, sátira y declaración de principios nerd de la banda a la generación youtube.
Supergroup con altura de Zeppelin
Blabbermouth/M.C.C."Sé que es una declaración fuerte... Podemos competir con Led Zeppelin". Estas palabras salieron de la boca de Sammy Hagar (ex vocalista de Van Halen) cuando tuvo que describir qué se puede esperar del nuevo proyecto en que está embarcado. Junto a otro ex miembro de la banda ochentera, el bajista Michael Anthony, además del legendario guitarrista Joe Satriani y el batero de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, formaron Chickenfoot, un nuevo supergroup del siglo 21.
Según han dejado ver en varias declaraciones, los integrantes están seguros de la calidad de la banda. "Es demasiado rockero y esperamos entrar en los estudios para terminar a principios de septiembre y entonces salir a tocar", aseguró Smith a una radio estadounidense.
Como es lógico, la prensa especializada y los fans están espectantes a lo que será este nuevo conjunto, en especial después que los últimos supergroups que se formaron (Audioslave y Velvet Revolver) funcionaron solo a medias. Lo que sí está claro, por lo menos del lado del público, es que el nombre de la banda (Chickenfoot = pata de gallina) es pésimo: "¿CHICKENFOOT? El peor nombre de la historia"; "apuesto que sonará grandioso, pero ese nombre es realmente malo": "el nombre apesta, pero se te queda en la mente", son algunas de las impresiones que se pueden leer en los foros del sitio Blabbermouth.
Cómo sea, lo mejor es esperar y ver si las promesas de Hagar se quedan en eso o por fin volvemos a tener un grupo de rock 'n roll que esté a la altura de los grandes de la historia.
Por mientras, les dejamos un disco en vivo de Sammy Hagar, pues su trabajo como solista no es tan conocido como su labor en Van Halen.
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11.7.08
Todo el honor para The Who
Billboard/M.C.C.
La cadena VH1 rendirá homenaje a una de las primeras agrupaciones que se mereció la denominación de "banda de rock": The Who. Este jueves 12 de julio en Los Angeles se grabará el espectáculo en que se mostrará la historia del conjunto narrada por las caras más visibles (y que aún viven) de la banda, el guitarrista Pete Townshend y el vocalista Roger Daltrey. De la misma forma se presentarán en vivo Tenacious D, Pearl Jam, Foo Fighters, the Flaming Lips e Incubus, quienes tocarán sus propias versiones de algunos clásicos de la agrupación británica.
Según muchos músicos y expertos, The Who fue la banda que dio el paso final del blues a la inglesa, que dominaba en los años '60, hacia lo que es el rock propiamente tal. De ahí que para gente como Wayne Coyne, de Flamming Lips, la banda inglesa haya sido tan importante en sus vidas. "Por años me pregunté porqué no todas las bandas tocaban como The Who. Cuanto más supe de música, arte o intensidad, The Who siempre estuvo ahí. Ellos te decían tanto sobre el pensamiento de la clase trabajadora mezclado con una energía que trascendía", declaró el artista.
A no pocos amantes del punk les cuesta creer que ese género le debe mucho a Pete Townshend y compañía. Incluso en los años 80', cuando el género reinaba de la mano de The Clash, los intérpretes de "My Generation" tenían algo que decir al respecto, como cuenta Jeff Ament de Pearl Jam: "Fue en Seattle, recuerdo que después de haber visto a The Clash dije 'pagué 25 dólares y eso fue muy decepcionante'. Me fui atrás del arena, me apoyé contra una pared y The Who salió a continuación. Escuché la primera nota y fue como 'wow, la huea increíble'. En términos de lo que es la energía punk, ellos aún la tenían, y The Clash la estaba perdiendo".
Demás está decir que es imperdible esta ocasión. En Estados Unidos se transmitirá el próximo jueves 17 de julio a las 9 de la noche (hora del Este). En latinoamérica se espera que se emita en agosto/septiembre.
De regalo les dejamos un cover de una banda que lamentablemente no estará en esta cita, pero que se sientieron influidos por The Who... Iron Maiden con My Generartion. Descárguela aquí.
7.7.08
Oh Brasil, Brasilero!
Generalmente cuando me toca escribir para “El Disco de la Semana” trato de buscar algún trabajo del que pueda hablar con autoridad. Pero en esta ocasión no me fijé en compases, ni en estructuras musicales. Es que en el Bossa Nova importa bien poco eso en realidad, a pesar de que habría mucho “paño que cortar”.
La verdad es que para hablar del Bossa, y más específicamente de Antonio Carlos Jobim, hay que dejar en claro algo: los brasileños son muy inteligentes. La gente del “país más grande del mundo” tiene la capacidad única de apoderarse de todo lo que cruza por su tierra. El fútbol, las artes marciales, la magia y la música … todo tiene su identidad única y diferente.
En el caso del Bossa Nova, es el jazz quien sufre una inflexión al llegar a manos de los músicos cariocas. De una manera brillante, injertaron en el ADN de las melodías gringas, los olores y sabores de las playas de Copacabana.
Muchos podrían decir que es a causa de “una séptima mayor agregada a los acordes tradicionales” (léase con voz de crítico de música estirado y pedante), pero yo creo que la razón está en esas manos acostumbradas a moverse al son de la alegría y a esas voces cálidas producto de unas playas paradisíacas.
En el disco Stone Flower (1970), de Carlos Antonio Jobim, está una de las máximas pruebas de mi teoría. La canción “Brasil”, icono del Bossa Nova, aparece en dos versiones: una claramente cruda, probablemente grabada en una sola toma; y otra donde los arreglos y los instrumentos “ajenos” se hacen presentes.
La primera es increíble. Entre lo desprolijo de la grabación, la clara improvisación en la voz, y esa batería dividida entre samba, jazz y clave latina, se crea un híbrido de impresionante fuerza y sutileza. La segunda cuenta con una sección de vientos que, a pesar de hacerla sonoramente mejor, le quita el sudor y la brisa marina a la composición.
En general, este disco tiene ese decantar hipnótico que obliga a calmar el alma a lo largo de 10 canciones. El amor, la desesperanza y la fiesta se unen bajo los compases melancólicos de Jobim, que invitan cerrar los ojos y viajar. Si ustedes no saben nada de Bossa Nova, como yo, este es un gran trabajo para iniciarse en el estilo.
Acá les dejamos este link para que puedan descargar el disco: http://www.mediafire.com/?d2gmdgmxe2u
La verdad es que para hablar del Bossa, y más específicamente de Antonio Carlos Jobim, hay que dejar en claro algo: los brasileños son muy inteligentes. La gente del “país más grande del mundo” tiene la capacidad única de apoderarse de todo lo que cruza por su tierra. El fútbol, las artes marciales, la magia y la música … todo tiene su identidad única y diferente.
En el caso del Bossa Nova, es el jazz quien sufre una inflexión al llegar a manos de los músicos cariocas. De una manera brillante, injertaron en el ADN de las melodías gringas, los olores y sabores de las playas de Copacabana.
Muchos podrían decir que es a causa de “una séptima mayor agregada a los acordes tradicionales” (léase con voz de crítico de música estirado y pedante), pero yo creo que la razón está en esas manos acostumbradas a moverse al son de la alegría y a esas voces cálidas producto de unas playas paradisíacas.
En el disco Stone Flower (1970), de Carlos Antonio Jobim, está una de las máximas pruebas de mi teoría. La canción “Brasil”, icono del Bossa Nova, aparece en dos versiones: una claramente cruda, probablemente grabada en una sola toma; y otra donde los arreglos y los instrumentos “ajenos” se hacen presentes.
La primera es increíble. Entre lo desprolijo de la grabación, la clara improvisación en la voz, y esa batería dividida entre samba, jazz y clave latina, se crea un híbrido de impresionante fuerza y sutileza. La segunda cuenta con una sección de vientos que, a pesar de hacerla sonoramente mejor, le quita el sudor y la brisa marina a la composición.
En general, este disco tiene ese decantar hipnótico que obliga a calmar el alma a lo largo de 10 canciones. El amor, la desesperanza y la fiesta se unen bajo los compases melancólicos de Jobim, que invitan cerrar los ojos y viajar. Si ustedes no saben nada de Bossa Nova, como yo, este es un gran trabajo para iniciarse en el estilo.
Acá les dejamos este link para que puedan descargar el disco: http://www.mediafire.com/?d2gmdgmxe2u
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28.5.08
Programa de esta semana
Lamentablemente el programa de LADO B de esta semana no se pudo realizar puesto que las dependencias donde se graba (estudios radiales del Instituto de la Comunicación e Imagen de la Universidad de Chile) se encuentran tomadas por los alumnos, quienes están movilizados por varias demandas tanto internas como a nivel de país que tienen relación con la educación.Al equipo de LADO B lamenta no poder cumplir con el rito de todas las semanas, pero entendemos que que los chicos del ICEI tienen todo el derecho a tomar las medidas de presión que crean convenientes y no afecten la integridad física de las personas.
Esperamos que la otra semana vuelva todo a la normalidad.
Pero como el mundo de internet no se detiene, y como reclamaba alguien en este post, les dejaremos de todas formas para descarcar el disco de la semana de una las mejores bandas progresivas de la historia, King Crimson con su placa debut In the Court of the Crimson King
Descargue el disco aquí
Esp
Y escuchen los programas anteriores de LADO B en nuestro podcast
23.5.08
Todavía hay pulso
Por Manuel Catrilef CeaEs inevitable para los seres humanos que al pasar los años cueste más aumentar el ritmo, pues ello implica un gasto de energía que ya no se tiene en la abundancia de antaño. Pero es gratificante ver que algunos personajes le quieren torcer la mano al destino y demostrar que todavía queda gasolina para rockear otro rato.
Si bien las nuevas canciones R.E.M. en su disco Accelerate (2008) no son las rápidas de la historia ("No somos Metallica", dijo Micheal Stipe al respecto) si traen a la memoria la etapa más rockera de la banda. Incluso se podría decir que nunca se había escuchado guitarras tan distorsionadas y baterias tan rápidas en la historia de la que fuera una las bandas más representativas del rock alternativo de Estados Unidos a finales de los '80.
Claramente que meter más ruido y tocar a mayor velocidad no son cosas suficientes para hacer un buen disco. Las melodías de las canciones, sumado a lo anterior, es lo que hace que cada tema que hay en Accelerate produzca regocijo. Es casi imposible no marcar el ritmo con el pie al escuchar Living Well Is The Best Revenge o I'm Gonna DJ. Claramente hay espacio para temas más calmos como Until The Day Is Done y Houston, pero que se notan llenos de energía de igual manera. Una tremenda diferencia respecto a lo que escuchamos en Around The Sun (2004).
Ese toque de desasón y enojo (sin llegar a ser rabioso) que se puede apreciar en varios temas se los debemos a George W. Bush, quien si bien ha dejado la cagada en el mundo, por lo menos ha servido de inspiración para lograr cosas como esta placa de R.E.M. Gracias pequeño Bush por ese favor.
Bajen el disco acá
Escuchen Lado B en nuestro podcast http://www.ladob.podomatic.com/
De yapa les dejamos una entrevista en la que Michael Stipe habla sobre el disco
18.5.08
Aparente incoherencia
Por Manuel Catrilef Cea
Era casi obvio que si Steve Albini se decidía finalmente a hacer una banda iba a desafiar las típicas estructuras rock que abundan en el mainstream. A mediados de los '90 se atrevió a dar ese paso con Shellac, grupo en el cual logró demostrar que no era el típico productor (aunque en realidad le gusta que lo llamen por lo que es, un ingeniero en sonido) que se dedica a decirles a los demás cómo deben hacer su música, sino que también puede elaborar canciones a partir de sí mismo.
Aunque hay que ser justos, Shellac no es solo Albini (guitarra), tambien hacen lo suyo Todd Trainer (batería) Bob Weston (en el bajo, no confundir con el guitarrista de Fleatwood Mac). Este trío de músicos provenientes del mundo indie, en su último disco Excellent Italian Greyhound (2007) demuestran una vez más que no están para ser predecibles. Los quiebres inesperados abundan, letras indescifrables también. Aquí no encontraremos melodías de las cuales asirnos, hay que estar atento para lograr seguir los temas.
Ahora, hay que dejar en claro algo, que no hayan estructuras melódicas claras no significa que esto sea un caos, los temas de Shellac están lejos de ser puro ruido incoherente, pero no es cosa sencilla tragarlos. Lo que ayuda a digerirlos es que gracias al conocimiento de Albini detrás de las perillas, las canciones suenan increíbles, la batería es potente sin saturar, las líneas de bajo se escuchan claramente y la guitarra es estilo garage pero sin desprolijidad. Una prueba más que ser indie no es sinónimo de sonar pésimo.
Denle una oportunidad a Shellac, lo más seguro es que no les vaya a cambiar la vida, pero un mal rato no se llevaran.
Descarguen el disco aquí
Y recuerden escuchar el programa LADO B AQUÍ
14.5.08
La Piedra Angular
Por Patricio Salazar
Ya se ha recorrido mucho camino desde que, en 1903, W.C Handy descubriera el blues de la única forma que podía ser posible: tocado por un hombre triste sentado en medio de la noche en una estación de trenes al sur de los Estados Unidos.
Cuenta la leyenda que Handy esperaba el ferrocarril que lo llevaría desde Tutwiler a Memphis cuando el sonido de un cuchillo en contra de una guitarra lo liberó del silencio abrumador de la estación de trenes: “el cantante repitió la estrofa tres veces, acompañándose con la música más extraña que he oído nunca”, dijo el asombrado músico.
Desde ese momento el curso de la cultura popular del siglo XX sufriría un cambio radical. La expansión del “sonido del alma” colocaría poco a poco en primer lugar el legado de una raza que por 400 años había permanecido oculta en las plantaciones de algodón y la opresión. De pronto, los hijos de los terratenientes blancos se atrevían a cruzar la calle hacía los clubes de negros sólo para oír esta música, dejando en la vereda de al frente las rígidas costumbres decimonónicas.
Al otro lado del océano, los jóvenes ingleses comenzaban a aferrarse de los sufrientes sonidos del blues para alejarse de la hecatombe de la Segunda Guerra Mundial. Al parecer, los diez años del mayor conflicto bélico de la historia condensaron bastante bien la sensación de cuatro siglos de aberraciones en contra de los esclavos negros. Ingleses y afro americanos nunca se habían visto, pero la conexión espiritual estaba hecha.
Gente como The Rolling Stones y Eric Clapton vaciaron sus frustraciones y deseos de “algo más” a través de los típicos acordes del sur de los EUA. No hablaron de plantaciones, ni de esclavitud, pero si de juventud y revolución con la misma fuerza que en los 70 lo haría la generación Punk. Nada de aditivos y pirotecnia. Un par de notas y al grano. Así funcionaba el nuevo discurso. Tanto para negros como para punkies, la disconformidad venía en paquetes de tres acordes.
Cuenta la leyenda que Handy esperaba el ferrocarril que lo llevaría desde Tutwiler a Memphis cuando el sonido de un cuchillo en contra de una guitarra lo liberó del silencio abrumador de la estación de trenes: “el cantante repitió la estrofa tres veces, acompañándose con la música más extraña que he oído nunca”, dijo el asombrado músico.
Desde ese momento el curso de la cultura popular del siglo XX sufriría un cambio radical. La expansión del “sonido del alma” colocaría poco a poco en primer lugar el legado de una raza que por 400 años había permanecido oculta en las plantaciones de algodón y la opresión. De pronto, los hijos de los terratenientes blancos se atrevían a cruzar la calle hacía los clubes de negros sólo para oír esta música, dejando en la vereda de al frente las rígidas costumbres decimonónicas.
Al otro lado del océano, los jóvenes ingleses comenzaban a aferrarse de los sufrientes sonidos del blues para alejarse de la hecatombe de la Segunda Guerra Mundial. Al parecer, los diez años del mayor conflicto bélico de la historia condensaron bastante bien la sensación de cuatro siglos de aberraciones en contra de los esclavos negros. Ingleses y afro americanos nunca se habían visto, pero la conexión espiritual estaba hecha.
Gente como The Rolling Stones y Eric Clapton vaciaron sus frustraciones y deseos de “algo más” a través de los típicos acordes del sur de los EUA. No hablaron de plantaciones, ni de esclavitud, pero si de juventud y revolución con la misma fuerza que en los 70 lo haría la generación Punk. Nada de aditivos y pirotecnia. Un par de notas y al grano. Así funcionaba el nuevo discurso. Tanto para negros como para punkies, la disconformidad venía en paquetes de tres acordes.
Gracias a esto la expansión de las figuras del blues se hizo global. Gente como John Lee Hooker salió de las plantaciones y recorrió el mundo para mostrar su arte desenfadado. La figura del Bluesman se volvió icónica y el granuja, como pocas veces, era el centro de atención. No era necesario ser popular, aceptado, guapo, ni encajar en ninguno de los estereotipos de la época. Sólo había que actuar desde el corazón, aunque no siempre se estuviera en lo correcto.
Las primeras figuras del blues tenían todas las características de los antihéroes modernos. Ninguno de ellos figuraba como seres virtuosos y políticamente correctos. Son House y Leadbelly estuvieron presos por homicidio. Howlin Wolf acostumbraba entrar gateando al escenario gruñendo y ladrando al público, sólo para luego jactarse de sus aventuras impropias con el alcohol y mujeres casadas. Si escuchan detenidamente “Back Door Man” entenderán lo que digo (la puerta de atrás no necesariamente es la de la casa)
Y Robert Johnson. El mayor “bluesman” de la historia debió hacer un pacto con el diablo para poder grabar esas 29 canciones en donde quedó registrado su enorme talento. Finalmente moriría asesinado por un marido celoso. Nadie hace las cosas gratis, mucho menos Satanás.
Desde aquí nació todo lo que conocemos hoy. La actitud, los acordes, la protesta. El blues fue la pidra angular de la música popular del siglo pasado. Fue el punto de encuentro entre dos razas en conflicto. Así se forjó una actitud distinta a la del siglo XIX. La vida ya no era plana, ni teórica. Era cuerpo y alma. Era movimiento y tragedia. Era desencanto y amor. Era pueblo y multitud. Por fin se había instalado la inflexión necesaria para desarrollar un arte popular propio. Una forma de ser que uno años después sería y se sigue llamando simplemente “Rock”.
Las primeras figuras del blues tenían todas las características de los antihéroes modernos. Ninguno de ellos figuraba como seres virtuosos y políticamente correctos. Son House y Leadbelly estuvieron presos por homicidio. Howlin Wolf acostumbraba entrar gateando al escenario gruñendo y ladrando al público, sólo para luego jactarse de sus aventuras impropias con el alcohol y mujeres casadas. Si escuchan detenidamente “Back Door Man” entenderán lo que digo (la puerta de atrás no necesariamente es la de la casa)
Y Robert Johnson. El mayor “bluesman” de la historia debió hacer un pacto con el diablo para poder grabar esas 29 canciones en donde quedó registrado su enorme talento. Finalmente moriría asesinado por un marido celoso. Nadie hace las cosas gratis, mucho menos Satanás.
Desde aquí nació todo lo que conocemos hoy. La actitud, los acordes, la protesta. El blues fue la pidra angular de la música popular del siglo pasado. Fue el punto de encuentro entre dos razas en conflicto. Así se forjó una actitud distinta a la del siglo XIX. La vida ya no era plana, ni teórica. Era cuerpo y alma. Era movimiento y tragedia. Era desencanto y amor. Era pueblo y multitud. Por fin se había instalado la inflexión necesaria para desarrollar un arte popular propio. Una forma de ser que uno años después sería y se sigue llamando simplemente “Rock”.
En trubuto a este gran estilo de música, el disco de esta semana está a cargo de Buddy Guy, músico de generación eléctrica del Blues con su álbum “A Man and the Blues”. Guy es uno de los guitarristas fundamentales en el desarrollo del Rock And Roll. Sus potente fraseo y sus intensas líneas solistas definieron como nadie a artistas como Jimi Hendrix, quienes vieron en su estilo la forma de llevar un paso más allá una fórmula que ya a esa altura tenia 50 años.
Buddy Guy depuró su estilo con el maestro Muddy Waters y por hoy es uno de los últimos bluesman, de aquella época, que sigue actuando regularmente. Si quieres escucharlo sólo debes hacer clic acá: http://www.mediafire.com/?9zye9rxlddu
Y escuchen LADO B en nuestro podcast http://ladob.podomatic.com/
Buddy Guy depuró su estilo con el maestro Muddy Waters y por hoy es uno de los últimos bluesman, de aquella época, que sigue actuando regularmente. Si quieres escucharlo sólo debes hacer clic acá: http://www.mediafire.com/?9zye9rxlddu
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4.5.08
Un poco de talento, por favor
“Guitar Heroes”, así de simple. Adiós con el canon de los 90 que cohibía a quienes eran bendecidos por los Dioses de la Guitarra. En Finlandia, once destacados guitarristas se unieron y dieron nacimiento a un disco lleno velocidad y solos alucinantes, renovando las esperanzas a quienes aún vibramos con las proezas dactilares de nuestros ídolos.
25.4.08
Intensidad aderezada de sicodelia
Por Manuel Catrilef Cea
Definir a God is an Astronaut como un grupo post-rock es quedarse corto. Primero por lo antojadizo de la definción de ese género, y segundo porque son tantos los elementos del rock que se pueden reconocer en la banda que encasillarla es algo realmente innecesario.
El mejor ejemplo de aquello es la segunda placa de los irlandeses, All Is Violent, All Is Bright (2005). Un disco que abre con un largo silencio que se va esfumando con los sonidos de guitarras, teclados y batería rozados por el Trip hop, para dar paso a un rock calmado, que prepara lo oídos para lo que vendrá a continuación.
Cada canción que sigue después de Fragile es una suma se ciclos, tanto en la estructura de cada tema como por el hilo que a todas luces la banda le quiere dar al disco. Melodías que se repiten una y otra vez, que curiosamente no caen en la monotonía, se mezclan con el lado progresivo que tiene la banda, en el cual la complejidad no viene dada por las escalas musicales o la velocidad que toca la banda, sino por las capas de sonido que se van creando a medida que se incorporan más instrumentos.
Todo lo anterior se da en un ambiente de aparente sencillez inicial, que explota en una intensidad digna de la etapa más sicodélica del rock. Ello invita, en especial a los más alucinados, a dejarse llevar por el sonido. Si quien escucha el disco está dispuesto a seguir los caminos que se proponen en él, puede experimentar a ratos un viaje alucinógeno sin la necesidad de meterse alguna sustancia ilegal en el cuerpo.
Si se compraron todo este cuento, descarguen el disco aquí
Y escuchen LADO B en nuestro podcast http://ladob.podomatic.com
21.4.08
Energía Viva
Durante años los chilenos nos quejamos de los pocos conciertos internacionales que se realizaban en nuestro país. Bandas como The Cure o Nirvana simplemente pasaron de largo nuestro país al venir por este lado del continente. Otros como R.E.M. o Radiohead ni siquiera han considerado venir a Sudamérica.
Afortunadamente durante los últimos 3 años las cosas han cambiado radicalmente. Los artistas y las productoras por fin se pusieron de acuerdo y ya Chile es casi parada obligatoria. De esta forma hemos visto conciertos de U2, Roger Waters, Pearl Jam, Chris Cornell y varios otros históricos del rock que han deleitado a la gran masa criolla.
De la misma forma, los músicos más independiente tambien han llegado para satisfacer a esa pequeñas sectas de fanáticos que pululan en nuestro país. Calexico, Sick Of it All, Gorgoroth, por nombrar algunas, no llenaron estadios, pero que en pequeña escala demotraron su aporte a la música.
Este año, pese nuestra pequeña crisis económica, a Chile no le ha faltado rock y ya va una extensa lista de bandas y solistas que no deja de sorprender. Desde el metal de Iron Maiden y Dream Theater, pasando por el sonido alternativo de The Datsuns y Shellac, hasta leyendas que se niegan a dejar de meter ruido como Ozzy Osbourne, Peter Frampton, Deep Purple e inclusive Bob Dylan.
Porque no hay como un concierto para ver quien es de verdad en el mundo de la música, aquí les dejamos cuatro recitales que se efectuaron en nuestro país en lo que va del año. Disfrútenlo
Peter Frampton en Viña
Ozzy Osbourne en el Monster of Rock
Iron Maiden en la pista atlética
Y recuerden escuchar el programa en nuestro podcast http://ladob.podomatic.com
3.2.08
Y QUE? !!!!
Por Patricio Salazar
El rock and roll siempre ha tenido algo de "outsider". A quienes nos fascina, generalmente ha sido por la rebeldía de su actitud, lo punzante de sus letras y la transgresión que los cuerpos manifiestan al expresarse bajo los sones de una guitarra en llamas, una batería demoledora o una voz endemoniada. Es ese pedacito de nosotros que aún se niega a entrar al sistema y que recordamos de vez en cuando, cada vez que apretamos "play" en nuestros equipos.
Es por eso que nos cuenta tanto aceptar a ciertos personajes que parecieran torcer estos conceptos y usar al rock como un instrumento para conseguir fama, y no que ésta sea consecuencia del arte propio. Actitudes de divo, papás zorrones caminando por las calles rodeados de chicas, adolescentes de 30 años sin nada más que decir que "Fuck You", "Bitch" o "Shit". Así se mató al Hip Hop en los 90 ( menos Rage Against The Machine, claro está) y el Rock pasa por esta crisis periódicamente.
¿Pero qué pasa cuando estamos concientes de todo lo anterior y aún así nos gusta un artista?. Estamos frente a lo que se denomina un "Placer Culpable". Son esos grupos o canciones que vacilamos en nuestras piezas, pero que negamos de forma rotunda frente a nuestro círculo más cercano. Esos acordes que sólo nosotros nos sabemos en guitarra, pero que jamás presumiremos ante nadie. Es ese silencio cómplice, mientras el resto despedaza esa tonada de 3 minutos que a nosotros nos despierta todas las mañanas.
En mi caso, Limp Bizkit provoca esas reacciones. Cuando tuve el disco "Significant Other" de 1999, pensé que estaba frente a una banda interesante. Objetivamente los músicos eran de un potencial tremendo. El bajista Sam Rivers era uno de los instrumentistas más cotizados de la generación Nu Metal, ganando variados premios en ese año. John Otto tenía un nervio en sus brazos que yo no escuchaba hacía tiempo y Wes Borland, el guitarrista de los ojos locos, aplicaba interesantes progresiones jazzisticas, tapping a dos manos y montones de riff "a la Pantera" al coctél rapero que le ofrecían sus colegas.
Para que hablar de Dj Lethal, si sólo basta con decir que la canción "Jump Around" es de su autoría, un grande por donde se le mire.
Sin embargo, el "gran pero" recaía en su vocalista. Sin entender mucho inglés, las melodías agresivas de "Break Stuff", de "Nookie" me resultaron atractivas. De ahí mi gran impacto al ver a un tipo lleno de tatuajes, vestido como rapero, con una gorra roja vueltas hacia atrás (moda que para "El Chino" Rios era cool... como 6 años antes eso si), que caminaba rimando con una parka inmensa en pleno verano Neoyorkino, seguido por un monton de mujeres, sin razón aparente.
Algo estaba mal. Jamás había visto una canción rockera con coreografía, como en el caso de Nookie. Yo pensaba que ese honor estaba reservado para obras como "La Macarena" o la onda Axé que la rompía por ese entonces. Yo sabía que debía alejarme de esta banda, pero no podía. Obviando la idiotez de Fred Durst, aún disfrutaba el muro de distorsión que el disco me ofrecía, y decidí aceptarlo a pesar de dilema moral que esto me presentaba.
Claramente no presumí mi decisión ante nadie. Para el populus mi gustos seguían por el camino de Led Zeppelin, Sabbath, Deep Purple, etc. Todos esos grandes pilares que me validaban como un auténtico rocker y que me permitían apaciguar la culpa que me carcomía. En mi casa no sonaba "Black Dog". De los parlantes salían las rimas pálidas de Durst, que usaban palabras como "Cookie" en un tono de agresividad inpensado para el concepto al que se apelaba. Dentro de mis cuatro paredes me daba lo mismo. Afuera, el cinísmo era mi ley.
Mi tortura duró apenas un año. Con la salida del disco "Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water", volví en razón. Era tan malo que tuve excusa para alejarme de Limp Bizkit. Además Borland había dejado la banda tras este trabajo. En mi distancia admití mi pecado frente a mis pares y pagué mis culpas. Ahora lo recuerdo entre risas... Aunque ese disco aún sigue en la estantería de mi pieza, esperando alguna recaída.
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