Larga Vida al Rey (el verdadero rey)

Por Patricio Salazar

Si un músico es bueno da lo mismo que está de moda en las radios y que no. Poco importa competir con agrupaciones de "Boys bands" o con compadres pálidos y con los ojos más delineados que la misma Cleopatra. Cuano empieza a sonar la suave guitarra de B.B King junto a esa voz gruesa producto de un corazón azotado por los azares de un bluesman - y unos kilos demás, hay que decirlo - nos damos cuenta que estamos frente a uno de los más grandes músicos del siglo XX.

El 2007 no comenzó bien para el rey. En enero una gripe los mandó directo al hospital, debiendo cancelar al menos un par de conciertos en su país de origen. Y es que a sus 82 años, no le causa ninguna gracia tener que alejarse obligado de los escenarios, donde por más de medio siglo se ha alimentado del aplauso del público, quienes lo han sabido recompensar como de debe.

Ganador de 14 premios Grammys tambien se le otorgó el Premio Nacional de Artes americano, a la vez que la Universidad de Mississippi lo hizo PhD honorario de esa casa de estudios y la Academia Sueca le dio el Premio de Música Polar, por sus aportes al blues. Nada es demasiado para quien se ha transformado en el sinónimo más directo del estilo padre del Rock and Roll

Es por esto que el disco "B.B King The Best of the Early Years" es un trabajo indispensable en las estanterias de cualquier amante de la buena música. Son 25 temas que repasan los primeros años del maestro. Esos en que su voz era increíblemente dulce y cuando ningún famosillo peleaba por tocar junto a él. Esta es una obra donde se puede apreciar la gran versatilidad de músico afroamericano, moviéndose plácidamente con big bands, tocando en formato de trío, desplazandose hacia el boggie y luciéndose en el primitivo y emocional blues de 12 compases, imprimiéndole su sello a una formula que a esa altura ya tenía varias décadas de recorrido.

Acá hay clásicos como "Sweet Little Thing", "Three O Clock Blues" o "Catsfish Blues" en donde la guitarra de B.B King se separa de la de sus contemporaneos gracias a esas intensas respuetas a su voz, cuyas melodías pentatónicas son capaces de competir con el mayor acierto poético de unas letras dedicadas a las mujeres, el amor y la desesperanza. No por nada Buddy Guy, otro grande del blues dijo "antes de este chico, todos tocaban la guitarra eléctrica como si fueran malditas acústicas".

Mención propia para "Sweet Sixteen", lejos la canción más hermosas del disco entero y uno de los grandes clásicos del bluesman. Son seis minutos de una súplica a través de una voz que bordea el llanto por la desesperación amorosa y que se quiebra varias veces debido al ahogo de un alma torturada por la indiferencia femenina. Más nos vale que B.B King haya conseguido al amor de su vida con esta canción, porque si no pudo claramente no queda ninguna esperanza para el resto de nosotros.

Al terminar, "B.B King The Best of the Early Years" es un testimonio de que cuando algo es tremendamente bueno se vuelve atemporal. No importa si eres hippie, trash, pokemon o pelolaís, si alguno de estos acordes suenan en tu radio tendrás que subir el volumen, porque por último alguien más te lo pedirá. Una vez Mr. King dijo " ¿Sabes que me hace realmente feliz?, Dame seis cuerda y seré feliz"... definitivamente lo apoyo, denle seis cuerda y yo tambien seré feliz.

Disfruten y descarguen "B.B King The Best of the Early Years" desde ésta direcciónhttp://www.mediafire.com/?1121bx342gm

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Los perros días de 1995

Por Manuel Catrilef Cea

El mundo es injusto, y eso no lo vamos a descubrir ahora. Él de la música suele ser mucho peor aún. Y en nuestro querido chilito se suele acrecentar aún más la injusticia.

A mediados de los 90' en este lado del planeta comenzó a surgir un fuerte apoyo de la industria hacia las bandas nacionales. Y fueron muchas las que pudieron publicar su primer disco y tener difusión radial, demasiadas de hecho. De esa masa de grupos sólo algunos, como Chancho en Piedra y Lucybell, lograron mantenerse vigentes, la mayoría no superó la prueba del tiempo.

Y a decir verdad, no fue algo extraño. Esos conjuntos tenían muchas ganas e ideas, pero carecían de calidad y talento para lograr consolidarse. No hubo "discriminación positiva", se publicó cualquier porquería. Artitas como Elso Tumbay y Jano Soto son buenos ejemplos de aquello (incluso éste último en un blog admitió que su propio disco era bastate malo).

Pero también existió una tercer arista en ese fenómeno: las bandas buenas que no fueron tomadas en cuenta. Ya sea porque no les intersó a las disqueras explotarlas o porque éstas simplemente prefirieron no amarrarse a una multinacional.

Dentro de éstas encontramos a La banda del capitán corneta. Recibieron ofertas de EMI y Polygram para editar su primer disco pero las condiciones del contrato los restringían demasiado. Así que el sello Alerce fue quien les permitió hacer lo que quisieran en lo que fue su debut y despedida, Perros Días (1995).

Sólo en el circuito under y dentro del ambiente musical fueron reconocidos como una tremenda agrupación. Las radios y el público masivo nunca hicieron mucho eco de su música.

Y fue una lástima porque "Perros Días" es realmente un disco excelente. Blues, Jazz, Funk y algo de Hard Rock son los elementos que se entrecruzan constantemente. Pese a que esto puede hacer pensar que estamos ante un grupo de sonido complejo de digerir, nada está más lejos de la realidad. Lo melódico y contagioso es la tónica, la energía de un grupo de jóvenes que recién comenzaban es lo que se puede sentir en cada estrofa de "vida de perros" y "sarna". La vibra de la génesis de algo potente se puede percibir en cada track del álbum.

A lo anterior, hay que sumarle la pulcritud técnica de cada tema. Que el sonido directo y aparentemente simple no los engañe, cada instrumento está lleno de arreglos y estructuras que le hacen honor a la educación formal en música que tuvo cada miembro de la banda.

Capítulo aparte es la voz de Pancho Rojas, quien le imprime un sello propio a los temas desde el comienzo del disco. Claramente que aquí ya se podía ver que se iba a transformar en una de las grandes voces del rock local, cosa que corroboró tanto en Mandrácula, como actualmente en Dama Juana.

Disfruten y descarguen "Perros Días" de La Banda del Capitán Corneta desde ésta dirección
http://www.mediafire.com/download.php?1nvw9e2m9z2

Aproveche, este disco simplemente ya no se edita más, así que es de las oportunidades que no pueden dejar pasar.

Y escuchen el programa en www.ladob-rock.blogspot.com

(Di)sonancias ochenteras

Famosos pero desconocidos, de culto pero denostados. La historia de Violent Femmes se nutre de contradicciones partiendo por la más importante de todas: su singular sonido. Mezcla de punk, folk y pop, esta banda proveniente de Milwaukee, Estados Unidos, hizo de la experimentación e innovación banderas de lucha de un estilo hasta ese minuto inexplorado.

Contrario a lo que sucedió para su lanzamiento en 1982, hoy los acordes del homónimo primer álbum de la banda nos suenan familiares -aunque no por eso repetidos-. Porque desde que Gordon Gano y compañía pisaron por primera vez los escenarios comenzó una historia que se sigue escribiendo hasta ahora y que los tiene como verdaderos abuelos no reconocidos de una herencia musical y performática que se reparte a lo largo de diversos géneros, décadas y trayectorias; dejando claro que pese a no liderar nunca los ranking, su influencia se ha ido acumulando con los años y es mucho más que una estampa en camisas rockeras.

Pero, ¿son realmente estas “mujeres violentas algo más que Blister in the Sun, su tema más famoso y que hizo furor entre los fiesteros universitarios de la época? La evidencia pareciera confirmar que sí, porque además de ser algo así como el primer grupo folk-punk de la historia -si es que existe tal denominación-, son los autores de un disco que innovó más allá de lo que estaba ocurriendo en ese entonces, adelantándose incluso en años a lo que luego sucedería en la música.

Porque al oír el disco sabiendo que fue realizado en los inicios de la década de los 80, llama la atención lo inusual de sus melodías y lo parecido que suena a lo que tiempo después se ejecutaría en forma un poco más masiva, siendo este un álbum que equilibra sabiamente los distintos temas de un disco marcado por otra de las contradicciones de la banda: que no todo es tan feliz como parece. Porque uno de los talentos de la voz nasal de Gano, las cuerdas de Brian Ritchie y los tambores de Víctor DeLorenzo fue explotar irónicamente el más visceral y masoquista de los sufrimientos: la angustia adolescente de ese nerd que todos llevamos dentro.

Y ya sea innovación, talento, suerte, locura o una mezcla de todo lo que condujo a este trío hasta los sonidos de su primer y más aclamado disco, es necesario escucharlo aunque sea una vez para decidir si vale la pena seguir explorando en otros de sus temas o simplemente quedarse con lo que ya es conocido: la aparente alegría de un hit famoso por demasiado tiempo.

Si quieres bajar Violent Femmes, disco debut de la banda pincha aquí: http://www.mediafire.com/download.php?01zm2nmwb1p

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Violent Femmes - Violent Femmes (1983)

A la espera del comentario de Alejandra sobre el disco homónimo de Violent Femmes, les dejamos la placa para que puedan descargarla en este link http://www.mediafire.com/download.php?01zm2nmwb1p

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Ladys and Gentlemans, ¡the Blues Explosion!

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Box set, ediciones de lujo o lados b. Raras versiones que en un inicio sólo un reducido número de personas conoce, hasta que el músico en cuestión -coludido o no con su disquera- lanza al mercado uno de aquellos discos que la mayoría de las veces sólo los fanáticos logran realmente apreciar.

Sin continuar precisamente esta línea, podemos incluir a la banda neoyorkina Jon Spencer Blues Explosion -hoy llamada sólo Blues Explosion- como seguidora de esta tendencia llevada al extremo. Porque entre 1998 y 1999 el trío lanzó al mercado tres LP’s bajo el nombre de Acme, donde el original se diferenciaba de las versiones posteriores –Acme Plus (UK) y Acme Xtra (US)- por su falta de apellido. Hasta aquí nada extraño, si no fuera porque esas dos secuelas son una misma versión que casi no poseen relación con el disco “original”.

Entonces, ¿porqué llamarlos por el mismo título?, ¿exceso de creatividad o flagrante negocio? Lo cierto es que en 1999 la noticia debe haber tenido al fanático-melómano-codicioso con una fuerte comezón en las manos y a la disquera, Matador Records, con una gran sonrisa de sólo imaginar sus bolsillos más abultados.

Lo interesante de todo esto, además de los puntos de trivia ganados, es acercarnos a un fenómeno de elitismo musical nada reciente que en este caso, constituyó una experiencia singular al haber hecho gastar los pesos del fanático en uno, dos o tres álbumes que son algo más que una versión “rara” extra o una carátula distinta.

A lo largo de los 19 temas que componen Acme Plus, nos encontramos con una selección más cercana a los puntos altos en experimentación y energía de esta banda de punk blues, que a las melodías explotadas en el más desabrido Acme sin apellido. Siendo un disco que logra imitar, aunque no igualar, el magnetismo de una puesta en escena conocida por hacer de las contorsiones de su vocalista y de su potencia sonora una inyección hacia las venas.

Yendo más allá de virtuosismos y técnicas, la placa posee temas como Chowder o New Year con los que deja en claro que lo único importante aquí es la reacción de los sentidos ante este ejercicio visceral de rock and roll. “La banda nunca frena entre canciones para tomar aire y arranca de nuevo apenas el público piensa que es tiempo de aplaudir”, fue la descripción que hizo años atrás la revista Mojo sobre uno de sus shows y que Acme Plus simula a la perfección. Una mezcla de energía, performance, ritmo y velocidad de la mano de Jon Spencer en voz, Judah Bauer en guitarra y Russell Simins en batería, efectuando un retrato que incluye el ingrediente que ha hecho grande a este trío desde su formación: la bendita y famosa explosión.


Acme Plus fue el disco de la semana el 17 de octubre, programa que puedes escuchar al igual que todas nuestras otras emisiones en: http://www.ladob.podomatic.com/

Para bajar Acme Plus pincha aquí http://www.mediafire.com/download.php?ahkfnzzzdhz y
si quieres el Acme visita acá http://www.mediafire.com/?bymlx2hkyas

Vote por Miles

Por Pamela Ramírez R.

Hacia 1972 el genial Miles Davis ya había sorprendido al mundo con joyitas como Kind of blue en 1959. Hasta la fecha las reverencias lo habían acompañado en cada ejemplo de maestría expresado con su trompeta, verdadero virtuosismo en clave de bronce.

Pero con la salida de On the corner, ese año 72, la recepción fue muy distinta. La crítica de la época lo vapulió, no comprendiendo la nueva propuesta de Davis, muy distinta a sus trabajos anteriores, la cual explotaba un sonido lejos al jazz convencional. Qué mal oído, más bien, qué ilusos, pues qué menos convencional que un personaje y artista como Miles.

Siempre dando un paso más adelante, Miles nunca pretendió enjaular al jazz, expandiendo sus límites (si es que existen) y cruzándolo con otros estilos como el rock y el funk. Es el caso de On the corner, el cual rescata a la calle como premisa, integrando guitarras eléctricas, un bajo con pulso más funky, además de una base en percusiones, cuyo resultado constituyó un referente para lo que posteriormente sería el hip-hop, el drum and bass y la electrónica.

Un impulso mucho más festivo se propuso Miles, para acercarse sobretodo a los jóvenes que habían puesto atención a otros estilos más populares y masivos como es el caso del rock.

En un nuevo especial de Lado B! decidimos dedicar nuestras dos horas de programa al jazz, palabra que es sólo eso, un intento por englobar lo inconmensurable. Hasta la fecha, la evolución que ha pasado por las big bands, el bebop, la grandeza de un Miles, un Coltrane, un Dizzie, Bird, Thelonius, por nombrar solo algunos, aún sigue su curso, enriqueciéndose con otros estilos e inspirandonos cada día.

Descarga el Disco de la Semana del especial de jazz en Lado B!: On the corner, de Miles Davis (1972) desde el siguiente link http://www.mediafire.com/?5kdlov2m31b

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Un Gruñido en la Oscuridad

Por Patricio Salazar.

Yo siempre he tenido la costumbre de visualizar en imágenes las canciones que escucho a diario. Tal vez por una vocación frustrada de cineasta o porque definitivamente Mtv terminó por podrirme las neuronas.

Sea lo que sea, la primera vez que escuché "Down III: Over The Under", tercer trabajo de la banda de Phil Anselmo lanzado en septiembre de este año, lo primero que se me vino a la cabeza era una ciudad polvorienta y devastada. Una destrucción teñida de polvo seco y esparciendose en los cerca de 60 minutos que dura el disco; una orbe en ruinas grises, a merced de esa muralla de gruesos riff que los chicos de Nueva Orleans tan bien lograron en esta tercera entrega.

Este desvarío mental en realidad no está tan alejado de las motivaciones que dieron vida a este albúm. Con su mente consumida aún por la culpa de nunca haber arreglado bien las cosas con Dimebag Darrel (Vean esto http://www.youtube.com/watch?v=nTlAHo5Kqa4), Anselmo tuvo que enfrentar una operación a la espalda que lo mantuvo alejado de los escenarios y la destrucción de Nueva Orleans a causa del huracán Katrina, sucesos que lo mantuvieron en una profunda depresión.

Su silencio preocupó a los fans quienes esperanzados por los excelentes trabajos anteriores de Down (N.O.L.A y Down II), esperaban con ansias la siguiente propuesta del incombustible Anselmo. Pero mas preocupaba a sus nuevos compañeros de banda, quienes veían como uno de los más grandes frontman del metal se iba hundiendo cada vez mas en la oscuridad. Asi fue como Pepper Keenan buscó al cantante y lo puso nuevamente al frente de Down logrando, ciertamente, la mejor placa de su historia.

Y es que "Down III: Over The Under" nos entrega una de las mejores interpretaciones vocales en años de Phil. Claramente ya no es el tipo que podía gruñir como el peor de los orcos para luego batirse a duelo de armónicos con Dimebag Darrel, como lo hizo en Cemetery Gates, pero aun conserva es timbre capaz de brutalizar hasta el más insípido de los lick de guitarra. Un rugido que es abrumador desde el comienzo y que es capaz de matizar con una voz cancina que obliga a tomarnos en serio a este hombre.

El trabajo en la guitarras por parte de Keenan y Kirk Windstein es solidísimo. Volviendo más las ideas que expusieron en N.O.L.A, la dupla genera riff gigantes de una distorsión fangosa y espesa, llenos de groove azotados por la firme, aunque no descollante, batería de Jimmy Bower. Otra de cosas a destacar es la utilización de pasajes acústicos en alguna de las canciones, recurso que ha caracterizado a Down en sus tres discos, y que debe ser una de sus propuestas más logradas. Porque si bien ninguno de los guitarristas podría ser sindicado como solistas destacados (no hay ningún solo que te permita asumir que estas frente a un talento superior) ambos saben trabajar extremadamente bien los sonidos limpios de sabor sureño con un poco de blues como condimento. La canción "Never Try" es un claro ejemplo de cómo el mundo interior es capaz de manifestarse a través de las entrañas en la música. Gran tema.

Otro de los aspectos destacables es el trabajo de posproducción del disco. Down II, su placa anterior, pecaba de una labor en las perillas algo desprolija, aunque en realidad no podemos saber si fue con intención o no. En cambio en este album, la mezcla suena increíblemente power. A cada instrumento se le extrae el máximo potencial, y las armonizaciones en las voces de Anselmo son perfectas. En resumen uno puede sentir como sale toda la frustración y rabia de quinteto a través del polvo de la orbe en ruinas. Claramente este es un disco que todos los fanáticos del Metal deben tener.

Y como en Lado B estamos por fomentar la música, les ofrecemos para descargar gratis "Down III: Over The Under", solo haga click acá: http://www.mediafire.com/?8wyybdzen44

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Iorio & Flavio - Peso Argento... Para pocos de los muchos

Por Manuel Catrilef Cea

Las colaboraciones entre músicos reconocidos siempre generan expectación y alimentan a los fanáticos de esperanzas de escuchar una obra maestra, de esas que no se olvidarán jamás en la vida.

Cuando a finales de 1996 se unieron los músicos de Almafuerte, Ricardo Iorio, y el bajista de Los Fabulos Cadillac, Flavio Cienciarulo, la prensa argentina y los seguidores de cada banda no supieron muy bien cómo reaccionar ante semejante proyecto. Iorio era un reconocido músico de Heavy Metal que siempre apuntó sus letras a temas sociales y políticos. Muy por el contrario, Flavio venía de una banda que se caracterizaba por hacer música fiestera, alegre, como es el ska, la política no la habían tocado mucho salvo algunas excepciones como la archiconocida "Matador" de su placa Vasos Vacios (1993). A la diferencias de estilo, también había que sumarle que el vocalista de Almafuerte siempre había criticado a los Cadillacs por ser apolíticos. Heavy Metal comprometido y ska fiestero... claramente no se veía por donde podría ir la cosa.

Pero ese cambio de actitud en la banda de Cienciarulo, en el acercamiento a temas más ideológicos (que mejor ejemplo que "Mal Bicho" del disco Rey Azucar) logró que entrara en sintonía con Ricardo Iorio cuando comenzaron a hacerse amigos en 1996. De ahí que se dieran cuenta que ambos eran argentinos, que querían a su país y que no eran ciegos ante las situaciones de desigualdad que se producían en su nación. Y ese es el concepto clave que finalmente daría vida a "Peso Argento" (1997), el de nación, una serie de rasgos comunes que producen en una masa de gente un sentimiendo de identidad.

Más allá de la típica arenga anti neoliberalista, la placa insta a darle el lugar que se merecen a los pueblos originarios de ese lado de la cordillera, no dejándolos como los más importantes del país, sino como iguales al resto de los argentinos. El trabajador y el indio no son distintos, son argentinos. Por eso el disco está matizado entre los sonidos típicos del folcklore altiplánico y de la patagonia, y las guitarras duras que son la representación de la ciudad. Y a pesar de lo que se pudiera creer, a lo largo del álbum tienen sintonía absoluta, no se sienten bruscos los cambios ritmo, desde la calma de "Cacique Yatel" hasta la genialmente rockera "Para pocos de los muchos".

Capítulo aparte es la versión punk de "Mal Bicho", que si bien es notable, queda la sensación que se colocó un tanto a la fuerza, como un gancho comercial (lo cual no tiene nada de malo).



He aquí el link del disco para que los descarguen y disfruten esta gran dupla que formaron Iorio y Flavio . http://www.mediafire.com/download.php?fttddwmzmmk

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Jon Spencer Blues Explosion, o como las apariencias traicionan

Por Manuel Catrilef Cea


Un nombre que invita al engaño. Jon Spencer Blues Explosion tiene poco que ver con el género musical al que alude, pero no por eso es menos interesante. Los discos Acme (1998) y Acme Plus (1999) son dos placas que tienen un punto de nacimiento en común, pero que dejan sensaciones muy diferentes. La primera, la original, tuvo una recepción moderada de la crítica. Algo menos amables fueron los fans más puristas de la "indie music". Ante cualquier reminicencia pop tildan de vendidos a quienes idolatraban por no ser parte de la industria. Y Acme tiene mucho de eso. Soul en las vocalizaciones, Hip Hop en la batería, Funk en las guitarras... ¿y Blues? para otra ocasión quizás.

Acme Plus es otra cosa. Remixes, canciones que se quedaron afuera, nuevos nombres a algunos temas, y lo más importante de todo, un sonido muy distinto. Algunas introducciones bluseras, seguidas de guitarras más punk en ciertas canciones, pero la batería sigue con ese aire a hip hop, casi como si fuera un sampler. La voz de Jon Spencer es mucho más juguetona. El midtempo del Acme original se mezcla con la rapidez de los temas nuevos incluidos. Como una montaña rusa. El apellido plus (que se puede traducir como "más " o "mejorado" ) le hace honor al rebautizado nombre del disco.

Para que ustedes se hagan una opinión propia de ambos discos, les dejamos el acme original en este link http://www.mediafire.com/?bymlx2hkyas y en este otro Acme Plus http://www.mediafire.com/download.php?ahkfnzzzdhz

Escuchen el programa en nuestro podcast www.ladob.podomatic.com

Yo quiero ser un Ramone!

Por Pamela Ramírez R.

Iggy ya se venía contorneando desde hace un rato, Patti comenzó a despeinarse un poco antes, mientras un naciente CBGB daba tribuna a una nueva gesta musical en Nueva York, el punk. No pasó mucho tiempo para que unos chicos con pinta de pandilleros, unifromados con gastadas chaquetas de cuero negras y usando apegados jeans, como si se tratara de su propia piel, apareciera para dar una bocanada de aire fresco e intenso a los antros neoyorquinos, y de paso, al rock and roll.

Una nueva familia, (We're a happy family dirían, aunque con el tiempo se supo de que sufrían de disfuncionalidades como cualquier familia común), The Ramones, nacía. Johnny en guitarra, Tommy en batería, Dee Dee en bajo y el desgarbado e ilustre Joey en la voz, jugaron con lo que venían escuchando desde que el rock and roll les paró los pelos en sus adolescentes días, como las inocentes primeras canciones de los Beatles, dándole velocidad, letras pegajosas y ruido al extremo.

Toda esa intensidad se traduce en su primer disco, rápidamente grabado en menos de un mes y con el bajo presupuesto de 6.400 dólares, lanzado en 1976 con el simple nombre de "The Ramones". Desde lo primero que escuchamos, el ya mítico Hey Ho Let`s go!, este disco no te suelta hasta botarte luego de casi media hora de no parar de gozar. La acogida fue fría en Estados Unidos, nadie tomó en cuenta a unos pendex vestidos todos iguales, cantando sobre la calle, los nazis, la frustrada invasión gringa a Cuba o sobre una chica punk llamada Judy. Uf! qué niños más ruidosos. Por eso los amamos.

Claramente a ellos les daba lo mismo, sus canciones de dos minutos cruzaron el Atlantico por ese mismo tiempo, llegando a Londres, tocando en tres funciones en el Roundhouse y regando las semillas que luego emergerían como fructíferas callampas de nombre Sex Pistols, The Clash, The Damned, y muchos otros punketas que hasta el día de hoy reconocen la fuerte influencia de estos chascones con chasquilla.

El primer disco de los Ramones no cuenta entre los mejores álbumes en cuanto a calidad, a esfuerzo en la producción, etc. La verdad es que a estas alturas no importa, pues el ruido y la desprolijidad de las primeras canciones de estos chicos trajeron aires nuevos al rock y sin querer queriendo, abrieron nuevas vetas para seguir expandiendo esto que tanto nos gusta.

Por eso es el disco de la semana en Lado B! Disfrutenlo y no paren de mover la cabeza y todo el cuerpo, es inevitable. Si les interesa la historia de Los Ramones, una buena fuente de información es el documental "End of the Century", donde se revisa su trayecto, las disputas, sus vidas y por supuesto, las adoradas canciones.

Recuerden que pueden desacargar ACÁ el disco homónimo de los queridos Ramones.

Sigan escuchando Lado B!

Saludos

A la espera que Pamela nos deleite con su artículo, les dejamos el disco de la semana para que los descarguen. The Ramones y su disco homónimo es el elegido de esta semama, y el link para descargar es este http://www.mediafire.com/?fb00hazze41

Ojalá lo disfruten y escuchen el programa!!!

ladob.podomatic.com

La Guitar Extravaganza Se Apodera de Chile

Asi es. El próximo mes de noviembre el genio de las seis cuerdas visitará una vez más nuestro país.

El día 9 de diciembre tocará Steve Vai en el Polideportivo Sausalito de la ciudad de Viña del Mar, mientras que al día siguiente lo hará en el Court Central del Estadio Nacional. Todo en el marco de su gira "Sound Theories 2007".

Las entradas pronto estarán a la venta, así que visiten nuestro Blog para enterarse de los preciosy puntos de venta.

El Sudor Sobre Las Lágrimas

Por Patricio Salazar.

Cuando Kurt Cobain decidió tirar del gatillo ese 5 de abril de 1994, se silenció una de las voces más intensas del último tiempo. Esa que llevó a un muchacho de Aberdeen directo al estrellato mundial y lejos de una ciudad con altísimas tasas de suicidio. Irónicamente, al final de este viaje el círculo se cerraría.

Nadie nunca esperó que los aullidos desesperados de un "Freak" podrían hacer tambalaear el Star System musical americano y mundial. De pronto la danza de millones que rodeaban a las grandes estrellas del Pop y del Rock se rendían frente a un chico delgado, víctima del abuso escolar y traumado por la separación de sus padres.

El timbre de su voz no era para declararle amor a nadie, ni para ser complaciente con un mundo que no estaba hecho para él y en el cual nunca quiso encajar. El desgarro de su garganta estaba hecho para reventar luces de neón, agrietar las barreras del glamour y romper con todo ese cinismo que se había apoderado de la música en los años 80. En las venas de su tenso cuello se podían ver el pulso de un corazón honesto, cada vez que cantaba sobre un escenario.

Es por todas estas razones que la salida al mercado de MTV Unplugged in New York (1994) como obra póstuma ese dejó un cierto aire de deuda. La sesión para la cadena norteamericana sin duda desnudó ese interior oscuro de Kurt al que solo unos pocos se habían acercado de forma tan íntima, pero no lograba resumir en toda su dimensión la brutal energía del artista, ni su paranoia frente a las amenazas de una realidad que sólo él podía ver.

La guitarra acústica no podía sacudir de la misma forma nuestros sentidos como la frenética distorsión de su Fender Jaguar que bufaba como sabiendo que probablemente, al final de la actuación, sería sacrificada en nombre de Kurt y toda la "Generación X". La potencia del " En Vivo".... el sudor sobre sus propias lágrimas.

La aparición en 1996 de "From The Muddy Banks of the Wishkah" (río sobre el cual ser esparció una parte de las cenizas de Kurt) llenó ese espacio en el legado de Cobain. Este disco recopila actuaciones en vivo de una serie de conciertos en donde uno es capaz de comprender la fuerza que transformó al trío en leyenda. Desde el nervio en los brazos de Grohl, pasando por el sólido acompañamiento de Novoselic, hasta llegar a la esquizoide interpretación del rubio vocalista, es un trabajo redondo y digno de la carrera de Nirvana.

Los temas tiene ese tempo de "en vivo", acelerados por la adrenalina al tope de unos artistas tímidos frente a miles de personas. Fallas de interpretación cada vez que el goce superaba a la concentración. Muestras como "Milk It", donde declara ser su propio parásito, los quiebres llenos de Groove de "Tourettes" y la siniestra atmosfera de "Heart Shaped Box" espaciendose por la arena de conciertos, declaran de forma abierta que no sólo estabamos frente a un fenómeno músical, sino que tambien social y cultural.

En resumen un gran, GRAN disco que todos los fans de la banda debería escuchar.

Y como en Lado B estamos por la buena música, le dejamos este link para que puedan descargarlo de forma directa cuantas veces quieran: http://www.mediafire.com/?ewmhn24oumn

No olviden escuchar Lado B a través de nuestro podcast: http://www.ladob.podomatic.com/ y de la radio JGM en http://www.radiojgm.uchile.cl/ todos los miércoles a las 17:30, hora de Chile.

No más de lo mismo

Por Manuel Catrilef Cea

Es raro lo que pasa con algunos grupos. Artistas como AC/DC o B.B. King pueden hacer el mismo disco diez mil veces y nos encanta que lo hagan. Nos los criticamos, aceptamos que se repitan a sí mismos porque lo que crearon aquella primera vez que comenzaron a tocar sus guitarras lo querremos con ansiedad y en grandes cantidades, como si sufriéramos síndrome de abstinencia.

Pero hay otras bandas con las que no pasa lo mismo. Lo que nos ofrecieron una vez está bien, lo disfrutamos a concho, pero no queremos que nos sirvan el mismo plato. Como melómanos nos tomamos la atribución de exigir otra cosa, parecida y a la vez evolucionada, mejorada, sorprendente.

Eso es lo que a muchos nos pasó con Amorphis. Las placas The Kalerian Isthmus (1992) Tales From The Thousand Lakes (1994) y Elegy (1996) fueron buenos discos, el primero dominado por el Death Metal y los segundos por el Doom. Pero no, la mayoría no habría estado dispuestos a darle mayor atención si nos venían con lo mismo. Y Amorphis parece que tomó recado.

Cuando apareció Tuonela el 99', los finlandeses dejaron atrás el metal puro y trajeron a la palestra elementos musicales que pocos imaginamos mezclados. Le robaron una página todas las bandas de hardrock de los 70' y usaron teclados al estilo hammond, que a su vez estaban guiados por guitarras que tenían una distorsión a medio camino entre fuzz y metalera, muy al estilo stoner. Y por si fuera poco jugaron con voces guturales y limpias con cambios bruscos en la misma canción. No hay que dejar de lado los notables arreglos de guitarra y teclado inspirados en las melodías árabes en varios de los temas.

Lo que sí conservaron de sus discos anteriores fueron las letras. La mayor parte de ellas están inspiradas en el libro "Kalevala" de Elías Lönrot que, muy al estilo de "El cantar del mio cid" o la obra musical de Wagner "El anillo de los nibelungos", relata la generación mítica del pueblo finlandés. Dentro de tantas historias de caballeros medievales y copias baratas del imaginario de la tierra media de Tolkien que dominan el Metal europeo, el aire nuevo que trajo Amorphis se agradece.


Por todo eso, y mucho más que ustedes mismos podrán descubrir, es que esta semana les traemos el gran Tuonela de Amorphis. Este es el link para que descarguen el álbum http://www.mediafire.com/download.php?8lttm24iynb


Recuerden escuchar el programa en nuestro podcast, www.ladob.podomatic.com


Y pronto estará disponible también el nuevo disco de PJ Harvey y la película Easy Rider, así que estén atentos.

Charlas rock en el Británico

Como dato para los rockeros ilustrados este jueves 27 de septiembre seguirán el ciclo de charlas de rock "Cool Britania Meets America" en el Instituto Chileno Británico de Cultura.

En esta ocasión, el tema será "The 70's Re-alignment: The singers songwriters, hard rock, reggae, punk, new wave & disco, UK & USA as one", producido por Rockaxis y a cargo de Alfredo Lewin.

La charla se llevará a cabo en la sede de Metro Santa Lucía, Miraflores #123, a las 19:30 horas.

Los cupos son limitados y hay que hacer reservas a los teléfonos 4132000 y 4132001.

Ojalá puedan ir!

El acierto inicial

Por Pamela Ramírez R.

En el trayecto del rock chileno hay mucho de intento, otro poco de sobrevaloración y un poco menos de acierto. Bueno, este es invento de gringos, dirán algunos, qué más le vamos a hacer. Por algo hay tanta imitación, agregarán otros. Pero si algo tienen los aciertos de nuestro rock, es justamente de saber tomar eso que vino de afuera y adoptarlo como si hubiera crecido en tierra propia y firme, y no se trata simplemente de ponerse a cantar cuecas en formato ondero y rockanrolero, como piensan muchos músicos chilenos que aspiran a ser aciertos y se quedan a medio camino.

En este especial de fiestas patrias de Lado B! quisimos destacar uno de esos aciertos, que si bien fue conciso, hizo lo suyo en su época y hoy se le recuerda como un paso importante de destacar en la construcción de nuestra historia rockera.

Tal como el rock en general celebra los 40 años del Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band de The Beatles, nosotros, con modestia podemos honrar a un disco que cimenta la fundación del rock local y tiene la misma cantidad de años: Kaleidoscope Men de los porteños Los Mac`s.

Los Mac’s se formaron en Valparaíso en 1962, en torno a los hermanos David y Carlos Mc Iver, además de Willy Morales y Eric Franklin. Cuando el ambiente que te rodea es un bodrio, hay varias vías posibles de tomar. Una, es la evasión total, otra es entrar al sistema que te impera y otra, mucho más valiente, es hacer algo que lleve a la superación, a un cambio a la situación que detestas y contra la cual te quejas cada día.

Esa fue al parecer la consigna de estos jóvenes músicos, quienes hastiados de la moda de la Nueva Ola que reventaba los oídos de las calcetineras y chicos engominados de la época, decidieron hacer un grupo que tomara lo mejor de sus ídolos del rock & roll. Los primeros intentos no fueron muy virtuosos, básicamente sus primeros discos ( se trataron de covers, que más que decir algo de ellos, repetían el standard de las bandas imitativas y sin personalidad propia.

Aún así, por esos años se forjaron algo de éxito que les permitió ir donde el director del sello RCA, Hernán Serrano, para proponerle la realización de un disco distinto, con canciones propias y un sonido renovado y algo más ambicioso. El director acepta y luego de tres meses de grabación en los estudios del sello, sin presiones de las altas jerarquías y el convencimiento de que algo nuevo y refrescante se formaba, Los Mac's lanzan su tercer disco.

Kaleidoscope Men destaca por su intención renovadora, sus composiciones y letras casi en su mayoría de autoría del grupo, a pesar de que casi todas son interpretadas en inglés, más por un asunto de fonética a mí parecer, que por un afán imitativo, ya que contaron con una profesora de inglés que les tradujo a ese idioma las líricas que habían creado para el disco. Otro de los hitos que contiene este álbum es que posee la que se considera la primera canción del rock chileno con todas su letras, "La muerte de mi hermano", la cual fue compuesta por el cantante de la nueva canción Payo Grondona y luego adaptada por Los Mac's. La óptima calidad del sonido, hace que el disco tenga una sonoridad que destaca por sobre otros álbumes de la época, gracias a la intervención de Luis Torrejón, uno de los ingenieros más importantes de Chile.

Es así como Los Mac's se inscribieron como una de las bandas fundacionales del rock chileno y de la cual ya puedes descargar Kaleidoscope Men en la dirección: http://www.mediafire.com/download.php?elozxlaxzyj

Y no olviden escuchar Lado B a través de nuestro podcast: http://www.ladob.podomatic.com/ y de la radio JGM en http://www.radiojgm.uchile.cl/ todos los miércoles a las 17:30, hora de Chile.

Disco de la Semana!

A la espera que nuestra querida Pamela actualize el blog con su artículo, les dejamos mientras tanto el disco de la semana para que los descarguen, Los Mac's con Kaleidoscope Man.

http://www.mediafire.com/download.php?elozxlaxzyj

Disfrútenlo y escuchen el programa!

Melenas y guitarras

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Si un día te encontraras con un personaje que camina por el centro de la ciudad enfundado en unos ajustados pantalones de cuero y exhibiendo una portentosa cabellera escarmenada como si la laca pronto se fuera a acabar, lo más seguro es que no podrías contener la risa o la sorpresa ante tamaño look. Pero, si a ese joven lo situaras en una ciudad como Los Ángeles en plena década de los 80, lo más probable es que tú también lleves dicho peinado al viento o que, por lo menos, reconozcas en él a un fanático del glam metal.

Glam Rock: género musical nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar en la década de los 70. Su nombre es una contracción de la palabra “glamour”, una de las principales cualidades de la estética de estos músicos, quienes jugaban abiertamente con la ambigüedad sexual, la teatralidad y mucho maquillaje. Ejemplos de ello son David Bowie, T Rex –cuyo líder, Marc Bolan, es indicado como el precursor de este estilo- o Roxy Music.

Glam Metal: subgénero del heavy metal surgido en Estados Unidos. Tuvo mucha popularidad durante toda la década del 80 y principios de los 90. Debe sus influencias a la imagen recargada del Glam Rock y a la sonoridad de bandas como AC/DC, Van Halen o Alice Cooper. También es llamado de manera despectiva como Hair Metal, por el gusto de muchos de estos músicos por peinarse con demasiado spray fijador (o laca).

A esta última especie pertenece el sujeto en cuestión y, como en Lado B no hablamos de cosas por hablar, todo este ejercicio semántico se debe a que el especial que da inicio a este mes de Septiembre está dedicado a ese particular fenómeno comercial y musical llamado glam metal, que en plena década de los 80 arrasó con las ventas, logró legiones de fanáticos y se alzó con un sitial en la historia, para bien o para mal, en lo que a fenómeno musical de masas se refiere.

Pero estas bandas no sólo pueden ser recordadas hoy por la llamativa imagen que presentaron en el escenario, sino también por aquellos solos de guitarra que todo tema debía poseer –lo que nos recuerda que estos chicos muchas veces eran algo más que un pelo bien hidratado- y por las famosas power ballads que el movimiento patentó. Porque ya fuera Poison, Warrant, Skid Row o Cinderella, el grupo en cuestión no podía lanzar un disco al mercado si no contaba con una buena balada rockera que asegurara el deleite de sus fanáticos. Porque, ¿qué sería para la memoria Europe sin Carrie o White Lion sin When the Childrens Cry?

Y en medio de toda esta fauna surgió una agrupación que bajo el mando de su líder y guitarrista Tracii Guns, fue parte del espíritu de la época. ¿Su nombre? L.A. Guns, banda formada en la ciudad norteamericana de Los Angeles el año 1983 y que con Cocked and Loaded (1989), su segundo disco, logró algunos de los grandes hits de la agrupación y el mayor éxito comercial de toda su trayectoria. Precisamente es esta segunda placa la que les presentamos como disco de la semana en Lado B, y donde la banda logró afianzar un sonido más rockero que en su primer álbum, aunque sin descuidar nunca la power ballad de turno que, bajo el poco original nombre de Ballad of Jayne, ha sido uno de los más importantes singles en la carrera de este grupo.

Y si a alguien le suena conocida la palabra Guns en una banda de melenas escarmenadas, es porque la famosa agrupación Guns n’ Roses, liderada por el cantante Axl Rose, debe su nombre a la combinación de L.A. Guns –donde Axl fue vocalista por un corto periodo- y Hollywood Rose -la banda hacia donde emigró posteriormente-.

Luego Tracii Guns se retiraría de Guns n' Roses para reformular L.A Guns con el que, cambios más, cambios menos, se mantiene activo hasta hoy y que fue, dentro de la escena glam metal de la época, una banda conocida y luego sobreviviente de una década marcada por el éxito, la fama y el olvido de una industria que se puso a los pies de estas agrupaciones y en el inicios de los años 90 las desechó; cuando los peinados se desinflaron y las camisas leñadoras hicieron su aparición con aquel aullido musical llamado grunge.

Si eres un nostálgico de la época o simplemente quieres saber a qué sonaba el rock más popular en los 80, no olvides bajar el disco de la semana Cocked and Loaded de L.A. Guns en http://www.mediafire.com/?21ejb3g3cxp

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Led Zeppelin regresa a las pistas

Ya lo habíamos discutido en ediciones anteriores de Lado B! y todo parecía mucho ruido y pocas nueces. Pero, tras meses de especulaciones, finalmente los legendarios Led Zeppelin se reunirán luego de casi 30 años de su separación, según informaron hoy diversas agencias y tal como sale en La Tercera y Rockaxis.

Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones, se reunirán en un concierto benéfico de homenaje a Ahmet Ertegun, cofundador de la discográfica estadounidense Atlantic Records. El 26 de noviembre, las leyendas vivientes actuarán en el O2 Arena, un auditorio con capacidad para unas 20 mil personas y contarán con teloneros de la talla de Pete Townshend y Bill Wyman, ex bajista de los Rolling Stones, entre otros.

Ahmet Ertegun, quién falleció en diciembre de 2006, apostó por Led Zeppelin en los años sesenta tras escuchar una maqueta del mítico grupo británico, y apadrinó en aquella época a otros conjuntos que despuntaban en el Reino Unido, como los Rolling Stones. "Esta actuación es un tributo al trabajo y la vida de nuestro antiguo amigo", dijo Robert Plant en una escueta declaración difundida por la organización.

Y para quienes se preguntan quien tomará el lugar del baterista John Bonham, que falleció en 1980, el asiento lo ocupará su hijo Jason Bonham, quien también está en el rubro de las baquetas, pero haciendo lo suyo en grupos como Foreigner y ese intento de supergroup llamado "Damnocracy".

Las entradas para el acontecimiento costarán 125 libras (185 euros ó 250 dólares) y la recaudación se destinará al Fondo de Educación Ahmet Ertegun, que facilita becas a estudiantes universitarios. Debido a que nadie se quiere perder tamaño suceso (dichosos aquellos que podrán ir!), los interesados en asistir al concierto tendrán que registrarse en la página de Internet http://www.ahmettribute.com/ para optar a una entrada en un sorteo.

Esta semana en Lado B!

En una nueva sesión de Lado B! podrán deleitarse o tirarse las mechas con un nuevo especial. Esta semana quisimos sacar del baúl algunos placeres culpables de muchos y reunir en nuestras dos horas de programa a una selección de bandas glam metal o también bien llamado "Hair Metal". Tacos, pelos enlacados y voluminosos, letras machistas y huecas, lo cierto es que para bien o para mal bandas como Warrant, Skid Row, Ratt o el símbolo sexual (objeto) Lita Ford existen y punto.

El disco de la semana es L.A Guns y "Cocked and Loaded", comentado a la brevedad por doña Ale Zúñiga.

No se pierdan Lado B! en nuestro podcast

Saludos!

El Goce Hecho Creación

Por Patricio Salazar.

Hubo un momento en la historia reciente, comienzo de los años 90, en que la promiscuidad era ley. Aburridos de los formalismos y las formulas probadas, no faltaron los lujuriosos que fueron en busca de nuevas sensaciones. Decidieron experimentar con todo y meterse con todos. El desenfreno consumió a algunos, mientras que otros fueron capaces de crear nuevas formas de vida.

El camino no fue facíl. En medio de un mundo dividido en Rock y Pop, estos nuevos deseos no cayeron del todo bien a la vista de los más puristas. En una entrevista hecha a la revista Metal Hammer, Head, ex guitarrista de Korn, cuenta como eran los primeros shows de Faith No More:

"Recuerdo que todo el mundo les pifiaba y los trataba de hijos de puta solo porque Mike Patton trataba de hacer algo parecido al Hip Hop. Todos se metían con ellos y yo solo podía pensar en que nunca había escuchado algo parecido"

Sin embargo, mientras más crecia la orgía, la líbido se hacia cada vez mayor. Rock, Funk, Hip Hop, Metal, Punk, Pop, Country, Electronica, todo era digno de ser asimilado. Gente como Trent Reznor, Johnny Greenwood, Tom Morello, Munky o Les Claypool comenzaron a criar engendros capaces de romper todos los moldes establecidos. Nuevos caminos sensoriales se abrieron para una juventud marcada por la apatía y el desencanto. Las nuevas crias lograron llamar la atención de la Generación X, quienes no dudaron en adoptarlas y llevarlas a dominar el mundo.

Así pudimos saber que el groove del Rap podía sacudir sociedades acompañados por la distorsión de una guitarra electrica. Que los sintetizadores tenían alma endulzados por los sonidos inteligentes del Brit Pop novenetero, o podian ser furiosos gracias a Nine Inch Niles y que aún quedaban tantas cosas nuevas por oir, como personas únicas para hacerlas.

Entre ellos se encontraban 4 rastafarios que en los 80 ya habian reescrito el manual del Punk levantado por Sex Pistols y The Ramones con su Hardcore Politico. En el cambio de década, Bad Brains, decidieron experimentar con el Reggae y el Nuevo Metal, gracias al hambre musical del guitarrista Dr Know y a la personalidad esquizofrenica de "HR", frontman de la banda.

El resultado es el disco "God of Love" de 1995, un album algo indefinido, pero que contiene algunos destellos de un ser que no logró desarrollarse por completo. Canciones como Thank Jah, Justice Keepers o la canción que le da nombre al disco logran una exquisita combinación entre los nuevos power chords del metal noventero y ese típico timbre amable de la entonación vocal en plan Reggae.

Como si por fin se pudiera oir físcamente toda esa intensidad agresiva espiritual que uno sabía que existía en gente como Bob Marley. Toda esa fuerza que uno solo podía intuir, ahora desbordada en kilos de distorsión saliendo por los altavoces. Sin embargo, la criatura nunca lograría tener vida propia.

Como siempre, nuestra intención es darles a conocer lo mejor de la música, por eso pueden descargar el disco de la semana de Lado B, “God Of Love” de BAD BRAINS en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/?2ymd1y1z5bd

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Décadas de joya

Por Pamela Ramírez Riquelme

Quienes tienen el privilegio de haber vivido varias, o sólo algunas en mi caso, de las décadas que han visto correr por sus años a los camaleónicos sonidos del Rock & Roll, saben que en ese largo camino se han encontrado con innumerables voces, solos de guitarras, letras para recordar mientras se va por la calle o melodías para dedicarle a la novia o novio de turno.

Pero también, sabemos que en medio de tanta buena, y por cierto pésima, música, existen piezas que no sólo nos robaron su atención por un rato, sino que nos deslumbraron y se quedaron en nuestras vidas sonoras para siempre. Verdaderas “joyitas” que sin querer queriendo, reflejan un sentir individual y a la vez, pueden llegar a convertirse en la voz de una generación o el latir de una década completa.

“Tommy” de The Who, “Are you Experience” de Jimmy Hendrix, "Nevermind" de NIrvana, el primer disco de Elvis o cualquiera de los grandes clásicos de The Beatles… la lista es grande pero selecta. Encuentras listas arbitrarias en las grandes revistas y a veces no estás de acuerdo, per para eso existen las propias selecciones que catalogamos por años, alegrías, penas, lo que la música te provoque.

“Quiero que este disco sea el The Wall de la Generación X”, decía sin aspavientos Billy Corgan al minuto de referirse al por ese entonces su nuevo disco: “Mellon Collie and the Infinite Sadness”. No sé si el quizá ambicioso deseo del pelao Corgan se habrá hecho realidad al pie de la letra, pero sin duda si hablamos de imprescindibles en la década de los 90’s, el tercer disco de estudio de The Smashing Pumpkins lo es, sí o sí.

Al mismo tiempo de marcar un hito en la música, los Calabazas instalan un antes y un después con “Mellon…”. Nada volvería a ser igual para ellos en sus discos posteriores y hasta hoy tengo la esperanza de que la lucidez retorne para estos músicos, especialmente para el cerebro de Corgan. El grandilocuente álbum doble de más de dos horas de duración, contiene 28 canciones transitan desde el ensueño y la inocencia, hasta la rabia desatada por el desamor o la pasividad postmoderna. “Despite all my rage, im still just a rat in a cage”, escribió Corgan, dando cuenta de que por muy rebeldes que seamos por dentro en estos tiempos, siempre hay un sistema que te está encajonando. Puro sentir noventero que trasciende hasta esta nueva era.

Queda poco para terminar esta, la primera década del siglo 21. Mirando hacia atrás, aún no se me ocurre ningún disco que haya marcado demasiado como un “Mellon Collie…”, o un “Ten” de Pearl Jam. Quizá es necesaria la distancia para apreciar mejor, aún queda tiempo para que alguien nos sorprenda. ¿A usted querido lector se le ocurre alguno?

Mientras lo piensan, pueden descargar el disco de la semana de Lado B, “Mellon Collie and the Infinite Sadness” de The Smashing Pumpkins en las direcciones:

http://www.mediafire.com/?4ymvuxmsiem (Álbum1)
http://www.mediafire.com/?0t3zmytuyfp (Álbum2)

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Narcotizando sonidos

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Una voz profunda, nada de guitarras, mucho de saxofón, batería y un bajo de dos cuerdas mezclados con los sonidos del jazz, el blues y el rock, fueron los ingredientes utilizados por un trío de músicos bostonianos para dar vida a Morphine, banda nacida en la década de los 90 y que, hasta el día de hoy, sigue como un verdadero tesoro escondido.

Porque Morphine suena a música de trasnoche, a luces silenciosamente oscuras, a la energía del rock y la intensidad del jazz reunidos en un mismo salón. Porque Morphine fue una de esas bandas que pudieron ser populares por su innovación y carisma pero que, quizás fue mejor así, dejaron los estadios para gente realmente “famosa” como Michael Jackson o Madonna, como el mismo Mark Sandman -vocalista de la banda- decía y se dedicaron a recorrer pequeños bares, clubes o festivales hacia donde siempre los acompañaba su fiel público.

Y lamentablemente, el tiempo pasado en que debemos referirnos a esta agrupación no es porque los egos o el aburrimiento de sus integrantes hayan terminado con la historia que partió, en los inicios de la década grungera de los 90, con el disco Good (1992), sino por la prematura muerte en 1999 de Sandman, quien con 47 años y un disco recién terminado –Night, lanzado el 2000-, sufrió un ataque cardíaco que lo mató en medio de una presentación en escenarios italianos, cumpliendo algo así como una trágica fantasía del mundo del rock.

Pero esto es sólo parte de la triste anécdota. Lo importante es seguir disfrutando con los sonidos únicos de Mr. Sandman y compañía y, para eso, nuestro pequeño aporte a la causa lo hacemos entregándoles el segundo y más aclamado disco de la banda, "Cure For Pain" (1993), que podrás descargar en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/?51jtdy1vyue

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Música y Buenas Letras = Rock!!!

Por Manuel Catrilef Cea

Hace un tiempo vi "Music & Lyrics", película protagonizada por Drew Barrymore y Hugh Grant. Es una típica comedia romántica con final feliz como las hay por montones. Si la pueden ver ...bien, sino, también, no les va a cambiar la vida el film, se los aseguro. Lo que sí me llamó la atención fue una frase que dijo Sophie Fisher, el personaje de Barrymore, en relación a como uno se "enamora" de las canciones... "Una melodía es como ver a alguien por primera vez. La atracción física... Sexo. Pero luego, cuando vas conociendo a la persona... esa es la letra. Su historia. Quiénes son por dentro"... ¿Cursi? Evidentemente ¿Cliché? Hasta reventar, pero no por eso deja de tener algo de razón.

Lo que ha marcado históricamente la diferencia entre el rock y el pop son sus letras, pues en melodías hay muchas canciones poperas que poseen estructuras tanto o más complejas que varias rockeras (fíjense en los temas de Madonna, hay una cantidad de capas de sonido impresionantes).

Nuestros queridos tarros heredaron esa característica de aquellos negros en el siglo XIX, quienes trabajaban día y noche en las plantaciones de trigo y/o algodón en Estados Unidos. Con su guitarra de palo tenían que desahogar sus penas para hacer llevadero su lamentable rol de esclavos. Es así como vertieron sus lágrimas en melodías que describían sus pesares, los malos tratos de sus amos y aquellos anhelos de una vida mejor. Por eso se le llama música del alma, porque es la que más sufre y que necesita expresarse cuando se nos priva de algo que queremos, en este caso la libertad.

Y desde ese entonces es que el hijo pródigo del blues ha llenado su melodía con letras que han abarcado temás tan distintos como la diversión a destajo sin moralidades estúpidas (rock 'n roll), el fin de las mentiras cristianas (metal), el derecho a hacer con nuestro cuerpo lo que queramos (psicodelia), putear, gritar y llorar por el siempre vilipendeado amor, etc. ¿Cómo no sentirse infinitamente atraído por un estilo que abarca casi todas las sensaciones humanas?

Y por eso mismo, porque las letras importan y el rock no es un estilo para gente hueca, es que el especial de agosto está dedicado al género que por excelencia es sinónimo de pensamiento político y que significó el despertar contestario de toda una generación... El Punk se toma LADO B en esta ocasión.

El disco de la semana para que descarguen es "This Evil Things" de los británicos The Meteors.

Este es el link http://www.mediafire.com/?3dwn0gzzdb8

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Más allá de las definiciones

Por Patricio Salazar

Cada vez que se habla del mundo de rock el imaginario es el mismo: Chaquetas de cuero, actitud agresiva, muros de distorsión atravesados por baterias lacerantes y lineas de bajo que retumban en el pecho. Pura pasión revelada en una de sus formas más potentes.

Asi es como las melodías suaves y las voces cadenciosas quedaron injustamente segregadas a un ámbito distinto, uno marcado por los clichés, la "mamonería" y toda esa batería de elementos cursis que injustamente recaen sobre el siempre vilipendiado Pop.

Durante los 80, la Mega estrellas como Madonna, Michael Jackson, Cyndi Lauper y otros nefastos personajes hicieron suyo el témino "Pop" y lo bombardearon con una falsedad emocional que llenó de dudas para siempre la validez de los acordes limpios y esa capacidad intrínseca que tiene la música de ser simplemente hermosa.

Sin embargo, de tanto en tanto, surgen bandas o artistas que nos ayudan a entender que básicamente la verdadera música es una sola y que su elemento principal es la honestidad. No siempre el que mete más bulla es el que te sacude más la cabeza, sino es quien se conecta con el público a través de su emocionalidad hecha sonido y apela directamente a todas esas sensaciones que compartimos los seres humanos. Ya sea que nos guste el Harcore, el Punk, el Indie, el Metal, etc, cuando una canción toca una fibra del alma, lo hace sin mirar estereotipos.

Ejemplos hay demasiados. En plena década de los 90, cuando todo parecía ser oscuro y depresivo para los jóvenes rockeros, emergió un personaje hermoso llamado Shannon Hoon (Blind Melon) que fue capaz de filtrar pequeños rayos de sol en una juventud americana sin esperanzas. Gary Moore no tuvo reparos en dejar a un lado su exitosa carrera en el Heavy Metal y componer "Still Got The Blues", tema con el que vertió su ser de manera íntegra sobre la gente.Y el mismo Jimi Hendrix nos electrizó de forma similar con canciones como la monstruosa como "Voodoo Child" y la increiblemente bella "Angel", demostrandonos que rock y pop son simplemente rótulos vacios, que lo verdaderamente importante está por sobre las definiciones.

En el espíritu de los párrafos anteriores es que el disco de esta semana será "The Magic Numbers (2005)", de la banda del mismo nombre. Estos ingleses que durante el fin de semana pasado, en el Teatro Teletón, demostraron que no es necesaria una muralla de amplificadores para despertar las pasiones y que con un sonido simple, armonioso, pero por sobre todo honesto, se puede rockear en todo el impreciso sentido de la palabra.

Puedes descargar "The Magic Numbers" en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/?70jym1ufiwd

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Cuasi manifiesto (o sobre por qué nos pican las orejas)

Por Pamela Ramírez Riquelme

melómano, na.

(Del gr. μέλος, canto con acompañamiento de música, y ‒́mano).

1. adj. Apasionado por la música. U. t. c. s.

2. adj. Perteneciente o relativo a la melomanía.

Para los más aplicados, se trata de la combinación del ritmo, la melodía y la armonía. Para otros, no es más que un mero acompañamiento que pueda rellenar los odiosos silencios de una fome consulta dental o una excusa para tararear desde el piso número veinte hasta el segundo, marcado en un viejo ascensor. Y si le preguntamos a una chillona señora con bata y cachirulos, lo más probable es que diga que es un ruido desagradable.

Pero si fuéramos hasta donde un chascón sentado en un rincón de la micro, quizá con pinta de pocos amigos, medio autista y hasta un poco desaseado (por ponerle más color al estereotipo), y le dijéramos "oye, ¿qué es para ti la música?" lo más seguro es que responda lo que a cualquiera que se hace llamar melómano se le viene a la cabeza.

Una adicción, pasión, entretención, muchas veces hasta el mejor de los refugios. Porque para ti no se trata solamente de prender la radio y dejar que suene porque para eso sirve el aparato. Es escuchar y sentirse menos sol@, es digerir ese pianito que luego no se te va de la cabeza, imitar esa guitarra y creerse un rato Hendrix, un virtuoso Satriani o un sentimental Harrison. Esa es la gracia, hay música para todos los gustos, para nosotros es el rock, para otros Rachmaninov y el genial Beethoven. Bendita sea aquella libertad de poder escoger y el alivio de saber que esto no se acaba.

Como toda raza (o seudo tribu), tenemos varias costumbres que nos identifican. Todos somos Rob Gordon cuando vemos "Alta Fidelidad" y queremos tener todos esos discos para nosotros, así como cada uno tiene su propia lista de canciones que ilustran algún momento de nuestra corta existencia. También no faltan las obsesiones en algunos, ese gusto por saber todo sobre un álbum: el año, el productor, la canción oculta, quién hizo el arte, entre muchas otras excentricidades que consultamos en las enciclopedias de cabecera.

En fin, el manual del melómano podría seguir y ser actualizado cada día, mientras la música se siga transformando con el paso del tiempo, en formato de vinilo, el fiel cassette, el frío CD o el móvil Mp3. Y como en Lado B, somos todos unos fanáticos, quisimos aportar nuestro granito de arena al movimiento melómano con un nuevo especial.

Desde nuestra humilde condición de apasionados por el rock en todas sus vertientes, cada integrante recomienda un disco que no puede faltar en los archivos de nuestros ansiosos radioescuchas. De entre todos ellos, el álbum "California" (1999) de la inclasificable banda estadounidense Mr. Bungle, es nuestro disco de la semana, con su caos sonoro, rico en bossa nova, jazz, metal, ritmos de oriente y mucho más. Porque como ya todos sabemos, nunca es suficiente cuando de música se trata.

Puedes descargar "California" en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/download.php?brj33jxhdyf

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La Década de la Cabeza Parlante

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Para la generación veinteañera actual, los aniversarios musicales son la mayoría de las veces fechas prestadas por las generaciones anteriores que, ya mas viejas o experimentadas, ven con nostalgia cómo bandas, canciones o discos han crecido y madurado con ellos.

Este 2007 tuvo una de sus fechas más importantes en la celebración de los 40 años del mítico Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, álbum esencial para la historia de la música y para décadas de seguidores que ven en este disco una de sus mayores revoluciones. Un gusto trascendental para cualquier melómano, pero que por asuntos históricos, para nosotros es algo completamente heredado.

Buscando en los registros de nacimiento, nos encontramos con que este 2007 es también el aniversario de la primera década de vida –aún está en su niñez- de Ok Computer, tercer disco de la banda inglesa Radiohead, y que elevado hoy a la altura de imprescindible, es para nosotros un álbum que representa parte de nuestra historia.

Imágenes de destrucción y pesimismo acompañadas por la presencia de máquinas y hasta naves alienígenas son parte del imaginario que, en medio de la invasión de brit pop que dominaba la década de los 90, marcó un antes y un después en la música del momento con un disco que desencajó a muchos y gustó a todos. El martirio de este hombre postmoderno perseguido por sus demonios y las catástrofes mundiales iba acorde con la época, siendo uno de sus mayores aciertos saber estar en el instante preciso.

Y si todo este éxito no se hubiese dado, probablemente costaría imaginar que un disco con cargas inimaginables de quejidos pudiese tomarse las mentes de los fanáticos de todas las tendencias –desde felices poperos hasta acérrimos metaleros-, para tenernos hoy recordando que hace diez años, el mundo de la música recibió una de sus más recientes e innovadoras inyecciones de vida.

Si eres de aquellos que nunca ha escuchado el disco y quieres remediarlo ahora, puedes bajarlo de aquí: http://rapidshare.com/files/37385449/1997_-_OK_Computer.rar.

También te contamos que la revista Stereogum lanzó un disco tributo de covers a los temas de Ok Computer en: http://www.stereogum.com/okx/

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El horror hecho punk

Por Manuel Catrilef Cea

Es tan raro pensar que una banda punk fue clave en el sonido que después crearían bandas tan disímiles como Metallica, Guns 'N Roses o My Chemical Romance. Es que el punk con ese sonido tan básico y poco pulcro pareciera una limitación en sí mismo. Pero, como casi siempre, aparecen "los iluminados" que nos demuestran que cualquier cosa es mejorable o reinventable. Y The Misfits fue una patada en el culo para todos aquellos que pensaron que el punk estaba destinado a la muerte por su propia naturaleza anárquica, sucia y viceral.

En un primer momento, liderados por Glen Danzig y Jerry Only, los norteamericanos se dieron cuenta que el estilo al que pertenecían era algo tan simple y básico como el rock n' roll, algo más rápido y ruidoso, y por lo tanto su escencia era el espectáculo. De esa manera adaptaron a su forma todo el cine de horror clase b de las películas de los años 50 en adelante y lo hicieron propio. Ellos se volvieron personajes arriba del escenario, simulando ser esqueletos caminantes o zombies.

Si bien leyendas como Alice Cooper y Kiss ya habían hecho lo mismo varios años antes, no eran comparables con lo que hacían The Misfits. Claro, porque al espectáculo propio de la banda arriba del escenario había que agregarle la furia y el desenfreno que producían entre los punkies que asistían a sus recitales, con un slam imparable y gente volando de un lado para otro. Un concierto de The Misfits no es igual a ningún otro.

Y pese a que la banda ha tenido varias formaciones, y actualmente celebra una gira por sus 30 años de carrete no en su mejor forma, el legado sigue intacto.

Por todo lo anterior y mucho más, el disco de la semana es de ellos, el mejor registro de la segunda etapa de The Misfits, con Michele Graves en la voces, el gran "American Psycho" de 1997. Un disco punk agresivo, que por momentos hace guiños al thrash metal y que deja en claro que el trabajo de postproducción en un disco de este estilo musical es siempre un aporte. No porque un disco punk suene bien va a tener menos actitud por eso.

Aquí está el link para que lo descarguen http://www.mediafire.com/?d0yjndte4tr

y escuchen nuestro programa en www.ladob.podomatic.com y visiten nuestro flog en www.fotolog.com/ladob_jgm

Saludos!

Fusionándose con el sonido

Por Patricio Salazar

Hace no mucho, mientras vagaba por el inmenso oceano que Youtube tiene para todos nosotros, encontré una grabación en donde Dimebag Darrell reflexiona acerca de los viejos discos y los contemporaneos. (http://www.youtube.com/watch?v=1i_XN26SS4E , por si alguien quiere verlo)

Cámara en mano y ataviado solo con una toalla, Mr Dimebag habla del sentimiento que había en los viejos discos, ya que la imposibilidad de hacer posproducción a las grabaciones obligaba a los músicos a entregar los mejor de si en cada nota que tocaban.

La emoción de la música honesta, esa que sale en el preciso segundo en que el músico la siente y la transforma en sonido a través de su instrumento. Si bien Dimebag habla con una nostalgia muy parecida al sentimiento de pérdida, se olvida del último nicho en donde el sentimiento, el momento preciso y la música se unen para formar una de las cosas más poderosas inventadas en el siglo pasado: Live Rock and Roll.

Cualquiera que haya asistido a un concierto puede dar crédito a estas palabras. El momento en que se apagan las luces y empiezan a zonar los acordes de aquella canción que siempre escuchas en tu habitación, debe ser una de las sensaciones más fuertes que cualquier amante de la música puede tener. Ese donde el público se hace parte importantante de la música y donde la magia que se reparte por todo el público se manifiesta con gritos y gargantas desgarradas de tanto cantar.

Es por esta razón que el programa de esta semana está dedicado a los Discos en Vivo. Podrán escuchar a verdaderos monstruos como Pappo, Ozzy o Los Stones, tipos que sobre el escenario se portan como gigantes y logran que su música penetre en todas las almas presentes en el show.

Para bajar el disco de la semana, Ozzy Osbourne Live & Loud, pinchen la siguiente dirección: http://www.megaupload.com/es/?d=C9ZJX3XZ

Recuerden escuchar Lado B en nuestro podcast http://www.ladob.podomatic.com/

y en la radio JGM en http://www.radiojgm.uchile.cl/ todos los miércoles a las 17:30 hora de chile.

Celuloide Sonoro

Por Alejandra Zúñiga

Drama, guerra, terror, romance o suspenso. Cualquiera sea el género seleccionado, actualmente ver una película que no posea su adecuado y correspondiente soundtrack suena a algo así como un suicidio. Ya sea por intereses comerciales o artísticos, lo cierto es que hoy una cinta sin su consecuente soundtrack es algo inimaginable.

Porque la muerte de Janet Leigh en Psicosis sin los compases compuestos por Bernard Hermann para cada una de aquellas famosas cuchilladas no hubiesen sido lo mismo en versión muda, ni la caminata del elegante quinteto de asesinos de Perros de la Calle de Tarantino, tampoco hubiese quedado guardado en la memoria de la generación de los 90 sin el tema Little Green Bag de George Baker que la acompaña.

Y es que la música es un factor tan importante en el cine que, desde sus inicios a principios del siglo XX y pasada ya la efervescencia inicial de la pantalla grande, existió tanto en los espectadores como en la gente de la industria el deseo de dotar a las películas de su condición básica de realidad: el sonido.

Es así que en 1927 se estrena la que es considerada la primera película sonora de la historia, El Cantante de Jazz, donde paradojalmente el sonido provenía del canto y no de las conversaciones de los actores. Posteriormente la tecnología Vitaphone comienza a desarrollarse y se producen cintas donde los actores finalmente hablan, olvidando de a poco la sobreactuación que las películas mudas requerían y comenzando así la historia de la banda sonora como uno de los grandes elementos para generar el clima de una historia.

Nombres como Ennio Morricone, John Williams, Danny Elfman (y su conocida colaboración con Tim Burton) o Angelo Badalamenti (y su correspondiente participación con David Lynch) son algunas de las vacas sagradas de la música para cine, quienes junto a artistas de la talla de Bob Dylan o Nine Inch Niles -números más que habituales en los soundtracks-, podrán ser oídos semana a semana en la nueva sección de bandas sonoras de nuestro programa.


Para bajar el disco de la semana King For a Day Fool For a Lifetime de Faith no More, pinchen la siguiente dirección: http://www.mooload.com/new/file.php?file=file01/280607/1183049756/FNM+-+KFAD%2C+FFALT.zip&s=t
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