Todavía hay pulso

Por Manuel Catrilef Cea

Es inevitable para los seres humanos que al pasar los años cueste más aumentar el ritmo, pues ello implica un gasto de energía que ya no se tiene en la abundancia de antaño. Pero es gratificante ver que algunos personajes le quieren torcer la mano al destino y demostrar que todavía queda gasolina para rockear otro rato.

Si bien las nuevas canciones R.E.M. en su disco Accelerate (2008) no son las rápidas de la historia ("No somos Metallica", dijo Micheal Stipe al respecto) si traen a la memoria la etapa más rockera de la banda. Incluso se podría decir que nunca se había escuchado guitarras tan distorsionadas y baterias tan rápidas en la historia de la que fuera una las bandas más representativas del rock alternativo de Estados Unidos a finales de los '80.

Claramente que meter más ruido y tocar a mayor velocidad no son cosas suficientes para hacer un buen disco. Las melodías de las canciones, sumado a lo anterior, es lo que hace que cada tema que hay en Accelerate produzca regocijo. Es casi imposible no marcar el ritmo con el pie al escuchar Living Well Is The Best Revenge o I'm Gonna DJ. Claramente hay espacio para temas más calmos como Until The Day Is Done y Houston, pero que se notan llenos de energía de igual manera. Una tremenda diferencia respecto a lo que escuchamos en Around The Sun (2004).

Ese toque de desasón y enojo (sin llegar a ser rabioso) que se puede apreciar en varios temas se los debemos a George W. Bush, quien si bien ha dejado la cagada en el mundo, por lo menos ha servido de inspiración para lograr cosas como esta placa de R.E.M. Gracias pequeño Bush por ese favor.

Bajen el disco acá

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De yapa les dejamos una entrevista en la que Michael Stipe habla sobre el disco

Aparente incoherencia

Por Manuel Catrilef Cea

Era casi obvio que si Steve Albini se decidía finalmente a hacer una banda iba a desafiar las típicas estructuras rock que abundan en el mainstream. A mediados de los '90 se atrevió a dar ese paso con Shellac, grupo en el cual logró demostrar que no era el típico productor (aunque en realidad le gusta que lo llamen por lo que es, un ingeniero en sonido) que se dedica a decirles a los demás cómo deben hacer su música, sino que también puede elaborar canciones a partir de sí mismo.

Aunque hay que ser justos, Shellac no es solo Albini (guitarra), tambien hacen lo suyo Todd Trainer (batería) Bob Weston (en el bajo, no confundir con el guitarrista de Fleatwood Mac). Este trío de músicos provenientes del mundo indie, en su último disco Excellent Italian Greyhound (2007) demuestran una vez más que no están para ser predecibles. Los quiebres inesperados abundan, letras indescifrables también. Aquí no encontraremos melodías de las cuales asirnos, hay que estar atento para lograr seguir los temas.

Ahora, hay que dejar en claro algo, que no hayan estructuras melódicas claras no significa que esto sea un caos, los temas de Shellac están lejos de ser puro ruido incoherente, pero no es cosa sencilla tragarlos. Lo que ayuda a digerirlos es que gracias al conocimiento de Albini detrás de las perillas, las canciones suenan increíbles, la batería es potente sin saturar, las líneas de bajo se escuchan claramente y la guitarra es estilo garage pero sin desprolijidad. Una prueba más que ser indie no es sinónimo de sonar pésimo.

Denle una oportunidad a Shellac, lo más seguro es que no les vaya a cambiar la vida, pero un mal rato no se llevaran.

Descarguen el disco aquí

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La Piedra Angular

Por Patricio Salazar

Ya se ha recorrido mucho camino desde que, en 1903, W.C Handy descubriera el blues de la única forma que podía ser posible: tocado por un hombre triste sentado en medio de la noche en una estación de trenes al sur de los Estados Unidos.

Cuenta la leyenda que Handy esperaba el ferrocarril que lo llevaría desde Tutwiler a Memphis cuando el sonido de un cuchillo en contra de una guitarra lo liberó del silencio abrumador de la estación de trenes: “el cantante repitió la estrofa tres veces, acompañándose con la música más extraña que he oído nunca”, dijo el asombrado músico.

Desde ese momento el curso de la cultura popular del siglo XX sufriría un cambio radical. La expansión del “sonido del alma” colocaría poco a poco en primer lugar el legado de una raza que por 400 años había permanecido oculta en las plantaciones de algodón y la opresión. De pronto, los hijos de los terratenientes blancos se atrevían a cruzar la calle hacía los clubes de negros sólo para oír esta música, dejando en la vereda de al frente las rígidas costumbres decimonónicas.

Al otro lado del océano, los jóvenes ingleses comenzaban a aferrarse de los sufrientes sonidos del blues para alejarse de la hecatombe de la Segunda Guerra Mundial. Al parecer, los diez años del mayor conflicto bélico de la historia condensaron bastante bien la sensación de cuatro siglos de aberraciones en contra de los esclavos negros. Ingleses y afro americanos nunca se habían visto, pero la conexión espiritual estaba hecha.

Gente como The Rolling Stones y Eric Clapton vaciaron sus frustraciones y deseos de “algo más” a través de los típicos acordes del sur de los EUA. No hablaron de plantaciones, ni de esclavitud, pero si de juventud y revolución con la misma fuerza que en los 70 lo haría la generación Punk. Nada de aditivos y pirotecnia. Un par de notas y al grano. Así funcionaba el nuevo discurso. Tanto para negros como para punkies, la disconformidad venía en paquetes de tres acordes.

Gracias a esto la expansión de las figuras del blues se hizo global. Gente como John Lee Hooker salió de las plantaciones y recorrió el mundo para mostrar su arte desenfadado. La figura del Bluesman se volvió icónica y el granuja, como pocas veces, era el centro de atención. No era necesario ser popular, aceptado, guapo, ni encajar en ninguno de los estereotipos de la época. Sólo había que actuar desde el corazón, aunque no siempre se estuviera en lo correcto.

Las primeras figuras del blues tenían todas las características de los antihéroes modernos. Ninguno de ellos figuraba como seres virtuosos y políticamente correctos. Son House y Leadbelly estuvieron presos por homicidio. Howlin Wolf acostumbraba entrar gateando al escenario gruñendo y ladrando al público, sólo para luego jactarse de sus aventuras impropias con el alcohol y mujeres casadas. Si escuchan detenidamente “Back Door Man” entenderán lo que digo (la puerta de atrás no necesariamente es la de la casa)

Y Robert Johnson. El mayor “bluesman” de la historia debió hacer un pacto con el diablo para poder grabar esas 29 canciones en donde quedó registrado su enorme talento. Finalmente moriría asesinado por un marido celoso. Nadie hace las cosas gratis, mucho menos Satanás.

Desde aquí nació todo lo que conocemos hoy. La actitud, los acordes, la protesta. El blues fue la pidra angular de la música popular del siglo pasado. Fue el punto de encuentro entre dos razas en conflicto. Así se forjó una actitud distinta a la del siglo XIX. La vida ya no era plana, ni teórica. Era cuerpo y alma. Era movimiento y tragedia. Era desencanto y amor. Era pueblo y multitud. Por fin se había instalado la inflexión necesaria para desarrollar un arte popular propio. Una forma de ser que uno años después sería y se sigue llamando simplemente “Rock”.

En trubuto a este gran estilo de música, el disco de esta semana está a cargo de Buddy Guy, músico de generación eléctrica del Blues con su álbum “A Man and the Blues”. Guy es uno de los guitarristas fundamentales en el desarrollo del Rock And Roll. Sus potente fraseo y sus intensas líneas solistas definieron como nadie a artistas como Jimi Hendrix, quienes vieron en su estilo la forma de llevar un paso más allá una fórmula que ya a esa altura tenia 50 años.

Buddy Guy depuró su estilo con el maestro Muddy Waters y por hoy es uno de los últimos bluesman, de aquella época, que sigue actuando regularmente. Si quieres escucharlo sólo debes hacer clic acá: http://www.mediafire.com/?9zye9rxlddu

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Un poco de talento, por favor

“Guitar Heroes”, así de simple. Adiós con el canon de los 90 que cohibía a quienes eran bendecidos por los Dioses de la Guitarra. En Finlandia, once destacados guitarristas se unieron y dieron nacimiento a un disco lleno velocidad y solos alucinantes, renovando las esperanzas a quienes aún vibramos con las proezas dactilares de nuestros ídolos.

Es reconfortante saber que aún hay lugares donde esa auto impuesta premisa de “menos es más” ya no sigue produciendo sosas canciones circulares. En “Guitar Heroes” se puede sentir la pasión del músico por su instrumento. El esfuerzo en la interpretación, el sudor de las horas invertidas, el hambre por los conocimientos musicales.

Nunca entendí a esos guitarristas que decían “es que no tienen sentimiento”, o esa estupidez de “yo toco para la canción, no para lucirme en un solo”. El bueno de Zakk Wylde decía “quienes hablan así, lo hacen porque simplemente no son capaces de hacerlos”. Y está bien, nadie podría decir que Kurt Cobain era un mal guitarrista porque en sus canciones no había grandes líneas de guitarra, pero eso de denostar al resto que podía “solear” era francamente una tontera.

Además, un músico sobre el escenario debe ser totalmente distinto al resto de los mortales. Para ello debe tener alguna cualidad extraordinaria que lo eleve de la multitud y enseñarla para que el mundo la disfrute. ¿O a caso alguien se oponía cuando Hendrix tocaba con los dientes, o cuando Jerry Lee Lewis colocaba sus pies sobre su piano en una demostración exultante de su maestría sobre su instrumento? La verdad yo soy de los que siguen la línea que inauguró Paganini muchísimos años atrás.

Ya hablando del disco en si, podemos encontrar muchos riff con influencias de Dream Theater, y avances de corte progresivo en las canciones. Si bien los guitarristas son todos europeos, la gran mayoría de los temas presentan un heavy “americano”, lejos de todas las tonadas épicas en las que nos hacen pensar las bandas del norte de Europa.

El trabajo solista de los guitarristas es impecable. Se pasean por temas poderosísimos como 12 Donkeys, llegando a un tema acústico de corte flamenco ( de ese que tanto le gusta a los guitarristas virtuosos) como Ulterior Motives, además de hacer algunas humoradas como Hellbilly, que es una parodia metal a los sonidos del sur de los Estados Unidos.

Ojalá disfruten “Guitar Heores”. Para descargar el disco, que está dividido en dos partes, de la semana sólo hagan clic en estos links:

http://www.mediafire.com/?cz3z5blcmdv

http://www.mediafire.com/?mwlefg20zfm

Intensidad aderezada de sicodelia

Por Manuel Catrilef Cea

Definir a God is an Astronaut como un grupo post-rock es quedarse corto. Primero por lo antojadizo de la definción de ese género, y segundo porque son tantos los elementos del rock que se pueden reconocer en la banda que encasillarla es algo realmente innecesario.

El mejor ejemplo de aquello es la segunda placa de los irlandeses, All Is Violent, All Is Bright (2005). Un disco que abre con un largo silencio que se va esfumando con los sonidos de guitarras, teclados y batería rozados por el Trip hop, para dar paso a un rock calmado, que prepara lo oídos para lo que vendrá a continuación.

Cada canción que sigue después de Fragile es una suma se ciclos, tanto en la estructura de cada tema como por el hilo que a todas luces la banda le quiere dar al disco. Melodías que se repiten una y otra vez, que curiosamente no caen en la monotonía, se mezclan con el lado progresivo que tiene la banda, en el cual la complejidad no viene dada por las escalas musicales o la velocidad que toca la banda, sino por las capas de sonido que se van creando a medida que se incorporan más instrumentos.

Todo lo anterior se da en un ambiente de aparente sencillez inicial, que explota en una intensidad digna de la etapa más sicodélica del rock. Ello invita, en especial a los más alucinados, a dejarse llevar por el sonido. Si quien escucha el disco está dispuesto a seguir los caminos que se proponen en él, puede experimentar a ratos un viaje alucinógeno sin la necesidad de meterse alguna sustancia ilegal en el cuerpo.

Si se compraron todo este cuento, descarguen el disco aquí

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Energía Viva

Durante años los chilenos nos quejamos de los pocos conciertos internacionales que se realizaban en nuestro país. Bandas como The Cure o Nirvana simplemente pasaron de largo nuestro país al venir por este lado del continente. Otros como R.E.M. o Radiohead ni siquiera han considerado venir a Sudamérica.

Afortunadamente durante los últimos 3 años las cosas han cambiado radicalmente. Los artistas y las productoras por fin se pusieron de acuerdo y ya Chile es casi parada obligatoria. De esta forma hemos visto conciertos de U2, Roger Waters, Pearl Jam, Chris Cornell y varios otros históricos del rock que han deleitado a la gran masa criolla.

De la misma forma, los músicos más independiente tambien han llegado para satisfacer a esa pequeñas sectas de fanáticos que pululan en nuestro país. Calexico, Sick Of it All, Gorgoroth, por nombrar algunas, no llenaron estadios, pero que en pequeña escala demotraron su aporte a la música.

Este año, pese nuestra pequeña crisis económica, a Chile no le ha faltado rock y ya va una extensa lista de bandas y solistas que no deja de sorprender. Desde el metal de Iron Maiden y Dream Theater, pasando por el sonido alternativo de The Datsuns y Shellac, hasta leyendas que se niegan a dejar de meter ruido como Ozzy Osbourne, Peter Frampton, Deep Purple e inclusive Bob Dylan.

Porque no hay como un concierto para ver quien es de verdad en el mundo de la música, aquí les dejamos cuatro recitales que se efectuaron en nuestro país en lo que va del año. Disfrútenlo

Peter Frampton en Viña

Ozzy Osbourne en el Monster of Rock

Iron Maiden en la pista atlética

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Y QUE? !!!!

Por Patricio Salazar

El rock and roll siempre ha tenido algo de "outsider". A quienes nos fascina, generalmente ha sido por la rebeldía de su actitud, lo punzante de sus letras y la transgresión que los cuerpos manifiestan al expresarse bajo los sones de una guitarra en llamas, una batería demoledora o una voz endemoniada. Es ese pedacito de nosotros que aún se niega a entrar al sistema y que recordamos de vez en cuando, cada vez que apretamos "play" en nuestros equipos.

Es por eso que nos cuenta tanto aceptar a ciertos personajes que parecieran torcer estos conceptos y usar al rock como un instrumento para conseguir fama, y no que ésta sea consecuencia del arte propio. Actitudes de divo, papás zorrones caminando por las calles rodeados de chicas, adolescentes de 30 años sin nada más que decir que "Fuck You", "Bitch" o "Shit". Así se mató al Hip Hop en los 90 ( menos Rage Against The Machine, claro está) y el Rock pasa por esta crisis periódicamente.

¿Pero qué pasa cuando estamos concientes de todo lo anterior y aún así nos gusta un artista?. Estamos frente a lo que se denomina un "Placer Culpable". Son esos grupos o canciones que vacilamos en nuestras piezas, pero que negamos de forma rotunda frente a nuestro círculo más cercano. Esos acordes que sólo nosotros nos sabemos en guitarra, pero que jamás presumiremos ante nadie. Es ese silencio cómplice, mientras el resto despedaza esa tonada de 3 minutos que a nosotros nos despierta todas las mañanas.

En mi caso, Limp Bizkit provoca esas reacciones. Cuando tuve el disco "Significant Other" de 1999, pensé que estaba frente a una banda interesante. Objetivamente los músicos eran de un potencial tremendo. El bajista Sam Rivers era uno de los instrumentistas más cotizados de la generación Nu Metal, ganando variados premios en ese año. John Otto tenía un nervio en sus brazos que yo no escuchaba hacía tiempo y Wes Borland, el guitarrista de los ojos locos, aplicaba interesantes progresiones jazzisticas, tapping a dos manos y montones de riff "a la Pantera" al coctél rapero que le ofrecían sus colegas.

Para que hablar de Dj Lethal, si sólo basta con decir que la canción "Jump Around" es de su autoría, un grande por donde se le mire.

Sin embargo, el "gran pero" recaía en su vocalista. Sin entender mucho inglés, las melodías agresivas de "Break Stuff", de "Nookie" me resultaron atractivas. De ahí mi gran impacto al ver a un tipo lleno de tatuajes, vestido como rapero, con una gorra roja vueltas hacia atrás (moda que para "El Chino" Rios era cool... como 6 años antes eso si), que caminaba rimando con una parka inmensa en pleno verano Neoyorkino, seguido por un monton de mujeres, sin razón aparente.

Algo estaba mal. Jamás había visto una canción rockera con coreografía, como en el caso de Nookie. Yo pensaba que ese honor estaba reservado para obras como "La Macarena" o la onda Axé que la rompía por ese entonces. Yo sabía que debía alejarme de esta banda, pero no podía. Obviando la idiotez de Fred Durst, aún disfrutaba el muro de distorsión que el disco me ofrecía, y decidí aceptarlo a pesar de dilema moral que esto me presentaba.

Claramente no presumí mi decisión ante nadie. Para el populus mi gustos seguían por el camino de Led Zeppelin, Sabbath, Deep Purple, etc. Todos esos grandes pilares que me validaban como un auténtico rocker y que me permitían apaciguar la culpa que me carcomía. En mi casa no sonaba "Black Dog". De los parlantes salían las rimas pálidas de Durst, que usaban palabras como "Cookie" en un tono de agresividad inpensado para el concepto al que se apelaba. Dentro de mis cuatro paredes me daba lo mismo. Afuera, el cinísmo era mi ley.

Mi tortura duró apenas un año. Con la salida del disco "Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water", volví en razón. Era tan malo que tuve excusa para alejarme de Limp Bizkit. Además Borland había dejado la banda tras este trabajo. En mi distancia admití mi pecado frente a mis pares y pagué mis culpas. Ahora lo recuerdo entre risas... Aunque ese disco aún sigue en la estantería de mi pieza, esperando alguna recaída.

Chascas de metal

Y bueno queridos auditores!

Se acaban los especiales veraniegos de Lado B! y que mejor que finalizar a todo tarro, con un programa dedicado completamente a Metal.

Además, terminamos con una joyita conseguida por Manuel y que es nuestro disco de la semana. Se trata de "Romance" del grupo chileno Dorso, un disco que a pesar del nombre, hace bastante ruido.

Nos excusamos por la lentitud para sacar las reseñas, pero los miembros de Lado B! se encuentran realizando diversas labores y además, se encuentran craneando lo que será la temporada 2008 del programa.

Así que no se pierdan Lado B! 2008 que vendrá con todo!!!!

Saludos

Descarga Aquí el disco de la semana

Culposos placeres...

Un nuevo especial llegó a la LadoB! versión estival 2008, sobre placeres culpables. Mientras Pato piensa con detenimiento cómo revelarles sus secretos placeres culpables en la música, los dejamos con "Significant Other" de Limp Bizkit, declarado culposo disco de la semana.

Pueden bajarlo desde aquí

Saludos!

Sigan con nosotros en este caluroso verano! Ya saben donde encontrarnos.

Rock azucarado

Debajo de la rudeza y aparente frialdad del estereotipo rockero, se esconde claramente una pasión disfrazada con chaquetas de cuero negro, pantalones rasgados o una larga cabellera desordenada. Es que nadie puede negar que para disfrutar y sentir la música, hay que tener corazón, y uno que aguante los mejores decibeles.

Es así como dentro del rock no pueden faltar las baladas, y no se queden con las típicas canciones melosas del glam metal, tipo Bon Jovi o Poison. No, el amor, romance, declaraciones, dedicatorias, u otros temas en formato balada, los hay para todos los gustos y hay de todas las formas.

Un ejemplo no convencional es el primer álbum de la banda estadounidense Black Rebel Motorcycle Club, el cual, si bien no se trata de un declarado disco de baladas, al escucharlo, la mayoría de sus temas transmiten un tono desgarrado y más desolado, taciturno si se quiere, de este formato de canción. Son pistas que evocan más la ruptura amorosa que una declaración con flores y chocolates. Si está despechado o despechada, dedíquele más de alguna canción de este disco a el o la causante de ese estado.

En un nuevo especial de verano de LadoB! les dejamos el primer álbum, homónimo, de BRMC.
Sigan escuchándonos en este apectoso y caluroso verano

Ahí se ven!

Descargar acá

Chile sincopado

Porque lo prometido es deuda, aquí les dejamos el que fue disco de la semana en el especial veraniego de Jazz Chileno, de LadoB!

Se trata de Nahuel Jazz Quartet e invitados, del cuarteto del mismo nombre, una joyita dentro del jazz chilensis, formada en 1960.

Disfrútenlo y sigan escuchando nuestros especiales veraniegos en nuestro Podcast.

Descargue Nahuel Jazz Quartet e invitados, aquí.
Saludos!

Con la sangre hirviendo

Mientras se redacta el artículo de esta semana, aquí tienen el link para descargar el gran disco de Funkadelic, One Nation Under a Groove

Descargar aquí

and the winner is.....

Gustos, estilos, modas. Las diferencias entre tú y la persona que tengas al lado son amplias, incluyendo las preferencias musicales. Es más, para todo fanático discutir o acordar con alguien sobre qué disco es mejor que otro, puede ser un placer ñoño pero reconfortante. Y por eso, los responsables de Lado B! quisimos comenzar con esa ególatra discusión eligiendo EL mejor disco del año.

Las decisión no fue fácil y aunque hubo finalmente un ganador, son igualmente importantes los siete discos que compitieron por llevarse las preferencias finales de los responsables de este programa.

Radiohead - In Rainbows. No podía faltar. Te haya gustado o no el sonido con que atacó Thom Yorke y compañía este 2007, el revuelo mundial que causó la decisión de esta banda de irse en contra de las compañías disqueras al permitir descargar su disco en forma gratuita desde el sitio web, fue uno de los últimos hitos musicales. Para algunos sólo respetable, para otros lo mejor del año.

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Robert Plant & Alison Krauss - Raising Sand. La vuelta de Plant se dio de manera doble. Por un lado la reunión de su mítica banda Led Zeppelin y por otro, la edición de esta placa en colaboración con Alison Krauss. Una mezcla que tuvo como resultado uno de los mejores discos de este año. Blues, country y rock de selección.

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Agua de Annique – Air. El primer álbum de la nueva banda de Anneke Van Giersbergen, ex vocalista de The Gathering, fue a juicio de Lado B! uno de los buenos debut de este año. Con un sonido que continúa lo hecho en su anterior agrupación, fue seleccionado como uno de los finalistas en la carrera por elegir lo mejor de este 2007.

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Battles – Mirriored. Rock matemático. ¿Qué diablos es eso?, se pregunta uno inmediatamente. Aunque la definición es sólo una chapa que no aporta mucho más, aparte de indicar que a estos chicos les gusta jugar con la métrica y los sintetizadores, los sonidos de esta banda, que visitó Chile en noviembre pasado, es uno de esos extraños hallazgos que vale la pena escuchar.

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Pj Harvey - White Chalk. El ultimo disco de PJ Harvey fue una experiencia sorprendente para fanáticos y no fanáticos de esta artista inglesa. Un sonido nunca antes explorado por la cantante que pasó de aullidos más rudos y ruidosos a desgarradores tonos, acompañada por las melodías de su solitario piano.

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Marilyn Manson - Eat Me, Drink Me. La farándula indica que la separación de Marilyn Manson de su esposa, la actriz Dita Von Teese, generó los estados anímicos necesarios para hacer de éste un disco que se pasea por un laberinto de sensaciones, las que son interesantemente acompañadas por los oscuros sonidos que han hecho de esta una renombrada banda con un muy buen sexto disco.

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Down - Down III (Over the under). Una placa que es y será la delicia de los fanáticos del metal y en especial de Pantera, ya que su ex-vocalista Phil Anselmo, es la voz de una agrupación que no por contar con insignes nombres en sus filas cae en sonidos predecibles. Y es este disco, el tercero de la agrupación, el que Lado B! ha seleccionado como el mejor del año que termina.

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Si no han escuchado todos estos álbumes, quieren bajarlos y atesorarlos en su cajón de lo mejor del 2007 o simplemente quieren hacer una revisión y confirmar lo que nosotros decimos o rechazar tajantemente esta decisión; con el espíritu navideño aún rondando sobre nuestras cabezas, les contamos que pueden bajar los siete discos directamente a sus computadores, apretando gentilmente la opción descargar.

Y recuerden escuchar el programa en http://www.ladob-rock.blogspot.com/

Saludos!

ADIOS AL GRAN IKE TURNER

A la espera de que Manuel envíe el texto asociado al disco de la semana, les dejamos el link para que puedan descargar "Risin' With The Blues" del año 2006.


http://www.mediafire.com/download.php?09jnjk2wjta

Sangre en las pistas

Por Pamela Ramírez R.

El posible arribo de una de las más grandes figuras del rock and roll a Sudamérica y ojalá a nuestro país, dieron el impulso para revisar la extensa discografía de Bob Dylan y destacar una de sus grandes joyas musicales como disco de la semana en Lado B.

En este álbum de 1975, Dylan retoma la fiel guitarra de palo para sangrar en las 10 pistas que conforman el taciturno Blood on the Tracks. El legendario cantante y compositor, se sienta a escribir con el peso del fin de su matrimonio con Sarah Dylan, grieta que se palpa en muchas de las canciones, llenas de melancolía y amargura. Siempre se ha dicho que Dylan no es un gran cantante, pero la interpretación con su voz gastada en cada tema, devela la potencia de sus letras y el sentimiento que las motiva.

El propio Bob ha dicho que no se trata de un ábum autobiográfico, a pesar de que su hijo Jakob (el vocalista de The Wallflowers) ha dicho que le recuerda la época en que sus padres discutían y que muchos temas son el reflejo de esas peleas. Sea como sea, en Blood on the Tracks hay soledad, frustración, y todo lo que pueda pasar por la cabeza de alguien en un contexto de separación, pero esto es resuelto con la genialidad de Dylan, con el disfraz de su poesía que a veces nos hace pensar que estamos frente a una confesión textual. Pero nada es tan literal en Bob, no esperen encontrar una obvia canción de amor. Estamos frente a un disco que nos habla de las relaciones, tema universal, y que hace patente una crisis, sin ni siquiera saber de su vida personal. Hay una intensidad declarada, que podría ser de cualquiera de nosotros.

Una muestra de la pérdida hecho letra está en "You´r gonna make me lonesom when you go":

I'll look for you in old Honolulu, (te buscaré en la vieja Honolulú)
San Francisco, Ashtabula,
Yer gonna have to leave me now, I know.( Me vas a tener que dejar, lo sé)
But I'll see you in the sky above,(Pero te veré arriba en el cielo)
In the tall grass, in the ones I love,(En el delgado césped, en los que amo)
Yer gonna make me lonesome when you go.(Me harás solitario cuando te vayas)

Otros temazos son la amarga Idiot Wind, Tangled Up in Blue, Shelter from the Storm, difícil no destacarlas todas. Por eso, para que sepas de que hablo descarga el imprescindible Blood on the Tracks en: http://www.mediafire.com/?d1jemzjxm49

Saludos y sigan escuchando Lado B!

Lado B... Detonando un Sueño

Equipo de Lado B

Cuando los primeros sonidos de un programa en Radio JGM fueron los de una guitarra distorsionada, los responsables de aquel espacio seguramente nunca pensaron que el proyecto duraría más allá de unos meses, casi como un juego.

Y ese juego ya lleva 3 años al aire. Si bien solo queda uno de los jugadores originales, la escencia no se ha perdido y la sonoridad se ha expandido hasta un punto en que ya es difícil darse cuenta todo lo que involucra el rock. Porque más allá de las escalas, compases, armonías y estructuras que componen las canciones, nuestro querido estilo musical nos entrega algo más que música y a los que realmente nos apasiona, queremos ser pastores de un religión que realmente podemos palpar y sentir hasta lo más profundo de nuestra alma.

Pamela, Alejandra, Patricio y Manuel quizás no serán los más renombrados melómanos del mundo, pero sí tienen la energía para seguir dándole cuerda a un estilo que parece incombustible a través de un espacio que difícilmente muera en el corto plazo... Lado B seguirá dando señales...

Y como regalo para nuestro público más fiel, esta semana no les dejaremos un solo disco para que descarguen. Ocho son los escogidos por los miembros del programa, que representan en mayor o menos medida porque son amantes del rock.

Oasis - Definitily Maybe: Mientras la mayoría de las bandas britpop de mediados de los 90' hacían melodías mucho más amables y poperas, los hermanos Gallager irrumpieron en la escena con un disco ruidoso, rockero y engreido. La placa debut de Oasis le mostró al mundo que los nuevos sonidos masivos de la isla británica no serían una simple sarta de canciones cursis con coros facilistas. Influencias punk y de la "British Invasion" de los 60' en lo que se conjuga para crear el único disco que ha sido capaz de desbancar al "OK Computer" de Radiohead en las listas del mejor album británico de los 90'.

Desde aquí lo descargan: http://www.mediafire.com/download.php?0myfznjzg9m

Oasis - What's The Story Morning Glory: Nuevamente los Gallager a la carga. Sin ser tan rupturista como su predecesor, la segunda placa de Oasis le aportó a la banda algo que pocos pueden obtener: un disco lleno de singles. Todas las canciones de esta placa podrían haber llegado al número uno de los charts. Melodías pegajosas, canciones rockeras y aceleradas se mezclan con baladas inolvidables. Mención aparte para Champagne Supernova, que tiene el espíritu de un tema romántico-psicodélico, matizado con la energía de unas guitarras con mucho fuzz, y un duelo de solos que hay poco más allá de la mitad de la canción. Notable.

Descarga: http://www.mediafire.com/download.php?eqn2bdinmjx

Metallica - Load: Después de cinco años de silencio musical, la banda más exitosa del metal en la historia regreso con una patada en el estómago para sus fans. No más Thrash Metal, no más Speed Metal, ahora solo hay lugar para el Hard Rock. Pero no del estilo setentero puro, sino que trasladado a los 90, a midtempo pero una distorsión metalera, solos de guitarra pegajosos y con mucho wah wah, un bajo con mucha compresión y una caja de batería que parecía reventar los oídos. Y el siempre inspirado Hetfield jugando como nunca con su voz, carraspeandola cuando había que hacerlo, con falsetes bien puestos y por sobre todo con un sentido de la emocionalidad a toda prueba. Por mucho que les pese a los fanáticos, Metallica habrá dejado de hacer metal en este álbum, pero nos regaló una tremenda placa de Hard Rock.

Desde aquí lo descargan: http://www.mediafire.com/download.php?43v3zqpzrnr

Para todo melómano, las versiones “distintas” de sus artistas favoritos son siempre un plato tentador. Colecciones de rarezas inundan los estantes –ahora la memoria del computador-, destacando en forma recurrente la etiqueta Peel Sessions. En homenaje a uno de los grandes entendidos y fanáticos de la música, el dj británico John Peel (1939-2004) y el programa que durante 37 años realizó en radio BBC, les dejamos dos discos realizados en aquellas míticas sesiones que resumen lo mejor de nuestros sonidos preferidos.

Birthday Party - The John Peel Sessions: primer gran experimento sonoro del australiano Nick Cave antes de formar Bad Seeds, su banda más importante. Una de las agrupaciones post punk de los 80 más reconocidas que, con un sonido oscuro aunque no gótico, destaca tanto por el desenfreno de sus melodías como por la voz y performance que Cave imprime en cada alarido, espasmo o caída sobre el escenario. Una experiencia disonante que retrata el mundo de violencia que componen las letras de estos 16 temas, recopilados de cuatro Peel Sessions entre 1980 y 1982, de la banda que asusta pero te gusta. Una verdadera cátedra de estilo en vivo.

Desde aquí lo descargan: http://www.mediafire.com/download.php?9gbxlzmmib2

The Cure - The Peel Sessions: usualmente las grabaciones para el programa de John Peel constaban de cuatro temas que luego eran transmitidos y comentados al aire por el famoso dj. Con el tiempo, muchos de esos pequeños registros fueron compilados en un mismo disco y lanzado al mercado bajo la etiqueta que hoy homenajeamos. Entre las miles de bandas que por los estudios de la BBC pasaron, los ingleses de The Cure se presentaron entre 1978 y 1981 en cuatro ocasiones, de las cuales sólo la primera ha sido oficialmente editada. Esos registros permiten presenciar el ascenso de una banda del anonimato a los escenarios súper ventas a través de un especial recorrido cronológico por los primeros sonidos que Robert Smith y compañía interpretaron. Melodías más punk, rostros con menos maquillaje, tintes de experimentos electrónicos, maravillas góticas y sonidos del fino pop que siempre los han caracterizado. Estas Peel Session son un elemento de estudio recomendable para todo fanático responsable.

Bájalo aquí: http://www.mediafire.com/download.php?0nbtlwczddw


Pantera - Vulgar Display of Power: Este disco es imprescindible para todos los que nos acercamos al Metal en la década de los 90. Entre toda la nebulosa creada por las bandas grunge de la época, muchos pensamos que la voz corrosiva de Kurt Cobain era lo más duro que jamás escucharíamos por ese entonces, sin siquiera imaginar lo que se nos venía encima.
Con dos miserables notas en su intro, “Walk” de Pantera derribó muros y concesiones, transformando a este disco en uno de los más influyentes de todos los tiempos. Los medios tiempos de “Mouth For War”, la velocidad de “Fucking Hostile” o la esquizoide “This Love” cambiaron el metal para siempre, todas bañadas por la increíble potencia vocal de Phil Anselmo y la incendiaria guitarra de Dimebag Darrell. De no mediar nada extraordinario de por medio, “Vulgar Display Of Power” debería quedarse entre los mejores discos del metal por mucho tiempo más.

Desde aquí lo descargan: http://www.mediafire.com/download.php?21nldjrm9y1

Pearl Jam - No Code (1996): Este disco viene a confirmar lo necesarias que son las buenas canciones para la vida de un musico fílico. No Code no será el álbum más expuesto mediáticamente de Pearl Jam, ni el con mayor ventas, ni el más recordado por la crítica. Francamente todo eso no importa, cuando tienes tu propia referencia y las canciones de las que te vuelves cómplice. "Sometimes", "In my Tree", "Smile", son sólo muestras de lo que Vedder y Compañía hacen, lejos del ruido del grunge en decadencia y hacia un nuevo sentido para la banda. No Code, es un punto de transición necesario, entre todo los anterior que hizo Pearl Jam en los 90's y todo lo que vendría hasta hoy. Pero en términos del que escucha, es un limbo en tu pieza o el patio de tu casa, oyendo a todo volumen los temas que se vuelven tuyos y que no dudas en revisitar una y otra vez.

Hazlo tuyo en: http://www.mediafire.com/?ectyditbhzx

Pixies - Bossanova (1990): Una cosa que no puede pasarte si te dignas a nombrarte rockero, es quedarte pegado en los mismos tarros de siempre o en la banda que más está de moda. Llega un momento de guardar distancia, parar las orejas y adentrarte en nuevos sonidos. El resultado puede ser genial, y a veces adictivo. Es justamente lo que sucede al escuchar por primera vez a Pixies y más si este disco es Bossanova. Este álbum es un bálsamo para las orejas estandarizadas, te abre a otra veta, extraña y particular. Al escuchar te imaginas estar por un momento en una serie de ciencia ficción, surfeando en el espacio como un héroe galactico. Suena a mucho, pero la particularidad del sonido Pixies es inspiradora, te levanta el ánimo para seguir buscando más droga musical que te provoque el placer de escuchar algo nuevo. Recomendadas para ahorrarse el viaje en ácido: "Cecilia Ann", "Velouria", "Rock Music", "Ana". Sin duda, un disco clave para todos los que gozaron primero con Nirvana. Chicos: ¡hay mucho que recorrer hacia atrás!

Bájalo en: http://www.mediafire.com/?fxyji1yjygt

Led Zeppelin - Led Zeppelin IV: No es mucho más lo que se puede decir de un disco cuyo principal single es “Starway To Heaven”. Los británicos alcanzaron el cenit de su creatividad con esta placa (a lo mejor solo equiparable al Physical Graffiti de 1976) que mezcló increíblemente bien los sonidos distorsionados de “Black Dog”, “Rock & Roll” con las guitarras acústicas de “Going to California”.

Este es uno de esos discos que terminan por convencer a las nuevas generaciones de rockeros que tomaron el buen camino, porque no es necesarior esperar el nuevo hit comercial para escuchar algo fresco, sino que pueden simplemente mirar hacia atrás para toparse con grandes clásicos, lejanos a todo tiempo.

Bájalo aquí: http://www.mediafire.com/?4wy1ippaoxm

Hasta aquí por ahora, queda mucha historia por contar.

Saludos!

Larga Vida al Rey (el verdadero rey)

Por Patricio Salazar

Si un músico es bueno da lo mismo que está de moda en las radios y que no. Poco importa competir con agrupaciones de "Boys bands" o con compadres pálidos y con los ojos más delineados que la misma Cleopatra. Cuano empieza a sonar la suave guitarra de B.B King junto a esa voz gruesa producto de un corazón azotado por los azares de un bluesman - y unos kilos demás, hay que decirlo - nos damos cuenta que estamos frente a uno de los más grandes músicos del siglo XX.

El 2007 no comenzó bien para el rey. En enero una gripe los mandó directo al hospital, debiendo cancelar al menos un par de conciertos en su país de origen. Y es que a sus 82 años, no le causa ninguna gracia tener que alejarse obligado de los escenarios, donde por más de medio siglo se ha alimentado del aplauso del público, quienes lo han sabido recompensar como de debe.

Ganador de 14 premios Grammys tambien se le otorgó el Premio Nacional de Artes americano, a la vez que la Universidad de Mississippi lo hizo PhD honorario de esa casa de estudios y la Academia Sueca le dio el Premio de Música Polar, por sus aportes al blues. Nada es demasiado para quien se ha transformado en el sinónimo más directo del estilo padre del Rock and Roll

Es por esto que el disco "B.B King The Best of the Early Years" es un trabajo indispensable en las estanterias de cualquier amante de la buena música. Son 25 temas que repasan los primeros años del maestro. Esos en que su voz era increíblemente dulce y cuando ningún famosillo peleaba por tocar junto a él. Esta es una obra donde se puede apreciar la gran versatilidad de músico afroamericano, moviéndose plácidamente con big bands, tocando en formato de trío, desplazandose hacia el boggie y luciéndose en el primitivo y emocional blues de 12 compases, imprimiéndole su sello a una formula que a esa altura ya tenía varias décadas de recorrido.

Acá hay clásicos como "Sweet Little Thing", "Three O Clock Blues" o "Catsfish Blues" en donde la guitarra de B.B King se separa de la de sus contemporaneos gracias a esas intensas respuetas a su voz, cuyas melodías pentatónicas son capaces de competir con el mayor acierto poético de unas letras dedicadas a las mujeres, el amor y la desesperanza. No por nada Buddy Guy, otro grande del blues dijo "antes de este chico, todos tocaban la guitarra eléctrica como si fueran malditas acústicas".

Mención propia para "Sweet Sixteen", lejos la canción más hermosas del disco entero y uno de los grandes clásicos del bluesman. Son seis minutos de una súplica a través de una voz que bordea el llanto por la desesperación amorosa y que se quiebra varias veces debido al ahogo de un alma torturada por la indiferencia femenina. Más nos vale que B.B King haya conseguido al amor de su vida con esta canción, porque si no pudo claramente no queda ninguna esperanza para el resto de nosotros.

Al terminar, "B.B King The Best of the Early Years" es un testimonio de que cuando algo es tremendamente bueno se vuelve atemporal. No importa si eres hippie, trash, pokemon o pelolaís, si alguno de estos acordes suenan en tu radio tendrás que subir el volumen, porque por último alguien más te lo pedirá. Una vez Mr. King dijo " ¿Sabes que me hace realmente feliz?, Dame seis cuerda y seré feliz"... definitivamente lo apoyo, denle seis cuerda y yo tambien seré feliz.

Disfruten y descarguen "B.B King The Best of the Early Years" desde ésta direcciónhttp://www.mediafire.com/?1121bx342gm

Aproveche y escuchen el programa en www.ladob-rock.blogspot.com

Los perros días de 1995

Por Manuel Catrilef Cea

El mundo es injusto, y eso no lo vamos a descubrir ahora. Él de la música suele ser mucho peor aún. Y en nuestro querido chilito se suele acrecentar aún más la injusticia.

A mediados de los 90' en este lado del planeta comenzó a surgir un fuerte apoyo de la industria hacia las bandas nacionales. Y fueron muchas las que pudieron publicar su primer disco y tener difusión radial, demasiadas de hecho. De esa masa de grupos sólo algunos, como Chancho en Piedra y Lucybell, lograron mantenerse vigentes, la mayoría no superó la prueba del tiempo.

Y a decir verdad, no fue algo extraño. Esos conjuntos tenían muchas ganas e ideas, pero carecían de calidad y talento para lograr consolidarse. No hubo "discriminación positiva", se publicó cualquier porquería. Artitas como Elso Tumbay y Jano Soto son buenos ejemplos de aquello (incluso éste último en un blog admitió que su propio disco era bastate malo).

Pero también existió una tercer arista en ese fenómeno: las bandas buenas que no fueron tomadas en cuenta. Ya sea porque no les intersó a las disqueras explotarlas o porque éstas simplemente prefirieron no amarrarse a una multinacional.

Dentro de éstas encontramos a La banda del capitán corneta. Recibieron ofertas de EMI y Polygram para editar su primer disco pero las condiciones del contrato los restringían demasiado. Así que el sello Alerce fue quien les permitió hacer lo que quisieran en lo que fue su debut y despedida, Perros Días (1995).

Sólo en el circuito under y dentro del ambiente musical fueron reconocidos como una tremenda agrupación. Las radios y el público masivo nunca hicieron mucho eco de su música.

Y fue una lástima porque "Perros Días" es realmente un disco excelente. Blues, Jazz, Funk y algo de Hard Rock son los elementos que se entrecruzan constantemente. Pese a que esto puede hacer pensar que estamos ante un grupo de sonido complejo de digerir, nada está más lejos de la realidad. Lo melódico y contagioso es la tónica, la energía de un grupo de jóvenes que recién comenzaban es lo que se puede sentir en cada estrofa de "vida de perros" y "sarna". La vibra de la génesis de algo potente se puede percibir en cada track del álbum.

A lo anterior, hay que sumarle la pulcritud técnica de cada tema. Que el sonido directo y aparentemente simple no los engañe, cada instrumento está lleno de arreglos y estructuras que le hacen honor a la educación formal en música que tuvo cada miembro de la banda.

Capítulo aparte es la voz de Pancho Rojas, quien le imprime un sello propio a los temas desde el comienzo del disco. Claramente que aquí ya se podía ver que se iba a transformar en una de las grandes voces del rock local, cosa que corroboró tanto en Mandrácula, como actualmente en Dama Juana.

Disfruten y descarguen "Perros Días" de La Banda del Capitán Corneta desde ésta dirección
http://www.mediafire.com/download.php?1nvw9e2m9z2

Aproveche, este disco simplemente ya no se edita más, así que es de las oportunidades que no pueden dejar pasar.

Y escuchen el programa en www.ladob-rock.blogspot.com

(Di)sonancias ochenteras

Famosos pero desconocidos, de culto pero denostados. La historia de Violent Femmes se nutre de contradicciones partiendo por la más importante de todas: su singular sonido. Mezcla de punk, folk y pop, esta banda proveniente de Milwaukee, Estados Unidos, hizo de la experimentación e innovación banderas de lucha de un estilo hasta ese minuto inexplorado.

Contrario a lo que sucedió para su lanzamiento en 1982, hoy los acordes del homónimo primer álbum de la banda nos suenan familiares -aunque no por eso repetidos-. Porque desde que Gordon Gano y compañía pisaron por primera vez los escenarios comenzó una historia que se sigue escribiendo hasta ahora y que los tiene como verdaderos abuelos no reconocidos de una herencia musical y performática que se reparte a lo largo de diversos géneros, décadas y trayectorias; dejando claro que pese a no liderar nunca los ranking, su influencia se ha ido acumulando con los años y es mucho más que una estampa en camisas rockeras.

Pero, ¿son realmente estas “mujeres violentas algo más que Blister in the Sun, su tema más famoso y que hizo furor entre los fiesteros universitarios de la época? La evidencia pareciera confirmar que sí, porque además de ser algo así como el primer grupo folk-punk de la historia -si es que existe tal denominación-, son los autores de un disco que innovó más allá de lo que estaba ocurriendo en ese entonces, adelantándose incluso en años a lo que luego sucedería en la música.

Porque al oír el disco sabiendo que fue realizado en los inicios de la década de los 80, llama la atención lo inusual de sus melodías y lo parecido que suena a lo que tiempo después se ejecutaría en forma un poco más masiva, siendo este un álbum que equilibra sabiamente los distintos temas de un disco marcado por otra de las contradicciones de la banda: que no todo es tan feliz como parece. Porque uno de los talentos de la voz nasal de Gano, las cuerdas de Brian Ritchie y los tambores de Víctor DeLorenzo fue explotar irónicamente el más visceral y masoquista de los sufrimientos: la angustia adolescente de ese nerd que todos llevamos dentro.

Y ya sea innovación, talento, suerte, locura o una mezcla de todo lo que condujo a este trío hasta los sonidos de su primer y más aclamado disco, es necesario escucharlo aunque sea una vez para decidir si vale la pena seguir explorando en otros de sus temas o simplemente quedarse con lo que ya es conocido: la aparente alegría de un hit famoso por demasiado tiempo.

Si quieres bajar Violent Femmes, disco debut de la banda pincha aquí: http://www.mediafire.com/download.php?01zm2nmwb1p

No olvides escuchar Lado B a través de nuestro podcast: http://www.ladob.podomatic.com/ y de la radio JGM en http://www.radiojgm.uchile.cl/ todos los miércoles a las 17:30, hora de Chile

Violent Femmes - Violent Femmes (1983)

A la espera del comentario de Alejandra sobre el disco homónimo de Violent Femmes, les dejamos la placa para que puedan descargarla en este link http://www.mediafire.com/download.php?01zm2nmwb1p

Recuerden escuchar el programa en www.ladob.podomatic.com

Ladys and Gentlemans, ¡the Blues Explosion!

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Box set, ediciones de lujo o lados b. Raras versiones que en un inicio sólo un reducido número de personas conoce, hasta que el músico en cuestión -coludido o no con su disquera- lanza al mercado uno de aquellos discos que la mayoría de las veces sólo los fanáticos logran realmente apreciar.

Sin continuar precisamente esta línea, podemos incluir a la banda neoyorkina Jon Spencer Blues Explosion -hoy llamada sólo Blues Explosion- como seguidora de esta tendencia llevada al extremo. Porque entre 1998 y 1999 el trío lanzó al mercado tres LP’s bajo el nombre de Acme, donde el original se diferenciaba de las versiones posteriores –Acme Plus (UK) y Acme Xtra (US)- por su falta de apellido. Hasta aquí nada extraño, si no fuera porque esas dos secuelas son una misma versión que casi no poseen relación con el disco “original”.

Entonces, ¿porqué llamarlos por el mismo título?, ¿exceso de creatividad o flagrante negocio? Lo cierto es que en 1999 la noticia debe haber tenido al fanático-melómano-codicioso con una fuerte comezón en las manos y a la disquera, Matador Records, con una gran sonrisa de sólo imaginar sus bolsillos más abultados.

Lo interesante de todo esto, además de los puntos de trivia ganados, es acercarnos a un fenómeno de elitismo musical nada reciente que en este caso, constituyó una experiencia singular al haber hecho gastar los pesos del fanático en uno, dos o tres álbumes que son algo más que una versión “rara” extra o una carátula distinta.

A lo largo de los 19 temas que componen Acme Plus, nos encontramos con una selección más cercana a los puntos altos en experimentación y energía de esta banda de punk blues, que a las melodías explotadas en el más desabrido Acme sin apellido. Siendo un disco que logra imitar, aunque no igualar, el magnetismo de una puesta en escena conocida por hacer de las contorsiones de su vocalista y de su potencia sonora una inyección hacia las venas.

Yendo más allá de virtuosismos y técnicas, la placa posee temas como Chowder o New Year con los que deja en claro que lo único importante aquí es la reacción de los sentidos ante este ejercicio visceral de rock and roll. “La banda nunca frena entre canciones para tomar aire y arranca de nuevo apenas el público piensa que es tiempo de aplaudir”, fue la descripción que hizo años atrás la revista Mojo sobre uno de sus shows y que Acme Plus simula a la perfección. Una mezcla de energía, performance, ritmo y velocidad de la mano de Jon Spencer en voz, Judah Bauer en guitarra y Russell Simins en batería, efectuando un retrato que incluye el ingrediente que ha hecho grande a este trío desde su formación: la bendita y famosa explosión.


Acme Plus fue el disco de la semana el 17 de octubre, programa que puedes escuchar al igual que todas nuestras otras emisiones en: http://www.ladob.podomatic.com/

Para bajar Acme Plus pincha aquí http://www.mediafire.com/download.php?ahkfnzzzdhz y
si quieres el Acme visita acá http://www.mediafire.com/?bymlx2hkyas

Vote por Miles

Por Pamela Ramírez R.

Hacia 1972 el genial Miles Davis ya había sorprendido al mundo con joyitas como Kind of blue en 1959. Hasta la fecha las reverencias lo habían acompañado en cada ejemplo de maestría expresado con su trompeta, verdadero virtuosismo en clave de bronce.

Pero con la salida de On the corner, ese año 72, la recepción fue muy distinta. La crítica de la época lo vapulió, no comprendiendo la nueva propuesta de Davis, muy distinta a sus trabajos anteriores, la cual explotaba un sonido lejos al jazz convencional. Qué mal oído, más bien, qué ilusos, pues qué menos convencional que un personaje y artista como Miles.

Siempre dando un paso más adelante, Miles nunca pretendió enjaular al jazz, expandiendo sus límites (si es que existen) y cruzándolo con otros estilos como el rock y el funk. Es el caso de On the corner, el cual rescata a la calle como premisa, integrando guitarras eléctricas, un bajo con pulso más funky, además de una base en percusiones, cuyo resultado constituyó un referente para lo que posteriormente sería el hip-hop, el drum and bass y la electrónica.

Un impulso mucho más festivo se propuso Miles, para acercarse sobretodo a los jóvenes que habían puesto atención a otros estilos más populares y masivos como es el caso del rock.

En un nuevo especial de Lado B! decidimos dedicar nuestras dos horas de programa al jazz, palabra que es sólo eso, un intento por englobar lo inconmensurable. Hasta la fecha, la evolución que ha pasado por las big bands, el bebop, la grandeza de un Miles, un Coltrane, un Dizzie, Bird, Thelonius, por nombrar solo algunos, aún sigue su curso, enriqueciéndose con otros estilos e inspirandonos cada día.

Descarga el Disco de la Semana del especial de jazz en Lado B!: On the corner, de Miles Davis (1972) desde el siguiente link http://www.mediafire.com/?5kdlov2m31b

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Un Gruñido en la Oscuridad

Por Patricio Salazar.

Yo siempre he tenido la costumbre de visualizar en imágenes las canciones que escucho a diario. Tal vez por una vocación frustrada de cineasta o porque definitivamente Mtv terminó por podrirme las neuronas.

Sea lo que sea, la primera vez que escuché "Down III: Over The Under", tercer trabajo de la banda de Phil Anselmo lanzado en septiembre de este año, lo primero que se me vino a la cabeza era una ciudad polvorienta y devastada. Una destrucción teñida de polvo seco y esparciendose en los cerca de 60 minutos que dura el disco; una orbe en ruinas grises, a merced de esa muralla de gruesos riff que los chicos de Nueva Orleans tan bien lograron en esta tercera entrega.

Este desvarío mental en realidad no está tan alejado de las motivaciones que dieron vida a este albúm. Con su mente consumida aún por la culpa de nunca haber arreglado bien las cosas con Dimebag Darrel (Vean esto http://www.youtube.com/watch?v=nTlAHo5Kqa4), Anselmo tuvo que enfrentar una operación a la espalda que lo mantuvo alejado de los escenarios y la destrucción de Nueva Orleans a causa del huracán Katrina, sucesos que lo mantuvieron en una profunda depresión.

Su silencio preocupó a los fans quienes esperanzados por los excelentes trabajos anteriores de Down (N.O.L.A y Down II), esperaban con ansias la siguiente propuesta del incombustible Anselmo. Pero mas preocupaba a sus nuevos compañeros de banda, quienes veían como uno de los más grandes frontman del metal se iba hundiendo cada vez mas en la oscuridad. Asi fue como Pepper Keenan buscó al cantante y lo puso nuevamente al frente de Down logrando, ciertamente, la mejor placa de su historia.

Y es que "Down III: Over The Under" nos entrega una de las mejores interpretaciones vocales en años de Phil. Claramente ya no es el tipo que podía gruñir como el peor de los orcos para luego batirse a duelo de armónicos con Dimebag Darrel, como lo hizo en Cemetery Gates, pero aun conserva es timbre capaz de brutalizar hasta el más insípido de los lick de guitarra. Un rugido que es abrumador desde el comienzo y que es capaz de matizar con una voz cancina que obliga a tomarnos en serio a este hombre.

El trabajo en la guitarras por parte de Keenan y Kirk Windstein es solidísimo. Volviendo más las ideas que expusieron en N.O.L.A, la dupla genera riff gigantes de una distorsión fangosa y espesa, llenos de groove azotados por la firme, aunque no descollante, batería de Jimmy Bower. Otra de cosas a destacar es la utilización de pasajes acústicos en alguna de las canciones, recurso que ha caracterizado a Down en sus tres discos, y que debe ser una de sus propuestas más logradas. Porque si bien ninguno de los guitarristas podría ser sindicado como solistas destacados (no hay ningún solo que te permita asumir que estas frente a un talento superior) ambos saben trabajar extremadamente bien los sonidos limpios de sabor sureño con un poco de blues como condimento. La canción "Never Try" es un claro ejemplo de cómo el mundo interior es capaz de manifestarse a través de las entrañas en la música. Gran tema.

Otro de los aspectos destacables es el trabajo de posproducción del disco. Down II, su placa anterior, pecaba de una labor en las perillas algo desprolija, aunque en realidad no podemos saber si fue con intención o no. En cambio en este album, la mezcla suena increíblemente power. A cada instrumento se le extrae el máximo potencial, y las armonizaciones en las voces de Anselmo son perfectas. En resumen uno puede sentir como sale toda la frustración y rabia de quinteto a través del polvo de la orbe en ruinas. Claramente este es un disco que todos los fanáticos del Metal deben tener.

Y como en Lado B estamos por fomentar la música, les ofrecemos para descargar gratis "Down III: Over The Under", solo haga click acá: http://www.mediafire.com/?8wyybdzen44

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Iorio & Flavio - Peso Argento... Para pocos de los muchos

Por Manuel Catrilef Cea

Las colaboraciones entre músicos reconocidos siempre generan expectación y alimentan a los fanáticos de esperanzas de escuchar una obra maestra, de esas que no se olvidarán jamás en la vida.

Cuando a finales de 1996 se unieron los músicos de Almafuerte, Ricardo Iorio, y el bajista de Los Fabulos Cadillac, Flavio Cienciarulo, la prensa argentina y los seguidores de cada banda no supieron muy bien cómo reaccionar ante semejante proyecto. Iorio era un reconocido músico de Heavy Metal que siempre apuntó sus letras a temas sociales y políticos. Muy por el contrario, Flavio venía de una banda que se caracterizaba por hacer música fiestera, alegre, como es el ska, la política no la habían tocado mucho salvo algunas excepciones como la archiconocida "Matador" de su placa Vasos Vacios (1993). A la diferencias de estilo, también había que sumarle que el vocalista de Almafuerte siempre había criticado a los Cadillacs por ser apolíticos. Heavy Metal comprometido y ska fiestero... claramente no se veía por donde podría ir la cosa.

Pero ese cambio de actitud en la banda de Cienciarulo, en el acercamiento a temas más ideológicos (que mejor ejemplo que "Mal Bicho" del disco Rey Azucar) logró que entrara en sintonía con Ricardo Iorio cuando comenzaron a hacerse amigos en 1996. De ahí que se dieran cuenta que ambos eran argentinos, que querían a su país y que no eran ciegos ante las situaciones de desigualdad que se producían en su nación. Y ese es el concepto clave que finalmente daría vida a "Peso Argento" (1997), el de nación, una serie de rasgos comunes que producen en una masa de gente un sentimiendo de identidad.

Más allá de la típica arenga anti neoliberalista, la placa insta a darle el lugar que se merecen a los pueblos originarios de ese lado de la cordillera, no dejándolos como los más importantes del país, sino como iguales al resto de los argentinos. El trabajador y el indio no son distintos, son argentinos. Por eso el disco está matizado entre los sonidos típicos del folcklore altiplánico y de la patagonia, y las guitarras duras que son la representación de la ciudad. Y a pesar de lo que se pudiera creer, a lo largo del álbum tienen sintonía absoluta, no se sienten bruscos los cambios ritmo, desde la calma de "Cacique Yatel" hasta la genialmente rockera "Para pocos de los muchos".

Capítulo aparte es la versión punk de "Mal Bicho", que si bien es notable, queda la sensación que se colocó un tanto a la fuerza, como un gancho comercial (lo cual no tiene nada de malo).



He aquí el link del disco para que los descarguen y disfruten esta gran dupla que formaron Iorio y Flavio . http://www.mediafire.com/download.php?fttddwmzmmk

Escuchen el programa en www.ladob.podomatic.com

Jon Spencer Blues Explosion, o como las apariencias traicionan

Por Manuel Catrilef Cea


Un nombre que invita al engaño. Jon Spencer Blues Explosion tiene poco que ver con el género musical al que alude, pero no por eso es menos interesante. Los discos Acme (1998) y Acme Plus (1999) son dos placas que tienen un punto de nacimiento en común, pero que dejan sensaciones muy diferentes. La primera, la original, tuvo una recepción moderada de la crítica. Algo menos amables fueron los fans más puristas de la "indie music". Ante cualquier reminicencia pop tildan de vendidos a quienes idolatraban por no ser parte de la industria. Y Acme tiene mucho de eso. Soul en las vocalizaciones, Hip Hop en la batería, Funk en las guitarras... ¿y Blues? para otra ocasión quizás.

Acme Plus es otra cosa. Remixes, canciones que se quedaron afuera, nuevos nombres a algunos temas, y lo más importante de todo, un sonido muy distinto. Algunas introducciones bluseras, seguidas de guitarras más punk en ciertas canciones, pero la batería sigue con ese aire a hip hop, casi como si fuera un sampler. La voz de Jon Spencer es mucho más juguetona. El midtempo del Acme original se mezcla con la rapidez de los temas nuevos incluidos. Como una montaña rusa. El apellido plus (que se puede traducir como "más " o "mejorado" ) le hace honor al rebautizado nombre del disco.

Para que ustedes se hagan una opinión propia de ambos discos, les dejamos el acme original en este link http://www.mediafire.com/?bymlx2hkyas y en este otro Acme Plus http://www.mediafire.com/download.php?ahkfnzzzdhz

Escuchen el programa en nuestro podcast www.ladob.podomatic.com

Yo quiero ser un Ramone!

Por Pamela Ramírez R.

Iggy ya se venía contorneando desde hace un rato, Patti comenzó a despeinarse un poco antes, mientras un naciente CBGB daba tribuna a una nueva gesta musical en Nueva York, el punk. No pasó mucho tiempo para que unos chicos con pinta de pandilleros, unifromados con gastadas chaquetas de cuero negras y usando apegados jeans, como si se tratara de su propia piel, apareciera para dar una bocanada de aire fresco e intenso a los antros neoyorquinos, y de paso, al rock and roll.

Una nueva familia, (We're a happy family dirían, aunque con el tiempo se supo de que sufrían de disfuncionalidades como cualquier familia común), The Ramones, nacía. Johnny en guitarra, Tommy en batería, Dee Dee en bajo y el desgarbado e ilustre Joey en la voz, jugaron con lo que venían escuchando desde que el rock and roll les paró los pelos en sus adolescentes días, como las inocentes primeras canciones de los Beatles, dándole velocidad, letras pegajosas y ruido al extremo.

Toda esa intensidad se traduce en su primer disco, rápidamente grabado en menos de un mes y con el bajo presupuesto de 6.400 dólares, lanzado en 1976 con el simple nombre de "The Ramones". Desde lo primero que escuchamos, el ya mítico Hey Ho Let`s go!, este disco no te suelta hasta botarte luego de casi media hora de no parar de gozar. La acogida fue fría en Estados Unidos, nadie tomó en cuenta a unos pendex vestidos todos iguales, cantando sobre la calle, los nazis, la frustrada invasión gringa a Cuba o sobre una chica punk llamada Judy. Uf! qué niños más ruidosos. Por eso los amamos.

Claramente a ellos les daba lo mismo, sus canciones de dos minutos cruzaron el Atlantico por ese mismo tiempo, llegando a Londres, tocando en tres funciones en el Roundhouse y regando las semillas que luego emergerían como fructíferas callampas de nombre Sex Pistols, The Clash, The Damned, y muchos otros punketas que hasta el día de hoy reconocen la fuerte influencia de estos chascones con chasquilla.

El primer disco de los Ramones no cuenta entre los mejores álbumes en cuanto a calidad, a esfuerzo en la producción, etc. La verdad es que a estas alturas no importa, pues el ruido y la desprolijidad de las primeras canciones de estos chicos trajeron aires nuevos al rock y sin querer queriendo, abrieron nuevas vetas para seguir expandiendo esto que tanto nos gusta.

Por eso es el disco de la semana en Lado B! Disfrutenlo y no paren de mover la cabeza y todo el cuerpo, es inevitable. Si les interesa la historia de Los Ramones, una buena fuente de información es el documental "End of the Century", donde se revisa su trayecto, las disputas, sus vidas y por supuesto, las adoradas canciones.

Recuerden que pueden desacargar ACÁ el disco homónimo de los queridos Ramones.

Sigan escuchando Lado B!

Saludos

A la espera que Pamela nos deleite con su artículo, les dejamos el disco de la semana para que los descarguen. The Ramones y su disco homónimo es el elegido de esta semama, y el link para descargar es este http://www.mediafire.com/?fb00hazze41

Ojalá lo disfruten y escuchen el programa!!!

ladob.podomatic.com

La Guitar Extravaganza Se Apodera de Chile

Asi es. El próximo mes de noviembre el genio de las seis cuerdas visitará una vez más nuestro país.

El día 9 de diciembre tocará Steve Vai en el Polideportivo Sausalito de la ciudad de Viña del Mar, mientras que al día siguiente lo hará en el Court Central del Estadio Nacional. Todo en el marco de su gira "Sound Theories 2007".

Las entradas pronto estarán a la venta, así que visiten nuestro Blog para enterarse de los preciosy puntos de venta.

El Sudor Sobre Las Lágrimas

Por Patricio Salazar.

Cuando Kurt Cobain decidió tirar del gatillo ese 5 de abril de 1994, se silenció una de las voces más intensas del último tiempo. Esa que llevó a un muchacho de Aberdeen directo al estrellato mundial y lejos de una ciudad con altísimas tasas de suicidio. Irónicamente, al final de este viaje el círculo se cerraría.

Nadie nunca esperó que los aullidos desesperados de un "Freak" podrían hacer tambalaear el Star System musical americano y mundial. De pronto la danza de millones que rodeaban a las grandes estrellas del Pop y del Rock se rendían frente a un chico delgado, víctima del abuso escolar y traumado por la separación de sus padres.

El timbre de su voz no era para declararle amor a nadie, ni para ser complaciente con un mundo que no estaba hecho para él y en el cual nunca quiso encajar. El desgarro de su garganta estaba hecho para reventar luces de neón, agrietar las barreras del glamour y romper con todo ese cinismo que se había apoderado de la música en los años 80. En las venas de su tenso cuello se podían ver el pulso de un corazón honesto, cada vez que cantaba sobre un escenario.

Es por todas estas razones que la salida al mercado de MTV Unplugged in New York (1994) como obra póstuma ese dejó un cierto aire de deuda. La sesión para la cadena norteamericana sin duda desnudó ese interior oscuro de Kurt al que solo unos pocos se habían acercado de forma tan íntima, pero no lograba resumir en toda su dimensión la brutal energía del artista, ni su paranoia frente a las amenazas de una realidad que sólo él podía ver.

La guitarra acústica no podía sacudir de la misma forma nuestros sentidos como la frenética distorsión de su Fender Jaguar que bufaba como sabiendo que probablemente, al final de la actuación, sería sacrificada en nombre de Kurt y toda la "Generación X". La potencia del " En Vivo".... el sudor sobre sus propias lágrimas.

La aparición en 1996 de "From The Muddy Banks of the Wishkah" (río sobre el cual ser esparció una parte de las cenizas de Kurt) llenó ese espacio en el legado de Cobain. Este disco recopila actuaciones en vivo de una serie de conciertos en donde uno es capaz de comprender la fuerza que transformó al trío en leyenda. Desde el nervio en los brazos de Grohl, pasando por el sólido acompañamiento de Novoselic, hasta llegar a la esquizoide interpretación del rubio vocalista, es un trabajo redondo y digno de la carrera de Nirvana.

Los temas tiene ese tempo de "en vivo", acelerados por la adrenalina al tope de unos artistas tímidos frente a miles de personas. Fallas de interpretación cada vez que el goce superaba a la concentración. Muestras como "Milk It", donde declara ser su propio parásito, los quiebres llenos de Groove de "Tourettes" y la siniestra atmosfera de "Heart Shaped Box" espaciendose por la arena de conciertos, declaran de forma abierta que no sólo estabamos frente a un fenómeno músical, sino que tambien social y cultural.

En resumen un gran, GRAN disco que todos los fans de la banda debería escuchar.

Y como en Lado B estamos por la buena música, le dejamos este link para que puedan descargarlo de forma directa cuantas veces quieran: http://www.mediafire.com/?ewmhn24oumn

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