El acierto inicial

Por Pamela Ramírez R.

En el trayecto del rock chileno hay mucho de intento, otro poco de sobrevaloración y un poco menos de acierto. Bueno, este es invento de gringos, dirán algunos, qué más le vamos a hacer. Por algo hay tanta imitación, agregarán otros. Pero si algo tienen los aciertos de nuestro rock, es justamente de saber tomar eso que vino de afuera y adoptarlo como si hubiera crecido en tierra propia y firme, y no se trata simplemente de ponerse a cantar cuecas en formato ondero y rockanrolero, como piensan muchos músicos chilenos que aspiran a ser aciertos y se quedan a medio camino.

En este especial de fiestas patrias de Lado B! quisimos destacar uno de esos aciertos, que si bien fue conciso, hizo lo suyo en su época y hoy se le recuerda como un paso importante de destacar en la construcción de nuestra historia rockera.

Tal como el rock en general celebra los 40 años del Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band de The Beatles, nosotros, con modestia podemos honrar a un disco que cimenta la fundación del rock local y tiene la misma cantidad de años: Kaleidoscope Men de los porteños Los Mac`s.

Los Mac’s se formaron en Valparaíso en 1962, en torno a los hermanos David y Carlos Mc Iver, además de Willy Morales y Eric Franklin. Cuando el ambiente que te rodea es un bodrio, hay varias vías posibles de tomar. Una, es la evasión total, otra es entrar al sistema que te impera y otra, mucho más valiente, es hacer algo que lleve a la superación, a un cambio a la situación que detestas y contra la cual te quejas cada día.

Esa fue al parecer la consigna de estos jóvenes músicos, quienes hastiados de la moda de la Nueva Ola que reventaba los oídos de las calcetineras y chicos engominados de la época, decidieron hacer un grupo que tomara lo mejor de sus ídolos del rock & roll. Los primeros intentos no fueron muy virtuosos, básicamente sus primeros discos ( se trataron de covers, que más que decir algo de ellos, repetían el standard de las bandas imitativas y sin personalidad propia.

Aún así, por esos años se forjaron algo de éxito que les permitió ir donde el director del sello RCA, Hernán Serrano, para proponerle la realización de un disco distinto, con canciones propias y un sonido renovado y algo más ambicioso. El director acepta y luego de tres meses de grabación en los estudios del sello, sin presiones de las altas jerarquías y el convencimiento de que algo nuevo y refrescante se formaba, Los Mac's lanzan su tercer disco.

Kaleidoscope Men destaca por su intención renovadora, sus composiciones y letras casi en su mayoría de autoría del grupo, a pesar de que casi todas son interpretadas en inglés, más por un asunto de fonética a mí parecer, que por un afán imitativo, ya que contaron con una profesora de inglés que les tradujo a ese idioma las líricas que habían creado para el disco. Otro de los hitos que contiene este álbum es que posee la que se considera la primera canción del rock chileno con todas su letras, "La muerte de mi hermano", la cual fue compuesta por el cantante de la nueva canción Payo Grondona y luego adaptada por Los Mac's. La óptima calidad del sonido, hace que el disco tenga una sonoridad que destaca por sobre otros álbumes de la época, gracias a la intervención de Luis Torrejón, uno de los ingenieros más importantes de Chile.

Es así como Los Mac's se inscribieron como una de las bandas fundacionales del rock chileno y de la cual ya puedes descargar Kaleidoscope Men en la dirección: http://www.mediafire.com/download.php?elozxlaxzyj

Y no olviden escuchar Lado B a través de nuestro podcast: http://www.ladob.podomatic.com/ y de la radio JGM en http://www.radiojgm.uchile.cl/ todos los miércoles a las 17:30, hora de Chile.

Disco de la Semana!

A la espera que nuestra querida Pamela actualize el blog con su artículo, les dejamos mientras tanto el disco de la semana para que los descarguen, Los Mac's con Kaleidoscope Man.

http://www.mediafire.com/download.php?elozxlaxzyj

Disfrútenlo y escuchen el programa!

Melenas y guitarras

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Si un día te encontraras con un personaje que camina por el centro de la ciudad enfundado en unos ajustados pantalones de cuero y exhibiendo una portentosa cabellera escarmenada como si la laca pronto se fuera a acabar, lo más seguro es que no podrías contener la risa o la sorpresa ante tamaño look. Pero, si a ese joven lo situaras en una ciudad como Los Ángeles en plena década de los 80, lo más probable es que tú también lleves dicho peinado al viento o que, por lo menos, reconozcas en él a un fanático del glam metal.

Glam Rock: género musical nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar en la década de los 70. Su nombre es una contracción de la palabra “glamour”, una de las principales cualidades de la estética de estos músicos, quienes jugaban abiertamente con la ambigüedad sexual, la teatralidad y mucho maquillaje. Ejemplos de ello son David Bowie, T Rex –cuyo líder, Marc Bolan, es indicado como el precursor de este estilo- o Roxy Music.

Glam Metal: subgénero del heavy metal surgido en Estados Unidos. Tuvo mucha popularidad durante toda la década del 80 y principios de los 90. Debe sus influencias a la imagen recargada del Glam Rock y a la sonoridad de bandas como AC/DC, Van Halen o Alice Cooper. También es llamado de manera despectiva como Hair Metal, por el gusto de muchos de estos músicos por peinarse con demasiado spray fijador (o laca).

A esta última especie pertenece el sujeto en cuestión y, como en Lado B no hablamos de cosas por hablar, todo este ejercicio semántico se debe a que el especial que da inicio a este mes de Septiembre está dedicado a ese particular fenómeno comercial y musical llamado glam metal, que en plena década de los 80 arrasó con las ventas, logró legiones de fanáticos y se alzó con un sitial en la historia, para bien o para mal, en lo que a fenómeno musical de masas se refiere.

Pero estas bandas no sólo pueden ser recordadas hoy por la llamativa imagen que presentaron en el escenario, sino también por aquellos solos de guitarra que todo tema debía poseer –lo que nos recuerda que estos chicos muchas veces eran algo más que un pelo bien hidratado- y por las famosas power ballads que el movimiento patentó. Porque ya fuera Poison, Warrant, Skid Row o Cinderella, el grupo en cuestión no podía lanzar un disco al mercado si no contaba con una buena balada rockera que asegurara el deleite de sus fanáticos. Porque, ¿qué sería para la memoria Europe sin Carrie o White Lion sin When the Childrens Cry?

Y en medio de toda esta fauna surgió una agrupación que bajo el mando de su líder y guitarrista Tracii Guns, fue parte del espíritu de la época. ¿Su nombre? L.A. Guns, banda formada en la ciudad norteamericana de Los Angeles el año 1983 y que con Cocked and Loaded (1989), su segundo disco, logró algunos de los grandes hits de la agrupación y el mayor éxito comercial de toda su trayectoria. Precisamente es esta segunda placa la que les presentamos como disco de la semana en Lado B, y donde la banda logró afianzar un sonido más rockero que en su primer álbum, aunque sin descuidar nunca la power ballad de turno que, bajo el poco original nombre de Ballad of Jayne, ha sido uno de los más importantes singles en la carrera de este grupo.

Y si a alguien le suena conocida la palabra Guns en una banda de melenas escarmenadas, es porque la famosa agrupación Guns n’ Roses, liderada por el cantante Axl Rose, debe su nombre a la combinación de L.A. Guns –donde Axl fue vocalista por un corto periodo- y Hollywood Rose -la banda hacia donde emigró posteriormente-.

Luego Tracii Guns se retiraría de Guns n' Roses para reformular L.A Guns con el que, cambios más, cambios menos, se mantiene activo hasta hoy y que fue, dentro de la escena glam metal de la época, una banda conocida y luego sobreviviente de una década marcada por el éxito, la fama y el olvido de una industria que se puso a los pies de estas agrupaciones y en el inicios de los años 90 las desechó; cuando los peinados se desinflaron y las camisas leñadoras hicieron su aparición con aquel aullido musical llamado grunge.

Si eres un nostálgico de la época o simplemente quieres saber a qué sonaba el rock más popular en los 80, no olvides bajar el disco de la semana Cocked and Loaded de L.A. Guns en http://www.mediafire.com/?21ejb3g3cxp

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Led Zeppelin regresa a las pistas

Ya lo habíamos discutido en ediciones anteriores de Lado B! y todo parecía mucho ruido y pocas nueces. Pero, tras meses de especulaciones, finalmente los legendarios Led Zeppelin se reunirán luego de casi 30 años de su separación, según informaron hoy diversas agencias y tal como sale en La Tercera y Rockaxis.

Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones, se reunirán en un concierto benéfico de homenaje a Ahmet Ertegun, cofundador de la discográfica estadounidense Atlantic Records. El 26 de noviembre, las leyendas vivientes actuarán en el O2 Arena, un auditorio con capacidad para unas 20 mil personas y contarán con teloneros de la talla de Pete Townshend y Bill Wyman, ex bajista de los Rolling Stones, entre otros.

Ahmet Ertegun, quién falleció en diciembre de 2006, apostó por Led Zeppelin en los años sesenta tras escuchar una maqueta del mítico grupo británico, y apadrinó en aquella época a otros conjuntos que despuntaban en el Reino Unido, como los Rolling Stones. "Esta actuación es un tributo al trabajo y la vida de nuestro antiguo amigo", dijo Robert Plant en una escueta declaración difundida por la organización.

Y para quienes se preguntan quien tomará el lugar del baterista John Bonham, que falleció en 1980, el asiento lo ocupará su hijo Jason Bonham, quien también está en el rubro de las baquetas, pero haciendo lo suyo en grupos como Foreigner y ese intento de supergroup llamado "Damnocracy".

Las entradas para el acontecimiento costarán 125 libras (185 euros ó 250 dólares) y la recaudación se destinará al Fondo de Educación Ahmet Ertegun, que facilita becas a estudiantes universitarios. Debido a que nadie se quiere perder tamaño suceso (dichosos aquellos que podrán ir!), los interesados en asistir al concierto tendrán que registrarse en la página de Internet http://www.ahmettribute.com/ para optar a una entrada en un sorteo.

Esta semana en Lado B!

En una nueva sesión de Lado B! podrán deleitarse o tirarse las mechas con un nuevo especial. Esta semana quisimos sacar del baúl algunos placeres culpables de muchos y reunir en nuestras dos horas de programa a una selección de bandas glam metal o también bien llamado "Hair Metal". Tacos, pelos enlacados y voluminosos, letras machistas y huecas, lo cierto es que para bien o para mal bandas como Warrant, Skid Row, Ratt o el símbolo sexual (objeto) Lita Ford existen y punto.

El disco de la semana es L.A Guns y "Cocked and Loaded", comentado a la brevedad por doña Ale Zúñiga.

No se pierdan Lado B! en nuestro podcast

Saludos!

El Goce Hecho Creación

Por Patricio Salazar.

Hubo un momento en la historia reciente, comienzo de los años 90, en que la promiscuidad era ley. Aburridos de los formalismos y las formulas probadas, no faltaron los lujuriosos que fueron en busca de nuevas sensaciones. Decidieron experimentar con todo y meterse con todos. El desenfreno consumió a algunos, mientras que otros fueron capaces de crear nuevas formas de vida.

El camino no fue facíl. En medio de un mundo dividido en Rock y Pop, estos nuevos deseos no cayeron del todo bien a la vista de los más puristas. En una entrevista hecha a la revista Metal Hammer, Head, ex guitarrista de Korn, cuenta como eran los primeros shows de Faith No More:

"Recuerdo que todo el mundo les pifiaba y los trataba de hijos de puta solo porque Mike Patton trataba de hacer algo parecido al Hip Hop. Todos se metían con ellos y yo solo podía pensar en que nunca había escuchado algo parecido"

Sin embargo, mientras más crecia la orgía, la líbido se hacia cada vez mayor. Rock, Funk, Hip Hop, Metal, Punk, Pop, Country, Electronica, todo era digno de ser asimilado. Gente como Trent Reznor, Johnny Greenwood, Tom Morello, Munky o Les Claypool comenzaron a criar engendros capaces de romper todos los moldes establecidos. Nuevos caminos sensoriales se abrieron para una juventud marcada por la apatía y el desencanto. Las nuevas crias lograron llamar la atención de la Generación X, quienes no dudaron en adoptarlas y llevarlas a dominar el mundo.

Así pudimos saber que el groove del Rap podía sacudir sociedades acompañados por la distorsión de una guitarra electrica. Que los sintetizadores tenían alma endulzados por los sonidos inteligentes del Brit Pop novenetero, o podian ser furiosos gracias a Nine Inch Niles y que aún quedaban tantas cosas nuevas por oir, como personas únicas para hacerlas.

Entre ellos se encontraban 4 rastafarios que en los 80 ya habian reescrito el manual del Punk levantado por Sex Pistols y The Ramones con su Hardcore Politico. En el cambio de década, Bad Brains, decidieron experimentar con el Reggae y el Nuevo Metal, gracias al hambre musical del guitarrista Dr Know y a la personalidad esquizofrenica de "HR", frontman de la banda.

El resultado es el disco "God of Love" de 1995, un album algo indefinido, pero que contiene algunos destellos de un ser que no logró desarrollarse por completo. Canciones como Thank Jah, Justice Keepers o la canción que le da nombre al disco logran una exquisita combinación entre los nuevos power chords del metal noventero y ese típico timbre amable de la entonación vocal en plan Reggae.

Como si por fin se pudiera oir físcamente toda esa intensidad agresiva espiritual que uno sabía que existía en gente como Bob Marley. Toda esa fuerza que uno solo podía intuir, ahora desbordada en kilos de distorsión saliendo por los altavoces. Sin embargo, la criatura nunca lograría tener vida propia.

Como siempre, nuestra intención es darles a conocer lo mejor de la música, por eso pueden descargar el disco de la semana de Lado B, “God Of Love” de BAD BRAINS en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/?2ymd1y1z5bd

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Décadas de joya

Por Pamela Ramírez Riquelme

Quienes tienen el privilegio de haber vivido varias, o sólo algunas en mi caso, de las décadas que han visto correr por sus años a los camaleónicos sonidos del Rock & Roll, saben que en ese largo camino se han encontrado con innumerables voces, solos de guitarras, letras para recordar mientras se va por la calle o melodías para dedicarle a la novia o novio de turno.

Pero también, sabemos que en medio de tanta buena, y por cierto pésima, música, existen piezas que no sólo nos robaron su atención por un rato, sino que nos deslumbraron y se quedaron en nuestras vidas sonoras para siempre. Verdaderas “joyitas” que sin querer queriendo, reflejan un sentir individual y a la vez, pueden llegar a convertirse en la voz de una generación o el latir de una década completa.

“Tommy” de The Who, “Are you Experience” de Jimmy Hendrix, "Nevermind" de NIrvana, el primer disco de Elvis o cualquiera de los grandes clásicos de The Beatles… la lista es grande pero selecta. Encuentras listas arbitrarias en las grandes revistas y a veces no estás de acuerdo, per para eso existen las propias selecciones que catalogamos por años, alegrías, penas, lo que la música te provoque.

“Quiero que este disco sea el The Wall de la Generación X”, decía sin aspavientos Billy Corgan al minuto de referirse al por ese entonces su nuevo disco: “Mellon Collie and the Infinite Sadness”. No sé si el quizá ambicioso deseo del pelao Corgan se habrá hecho realidad al pie de la letra, pero sin duda si hablamos de imprescindibles en la década de los 90’s, el tercer disco de estudio de The Smashing Pumpkins lo es, sí o sí.

Al mismo tiempo de marcar un hito en la música, los Calabazas instalan un antes y un después con “Mellon…”. Nada volvería a ser igual para ellos en sus discos posteriores y hasta hoy tengo la esperanza de que la lucidez retorne para estos músicos, especialmente para el cerebro de Corgan. El grandilocuente álbum doble de más de dos horas de duración, contiene 28 canciones transitan desde el ensueño y la inocencia, hasta la rabia desatada por el desamor o la pasividad postmoderna. “Despite all my rage, im still just a rat in a cage”, escribió Corgan, dando cuenta de que por muy rebeldes que seamos por dentro en estos tiempos, siempre hay un sistema que te está encajonando. Puro sentir noventero que trasciende hasta esta nueva era.

Queda poco para terminar esta, la primera década del siglo 21. Mirando hacia atrás, aún no se me ocurre ningún disco que haya marcado demasiado como un “Mellon Collie…”, o un “Ten” de Pearl Jam. Quizá es necesaria la distancia para apreciar mejor, aún queda tiempo para que alguien nos sorprenda. ¿A usted querido lector se le ocurre alguno?

Mientras lo piensan, pueden descargar el disco de la semana de Lado B, “Mellon Collie and the Infinite Sadness” de The Smashing Pumpkins en las direcciones:

http://www.mediafire.com/?4ymvuxmsiem (Álbum1)
http://www.mediafire.com/?0t3zmytuyfp (Álbum2)

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Narcotizando sonidos

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Una voz profunda, nada de guitarras, mucho de saxofón, batería y un bajo de dos cuerdas mezclados con los sonidos del jazz, el blues y el rock, fueron los ingredientes utilizados por un trío de músicos bostonianos para dar vida a Morphine, banda nacida en la década de los 90 y que, hasta el día de hoy, sigue como un verdadero tesoro escondido.

Porque Morphine suena a música de trasnoche, a luces silenciosamente oscuras, a la energía del rock y la intensidad del jazz reunidos en un mismo salón. Porque Morphine fue una de esas bandas que pudieron ser populares por su innovación y carisma pero que, quizás fue mejor así, dejaron los estadios para gente realmente “famosa” como Michael Jackson o Madonna, como el mismo Mark Sandman -vocalista de la banda- decía y se dedicaron a recorrer pequeños bares, clubes o festivales hacia donde siempre los acompañaba su fiel público.

Y lamentablemente, el tiempo pasado en que debemos referirnos a esta agrupación no es porque los egos o el aburrimiento de sus integrantes hayan terminado con la historia que partió, en los inicios de la década grungera de los 90, con el disco Good (1992), sino por la prematura muerte en 1999 de Sandman, quien con 47 años y un disco recién terminado –Night, lanzado el 2000-, sufrió un ataque cardíaco que lo mató en medio de una presentación en escenarios italianos, cumpliendo algo así como una trágica fantasía del mundo del rock.

Pero esto es sólo parte de la triste anécdota. Lo importante es seguir disfrutando con los sonidos únicos de Mr. Sandman y compañía y, para eso, nuestro pequeño aporte a la causa lo hacemos entregándoles el segundo y más aclamado disco de la banda, "Cure For Pain" (1993), que podrás descargar en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/?51jtdy1vyue

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Música y Buenas Letras = Rock!!!

Por Manuel Catrilef Cea

Hace un tiempo vi "Music & Lyrics", película protagonizada por Drew Barrymore y Hugh Grant. Es una típica comedia romántica con final feliz como las hay por montones. Si la pueden ver ...bien, sino, también, no les va a cambiar la vida el film, se los aseguro. Lo que sí me llamó la atención fue una frase que dijo Sophie Fisher, el personaje de Barrymore, en relación a como uno se "enamora" de las canciones... "Una melodía es como ver a alguien por primera vez. La atracción física... Sexo. Pero luego, cuando vas conociendo a la persona... esa es la letra. Su historia. Quiénes son por dentro"... ¿Cursi? Evidentemente ¿Cliché? Hasta reventar, pero no por eso deja de tener algo de razón.

Lo que ha marcado históricamente la diferencia entre el rock y el pop son sus letras, pues en melodías hay muchas canciones poperas que poseen estructuras tanto o más complejas que varias rockeras (fíjense en los temas de Madonna, hay una cantidad de capas de sonido impresionantes).

Nuestros queridos tarros heredaron esa característica de aquellos negros en el siglo XIX, quienes trabajaban día y noche en las plantaciones de trigo y/o algodón en Estados Unidos. Con su guitarra de palo tenían que desahogar sus penas para hacer llevadero su lamentable rol de esclavos. Es así como vertieron sus lágrimas en melodías que describían sus pesares, los malos tratos de sus amos y aquellos anhelos de una vida mejor. Por eso se le llama música del alma, porque es la que más sufre y que necesita expresarse cuando se nos priva de algo que queremos, en este caso la libertad.

Y desde ese entonces es que el hijo pródigo del blues ha llenado su melodía con letras que han abarcado temás tan distintos como la diversión a destajo sin moralidades estúpidas (rock 'n roll), el fin de las mentiras cristianas (metal), el derecho a hacer con nuestro cuerpo lo que queramos (psicodelia), putear, gritar y llorar por el siempre vilipendeado amor, etc. ¿Cómo no sentirse infinitamente atraído por un estilo que abarca casi todas las sensaciones humanas?

Y por eso mismo, porque las letras importan y el rock no es un estilo para gente hueca, es que el especial de agosto está dedicado al género que por excelencia es sinónimo de pensamiento político y que significó el despertar contestario de toda una generación... El Punk se toma LADO B en esta ocasión.

El disco de la semana para que descarguen es "This Evil Things" de los británicos The Meteors.

Este es el link http://www.mediafire.com/?3dwn0gzzdb8

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Más allá de las definiciones

Por Patricio Salazar

Cada vez que se habla del mundo de rock el imaginario es el mismo: Chaquetas de cuero, actitud agresiva, muros de distorsión atravesados por baterias lacerantes y lineas de bajo que retumban en el pecho. Pura pasión revelada en una de sus formas más potentes.

Asi es como las melodías suaves y las voces cadenciosas quedaron injustamente segregadas a un ámbito distinto, uno marcado por los clichés, la "mamonería" y toda esa batería de elementos cursis que injustamente recaen sobre el siempre vilipendiado Pop.

Durante los 80, la Mega estrellas como Madonna, Michael Jackson, Cyndi Lauper y otros nefastos personajes hicieron suyo el témino "Pop" y lo bombardearon con una falsedad emocional que llenó de dudas para siempre la validez de los acordes limpios y esa capacidad intrínseca que tiene la música de ser simplemente hermosa.

Sin embargo, de tanto en tanto, surgen bandas o artistas que nos ayudan a entender que básicamente la verdadera música es una sola y que su elemento principal es la honestidad. No siempre el que mete más bulla es el que te sacude más la cabeza, sino es quien se conecta con el público a través de su emocionalidad hecha sonido y apela directamente a todas esas sensaciones que compartimos los seres humanos. Ya sea que nos guste el Harcore, el Punk, el Indie, el Metal, etc, cuando una canción toca una fibra del alma, lo hace sin mirar estereotipos.

Ejemplos hay demasiados. En plena década de los 90, cuando todo parecía ser oscuro y depresivo para los jóvenes rockeros, emergió un personaje hermoso llamado Shannon Hoon (Blind Melon) que fue capaz de filtrar pequeños rayos de sol en una juventud americana sin esperanzas. Gary Moore no tuvo reparos en dejar a un lado su exitosa carrera en el Heavy Metal y componer "Still Got The Blues", tema con el que vertió su ser de manera íntegra sobre la gente.Y el mismo Jimi Hendrix nos electrizó de forma similar con canciones como la monstruosa como "Voodoo Child" y la increiblemente bella "Angel", demostrandonos que rock y pop son simplemente rótulos vacios, que lo verdaderamente importante está por sobre las definiciones.

En el espíritu de los párrafos anteriores es que el disco de esta semana será "The Magic Numbers (2005)", de la banda del mismo nombre. Estos ingleses que durante el fin de semana pasado, en el Teatro Teletón, demostraron que no es necesaria una muralla de amplificadores para despertar las pasiones y que con un sonido simple, armonioso, pero por sobre todo honesto, se puede rockear en todo el impreciso sentido de la palabra.

Puedes descargar "The Magic Numbers" en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/?70jym1ufiwd

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Cuasi manifiesto (o sobre por qué nos pican las orejas)

Por Pamela Ramírez Riquelme

melómano, na.

(Del gr. μέλος, canto con acompañamiento de música, y ‒́mano).

1. adj. Apasionado por la música. U. t. c. s.

2. adj. Perteneciente o relativo a la melomanía.

Para los más aplicados, se trata de la combinación del ritmo, la melodía y la armonía. Para otros, no es más que un mero acompañamiento que pueda rellenar los odiosos silencios de una fome consulta dental o una excusa para tararear desde el piso número veinte hasta el segundo, marcado en un viejo ascensor. Y si le preguntamos a una chillona señora con bata y cachirulos, lo más probable es que diga que es un ruido desagradable.

Pero si fuéramos hasta donde un chascón sentado en un rincón de la micro, quizá con pinta de pocos amigos, medio autista y hasta un poco desaseado (por ponerle más color al estereotipo), y le dijéramos "oye, ¿qué es para ti la música?" lo más seguro es que responda lo que a cualquiera que se hace llamar melómano se le viene a la cabeza.

Una adicción, pasión, entretención, muchas veces hasta el mejor de los refugios. Porque para ti no se trata solamente de prender la radio y dejar que suene porque para eso sirve el aparato. Es escuchar y sentirse menos sol@, es digerir ese pianito que luego no se te va de la cabeza, imitar esa guitarra y creerse un rato Hendrix, un virtuoso Satriani o un sentimental Harrison. Esa es la gracia, hay música para todos los gustos, para nosotros es el rock, para otros Rachmaninov y el genial Beethoven. Bendita sea aquella libertad de poder escoger y el alivio de saber que esto no se acaba.

Como toda raza (o seudo tribu), tenemos varias costumbres que nos identifican. Todos somos Rob Gordon cuando vemos "Alta Fidelidad" y queremos tener todos esos discos para nosotros, así como cada uno tiene su propia lista de canciones que ilustran algún momento de nuestra corta existencia. También no faltan las obsesiones en algunos, ese gusto por saber todo sobre un álbum: el año, el productor, la canción oculta, quién hizo el arte, entre muchas otras excentricidades que consultamos en las enciclopedias de cabecera.

En fin, el manual del melómano podría seguir y ser actualizado cada día, mientras la música se siga transformando con el paso del tiempo, en formato de vinilo, el fiel cassette, el frío CD o el móvil Mp3. Y como en Lado B, somos todos unos fanáticos, quisimos aportar nuestro granito de arena al movimiento melómano con un nuevo especial.

Desde nuestra humilde condición de apasionados por el rock en todas sus vertientes, cada integrante recomienda un disco que no puede faltar en los archivos de nuestros ansiosos radioescuchas. De entre todos ellos, el álbum "California" (1999) de la inclasificable banda estadounidense Mr. Bungle, es nuestro disco de la semana, con su caos sonoro, rico en bossa nova, jazz, metal, ritmos de oriente y mucho más. Porque como ya todos sabemos, nunca es suficiente cuando de música se trata.

Puedes descargar "California" en la siguiente dirección: http://www.mediafire.com/download.php?brj33jxhdyf

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La Década de la Cabeza Parlante

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Para la generación veinteañera actual, los aniversarios musicales son la mayoría de las veces fechas prestadas por las generaciones anteriores que, ya mas viejas o experimentadas, ven con nostalgia cómo bandas, canciones o discos han crecido y madurado con ellos.

Este 2007 tuvo una de sus fechas más importantes en la celebración de los 40 años del mítico Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, álbum esencial para la historia de la música y para décadas de seguidores que ven en este disco una de sus mayores revoluciones. Un gusto trascendental para cualquier melómano, pero que por asuntos históricos, para nosotros es algo completamente heredado.

Buscando en los registros de nacimiento, nos encontramos con que este 2007 es también el aniversario de la primera década de vida –aún está en su niñez- de Ok Computer, tercer disco de la banda inglesa Radiohead, y que elevado hoy a la altura de imprescindible, es para nosotros un álbum que representa parte de nuestra historia.

Imágenes de destrucción y pesimismo acompañadas por la presencia de máquinas y hasta naves alienígenas son parte del imaginario que, en medio de la invasión de brit pop que dominaba la década de los 90, marcó un antes y un después en la música del momento con un disco que desencajó a muchos y gustó a todos. El martirio de este hombre postmoderno perseguido por sus demonios y las catástrofes mundiales iba acorde con la época, siendo uno de sus mayores aciertos saber estar en el instante preciso.

Y si todo este éxito no se hubiese dado, probablemente costaría imaginar que un disco con cargas inimaginables de quejidos pudiese tomarse las mentes de los fanáticos de todas las tendencias –desde felices poperos hasta acérrimos metaleros-, para tenernos hoy recordando que hace diez años, el mundo de la música recibió una de sus más recientes e innovadoras inyecciones de vida.

Si eres de aquellos que nunca ha escuchado el disco y quieres remediarlo ahora, puedes bajarlo de aquí: http://rapidshare.com/files/37385449/1997_-_OK_Computer.rar.

También te contamos que la revista Stereogum lanzó un disco tributo de covers a los temas de Ok Computer en: http://www.stereogum.com/okx/

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El horror hecho punk

Por Manuel Catrilef Cea

Es tan raro pensar que una banda punk fue clave en el sonido que después crearían bandas tan disímiles como Metallica, Guns 'N Roses o My Chemical Romance. Es que el punk con ese sonido tan básico y poco pulcro pareciera una limitación en sí mismo. Pero, como casi siempre, aparecen "los iluminados" que nos demuestran que cualquier cosa es mejorable o reinventable. Y The Misfits fue una patada en el culo para todos aquellos que pensaron que el punk estaba destinado a la muerte por su propia naturaleza anárquica, sucia y viceral.

En un primer momento, liderados por Glen Danzig y Jerry Only, los norteamericanos se dieron cuenta que el estilo al que pertenecían era algo tan simple y básico como el rock n' roll, algo más rápido y ruidoso, y por lo tanto su escencia era el espectáculo. De esa manera adaptaron a su forma todo el cine de horror clase b de las películas de los años 50 en adelante y lo hicieron propio. Ellos se volvieron personajes arriba del escenario, simulando ser esqueletos caminantes o zombies.

Si bien leyendas como Alice Cooper y Kiss ya habían hecho lo mismo varios años antes, no eran comparables con lo que hacían The Misfits. Claro, porque al espectáculo propio de la banda arriba del escenario había que agregarle la furia y el desenfreno que producían entre los punkies que asistían a sus recitales, con un slam imparable y gente volando de un lado para otro. Un concierto de The Misfits no es igual a ningún otro.

Y pese a que la banda ha tenido varias formaciones, y actualmente celebra una gira por sus 30 años de carrete no en su mejor forma, el legado sigue intacto.

Por todo lo anterior y mucho más, el disco de la semana es de ellos, el mejor registro de la segunda etapa de The Misfits, con Michele Graves en la voces, el gran "American Psycho" de 1997. Un disco punk agresivo, que por momentos hace guiños al thrash metal y que deja en claro que el trabajo de postproducción en un disco de este estilo musical es siempre un aporte. No porque un disco punk suene bien va a tener menos actitud por eso.

Aquí está el link para que lo descarguen http://www.mediafire.com/?d0yjndte4tr

y escuchen nuestro programa en www.ladob.podomatic.com y visiten nuestro flog en www.fotolog.com/ladob_jgm

Saludos!

Fusionándose con el sonido

Por Patricio Salazar

Hace no mucho, mientras vagaba por el inmenso oceano que Youtube tiene para todos nosotros, encontré una grabación en donde Dimebag Darrell reflexiona acerca de los viejos discos y los contemporaneos. (http://www.youtube.com/watch?v=1i_XN26SS4E , por si alguien quiere verlo)

Cámara en mano y ataviado solo con una toalla, Mr Dimebag habla del sentimiento que había en los viejos discos, ya que la imposibilidad de hacer posproducción a las grabaciones obligaba a los músicos a entregar los mejor de si en cada nota que tocaban.

La emoción de la música honesta, esa que sale en el preciso segundo en que el músico la siente y la transforma en sonido a través de su instrumento. Si bien Dimebag habla con una nostalgia muy parecida al sentimiento de pérdida, se olvida del último nicho en donde el sentimiento, el momento preciso y la música se unen para formar una de las cosas más poderosas inventadas en el siglo pasado: Live Rock and Roll.

Cualquiera que haya asistido a un concierto puede dar crédito a estas palabras. El momento en que se apagan las luces y empiezan a zonar los acordes de aquella canción que siempre escuchas en tu habitación, debe ser una de las sensaciones más fuertes que cualquier amante de la música puede tener. Ese donde el público se hace parte importantante de la música y donde la magia que se reparte por todo el público se manifiesta con gritos y gargantas desgarradas de tanto cantar.

Es por esta razón que el programa de esta semana está dedicado a los Discos en Vivo. Podrán escuchar a verdaderos monstruos como Pappo, Ozzy o Los Stones, tipos que sobre el escenario se portan como gigantes y logran que su música penetre en todas las almas presentes en el show.

Para bajar el disco de la semana, Ozzy Osbourne Live & Loud, pinchen la siguiente dirección: http://www.megaupload.com/es/?d=C9ZJX3XZ

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y en la radio JGM en http://www.radiojgm.uchile.cl/ todos los miércoles a las 17:30 hora de chile.

Celuloide Sonoro

Por Alejandra Zúñiga

Drama, guerra, terror, romance o suspenso. Cualquiera sea el género seleccionado, actualmente ver una película que no posea su adecuado y correspondiente soundtrack suena a algo así como un suicidio. Ya sea por intereses comerciales o artísticos, lo cierto es que hoy una cinta sin su consecuente soundtrack es algo inimaginable.

Porque la muerte de Janet Leigh en Psicosis sin los compases compuestos por Bernard Hermann para cada una de aquellas famosas cuchilladas no hubiesen sido lo mismo en versión muda, ni la caminata del elegante quinteto de asesinos de Perros de la Calle de Tarantino, tampoco hubiese quedado guardado en la memoria de la generación de los 90 sin el tema Little Green Bag de George Baker que la acompaña.

Y es que la música es un factor tan importante en el cine que, desde sus inicios a principios del siglo XX y pasada ya la efervescencia inicial de la pantalla grande, existió tanto en los espectadores como en la gente de la industria el deseo de dotar a las películas de su condición básica de realidad: el sonido.

Es así que en 1927 se estrena la que es considerada la primera película sonora de la historia, El Cantante de Jazz, donde paradojalmente el sonido provenía del canto y no de las conversaciones de los actores. Posteriormente la tecnología Vitaphone comienza a desarrollarse y se producen cintas donde los actores finalmente hablan, olvidando de a poco la sobreactuación que las películas mudas requerían y comenzando así la historia de la banda sonora como uno de los grandes elementos para generar el clima de una historia.

Nombres como Ennio Morricone, John Williams, Danny Elfman (y su conocida colaboración con Tim Burton) o Angelo Badalamenti (y su correspondiente participación con David Lynch) son algunas de las vacas sagradas de la música para cine, quienes junto a artistas de la talla de Bob Dylan o Nine Inch Niles -números más que habituales en los soundtracks-, podrán ser oídos semana a semana en la nueva sección de bandas sonoras de nuestro programa.


Para bajar el disco de la semana King For a Day Fool For a Lifetime de Faith no More, pinchen la siguiente dirección: http://www.mooload.com/new/file.php?file=file01/280607/1183049756/FNM+-+KFAD%2C+FFALT.zip&s=t
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Mejor que Nuevo...

Segundo especial de verano acá en LADO B.
Como el tiempo apremia ya que los conductores de este espacio se encuentran ganando plata como locos durante el verano, vamos de inmediato al grano.

Esta semana hemos decidido ofrecerles a ustedes los temas originales de esos covers famosos que repasamos durante el programa. Asi que les hemos juntado a Jay Hawkins, Big Mama Thorton, David Bowie, The Troggs, Peter Green y Bob Seguer en una sola carpeta, para que puedan escuchar de donde han salido algunos de las más grandes piezas del rock universal. Cuando las cosas se hacen bien, no importa si son originales o no.

Aquí está el lInk para que puedan descargar esta selección de temas http://www.yousendit.com/download/CMG%2FGFRrkY95TA%3D%3D

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De nuestro primer especial de verano, música del mundo, hemos elegido a Arch Enemy como la banda que queremos que escuchen. Los potentes riff de los hermanos Ammott (bueno, ahora un solo hermano), son dignos de ser recibidos por los radio escuchas de LADO B. En cada disco hay tantas melodías malévolas, lineas de guitarra dobladas y repasos al Heavy Metal en su estado más puro, que harían llorar al fans mas acérrimo de la música del diablo. De verdad estos suecos se las traen

Si quieren disfrutar y concocer de esta banda vikinga , les dejamos el disco Doomsday Machine editado el 2005.

http://www.sendspace.com/file/0bv0o8

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El Mejor de Nuestros Tiempos

Los que no alcanzamos a gozar con las grandes voces de Ian Gillian (Deep Purple), Robert Plant (Led Zeppelin) o Freddy Mercury (Queen) cuando estaban en su plenitud, tuvimos nuestro propio ícono de lo que es ser un gran vocalista. El es un personaje que con sus cuerdas vocales puede conmovernos por la pasión que expresa o transmitir toda su rabia con gritos que cualquier cantante de metal quisiera hacerlo. Chris Cornell llénó ese cupo que dejó Mercury cuando nos dejó a principios de los 90'.

Cornell nos sorprendió a todos cuando formó parte de ese proyecto llamado Temple Of The Dog, en el cual plasmó toda su pena y cariño que sentía por Andrew Wood, vocalista de Mother Love Bone quien murió y al cual fue dedicado el proyecto. En ese disco Cornell hace gala de sus dotes de varítono, y hace que cada tema sea tan conmovedor que es imposible no hacerse parte de la melancolía que irradian esas canciones.

Después, en su etapa más reconocida y por la cual se ganó el respeto en el mundo del rock, en Soundgarden pudo dejar en claro que también la rabia era parte de su repertorio, con gritos agudos y a la vez carraspeados que, sumados a la potencia musical de la banda, nos hacían parte de ese desencanto e impotencia que la generación grunge sentía por el rumbo de la humanidad en esos años.

En la actualidad Cornell forma parte de Audioslave, proyecto que lo tiene junto a los ex miembros de Rage Against The Machine. Aquí, el ex Soundgarden, todavía nos muestra porque es el mejor cantante de rock desde la muerte de Mercury, pues el paso de lo años no le han disminuido su capacidad vocal, solo que la calidad de las canciones de la banda no hacen que pueda lucir toda su potencialidad.

Pero, si quieren disfrutar y concocer a Corell en su mejor forma y momento, les dejamos el último disco editado por Soundgarden para que aprecien al mejor cantante de nuestra generación... Down On The Upside

http://www.sendspace.com/file/ncba17

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In Memoriam

Diciembre es un mes triste para todos los amantes de la música. Con 24 años de distancia, una par perfectos desconocidos alcanzaron fama mundial tras despojar al mundo de dos tremendos músicos. Bajos las armas de Mark Chapman y Nathan Gale, sucumbían John Lennon y Dimebag Darrell Abbott, respectivamente.

El genio de Liverpool solo alcanzó a ver la cara de su atacante por unos breves segundos antes de que éste le dispara en repetidas oportunidades justo al lado de su apartamento en Dakota, para luego sentarse en la acera calmadamente. El conserje, que vió la macabra escena gritó " ¿acaso sabes lo que acabas de hacer?", a lo que Chapman respondió : "Si, acabo de dispararle a John Lennon". Y así nada más, tan estúpida, desabridamente e inexplicablemente, un 8 de diciembre de 1980, moría el genio y creador de los Beatles, la banda más grande de la historia.

Ya en 2004, en un club de Columbus Ohio, Dimebag Darrell sacaba de su guitarra esos brutales riff que lo había transformado en un mesías del heavy metal en los 90 con Pantera. Con su nueva banda, Damageplan, llevaba cerca de 10 segundos en el escenario cuando el ex- marine, Nathan Gale, se acercó a su ídolo para tomarlo del hombro y dispararle 6 veces. Dimebag murió instantaneamente, en frente de su público. Momentos despues, Gale se le uniría tras ser muerto por un policía de un escopetazo en la nuca.

En Labo B hemos decidido rendir homenaje a estos mártires de rock poniendo a disposición de nuestros auditores dos discos para descargar esta semana. El primero es Reinventing Hell, The Best of Pantera, que reune los clásicos de la agrupación Texana, más los singles inéditos The Badge e Immortally Insane. Solo debes hacer click acá: http://www.sendspace.com/file/x1093h

(el segundo disco de John Lennon será subido pronto por Pamela)

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Saludos!

For Those About to Rock, We Salute you

Ya han pasado dos años desde que sonó por primera vez la presentación del programa en radio JGM. Hace dos años exactos el hombre bajo el gorro se ponía tras el microfono y le daba vida, en forma de ondas sonoras, a un deseo que se venía forjando hace bastante rato. Compartir su gusto por el rock con cualquiera que deseara oirlo. Lado B estaba en el aire un 6 de diciembre del 2004.

Por el programa ya han pasado varios colaboradores. Ernesto "Tito" Quinteros tiene un reconocimiento por haber sido socio fundador del proyecto. Nicole Perez estuvo un tiempo en el staff tambien. Sin embargo la cosa empezo a tomar forma con la llegada de los actuales miembros del programa Pamela Ramirez y Pato Salazar.

Desde mi perspectiva (soy el Pato), he sentido que de a poco el programa a ido tomando forma y vida propia. Desde aquellas locuciones tímidas y llenas de frases balbuceantes, a la complicidad que he llegado a tener con mis compañeros locutores, esta experiencia me ha servido para, principalmente, reforzar lazos con dos personas que a estas alturas puedo considerar con toda seguridad mis amigos. Lo entretenido es que esta unión se ha ido forjando a través de una de las cosas que mas adoro en el mundo: el rock.

Es por este motivo que el programa aniversario lo hemos hecho a partir de los hitos que han marcado la evolución del programa en estos dos años. Aquí les vas la siguiente lista:

La primera canción que se escuchó a través de Lado B fue Prince Charming, de Metallica.

Las bandas que han ido a nuestro estudio en estos años han sido "Tu no eres Sylvia" y " Tamerland", de quienes tocamos los temas "Laguna" (grabada en vivo en nuestros estudios) y "Remember", respectivamente.

La canción más rancia que ha sonado alguna vez en el programa es "Black Sweat", de Prince. (gracias a un servidor)

La canción más mala es I like rock, de Paul Gilbert (yo de nuevo)

La que nunca fue un lado b, Far Behind de Candlebox (insistó que yo nunca la había esuchado) (tres apariciones...debo merecer un premio por esto)

Junto a ellas hemos colocado nuestros temas favoritos que han aparecido en el programa y los gustitos que solo por esta vez, ya que se tratan de hits, nos pudimos dar. La lista incluye a Pantera, Pj Harvey, la Renga, entre otros.

Acá les dejamos la compilación de temas. Solo deben hacer clic en el link y listo.

http://www.sendspace.com/file/z4a1xl

Esperamos seguir avanzando con este proyecto y llegar lo más lejos que se puede siempre al lado del rock. Y como dijo AC/DC alguna vez : "A todos aquéllos que rockean, los saludamos ( For Those About to Rock, We Salute you)"

Como una bala en tu cabeza

En 1992 en medio de los gritos lastimeros de los chascones del grunge y los soleados acordes del rock californiano, irrumpió de pronto un estallido potente de magnitudes musicales que cambió la escena y marcó un nuevo rumbo para el camaleónico rock.

Se trata del disco homónimo de Rage Against the Machine, el cual sorprendió con la potentes y contestatarias líricas de Zach de la Rocha de la mano de la versátil guitarra de Tom Morello, quien dio nuevas sonoridades a su instrumento, aprovechando sus posibilidades al máximo. No es por nada que es considerado actualmente uno de los mejores guitarristas del rock.

Así, la voz y letras creadas por de la Rocha y la guitarra de Morello, fueron las mejores armas que podrían tenerse para la configuración de un discurso comprometido con causas importantes, como la de los zapatistas, una constante crítica al capitalismo y especialmente al gobierno de Estados Unidos. De hecho la portada del disco da cuenta de la conciencia social y política de la banda, pues tiene la impactante fotografía que registra la inmolación de Tich Luang Dúrc, un monje budista que protestaba contra los abusos del gobierno de Vietnam.

“Killing in the name”, “Freedom”, “Know your enemy”, son algunos de los temas que reflejan el fuerte espíritu rebelde de RATM y además dan pie para un nuevo estilo de hacer rock. En los ochentas ya se habían observado los primeros atisbos de una fusión que en los noventa se instalaría de lleno: Public Enemy más Ántrax y el famosos tema de Run DMC y Aerosmith “Rock this way”. Temas que hacían prever que rimas y riffs sí eran compatibles. El disco de Rage… vino a confirmarlo, gracias a él, más tarde grupos como Korn y Limp Biskit salieron a la luz, pero con una sonoridad más edulcorada que la rabia contra la máquina que inició todo.

Así que les invitamos a escuchar este gran disco de los noventas que desde ya pueden descargar en la dirección: http://www.sendspace.com/file/2i99al

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Y aquí estaba su mente

Don Charles Michael Kittridge Thompson IV, más conocido como Frank Black, es la cara más reconocible de aquel proyecto de mediados de los 80' llamado Pixies. Un grupo que influenció a toda aquella camada de bandas de habla inglesa con un sonido desprolijo y sucio que se dejaba guiar más por la inercia, que por una estructura melódica clara. La complejidad no era lo de Pixies, sino que el dejarse llevar por sus instrumentos, sin caer en la psicodelia pura, pero algo de eso había.

Por todo lo anterior es raro escuchar el disco Dog in The Sand de este personaje. Lejos del sonido alternativo de su banda madre, Black se deja influenciar más por gente como Bob Dylan y Niel Young a la hora de componer los temas. Muchas guitarras acústica, mucho del folk y del country combinado con la voz de Frank dan cuenta que este hombre puede componer canciones más complejas y con mejores arreglos, que lo de Pixies era una volada y no era que estuviera limitado por su talento. Aquí se demuestra que podía aterrizar su mente y hacer algo con una sonoridad más estructurada, pero sin eso significar que sea menos sorprendente y fresca.

En cualquier caso, no es que sea un disco típico de Folk-country, para nada, sólo que estos estilos son los más reconocibles, siempre aderezados con muchos de los guiños típicos de la obra de Frank Black.

Para un fan promedio de Pixies pudiera ser difícil digerir el disco al principio, pero si pueden obviar ese hecho y tener la menta abierta a un sonido más claro y definido, este disco puede ser una experiencia muy grata.

Bueno, y aquí está el link para que lo puedan descargar

http://www.sendspace.com/file/2fu8v2

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Más Vivo que Nunca

De Hendrix es dificil hablar a estas alturas. Que se puede decir que ya no se haya dicho. El más grande de los guitarristas eléctricos de la faz de la tierra aún sigue inspirando a generaciones de guitarristas, a más de 30 años de su triste y temprana muerte.

La legendaria guitarra Fender Stratocaster con la que maravilló al mundo será rematada en Nueva York dentro de los próximos días. La mayor oferta se cree que llegará a la no despreciable cifra de 200 mil dólares. Y es que la verdad la magia que desprendia de sus 6 cuerdas colocadas al revés supera ampliamente esa cifra. ¿Quién más, por ejemplo, a hecho sonar una stratocaster como Jimi lo hizo en Voodo Chile?. Absolutamente nadie.

Y es que cuando Hendrix se dejaba llevar por la música podía pasar 100 veces por las mismas notas y hacerlas sonar de una manera diferente cada vez. Maestro de la melodía y el rasgueo. La sutil mezcla que hacía de ambos al improvisar sobre sus canciones le dieron esa frescura a su música que aún la mantiene viva. Hendrix era un animal del "En vivo".

Su ya extraordinaria presencia en sus singles de estudio se multiplicaba por mil cuando pisaba es escenario y comenzaba a sacarle gritos a su amada guitarra. La recorría entera con sus enormes manos y la aprisionaba con su cuerpo en un espectáculo que rozaba lo erótico y lo surrealista, para finalmente destruírla. Acabar con lo que más amaba en el mundo.

Tal como lo hacía Keith Moon, tal como lo haría Kurt Cobain. Todos se dedicaron a amar y destruir con la misma intensidad. Y a todos ellos la muerte les cobró la palabra.

Para poder sentir lo que era Hendrix sobre el escenario es que les traemos un disco de la Band Of Gypsys, proyecto posterior a la Jimi Hendrix Experience, grabado en la noche de año nuevo de 1969-1970. Con su gran amigo Billy Cox, y el baterista Buddy Miles, formaron un poderoso power trio, dejando plasmadas 6 canciones llenas de improvisación y pasión. Entre ellas la imponente Machine Gun, 12 minutos de los mejores licks de rock de la historia. Para Trey Anastasio, lejos la mejor canción del genio de Seattle.

El disco lo pueden descargar acá, solo debes hacer click en http://www.sendspace.com/file/chb0en

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Harrisongs

Cuando The Beatles hacía vibrar a las calcetineras del mundo, George Harrison siempre fue catalogado como "The quiet beatle" o "el beatle callado". Claro, a pesar de ser el guitarrista principal, Harrison se caracterizó por una personalidad más tranquila e introvertida, casi no hablaba en las conferencias ante la prensa y estaba lejos de la efervescencia de John Lennon o el carisma de Paul McCartney.

Aún así, en medio de dos enormes egos, George Harrison fue evolucionando en sus destrezas musicales, siendo capaz de aportar con grandes canciones dentro del repertorio del cuarteto de Liverpool. La intensa "While my guitar gently weeps" una de las mejores canciones del Álbum Blanco, "Taxman", “Something” catalogada como una de las más bellas canciones de amor, “I me mine” y la célebre “Here comes the sun” son algunos ejemplos que dan cuenta de un sonido propio del guitarrista, quien demostraría que además sabía cantar y componer. A esto se suma la introducción del sitar en la música de The Beatles desde el Rubber Soul, instrumento que dominaría gracias a sus estudios con el maestro Ravi Shankar.

Todo este talento que solo era conocido de forma fragmentada y casi esparcida en la discografía beatle, puede verse desplegada en toda su expresión en el álbum de 1970, All Things Must Pass. Luego del fin de su etapa en el grupo más importante en la historia del rock, Harrison se adelantó a sus ex compañeros y lanzó el primer disco de un beatle en solista.

En este triple álbum, por fin llegamos a conocer a Harrison en su propia faceta, sin el rótulo de beatle o el guitarrista tras la dupla Lennon-McCartney. Libre y autónomo nos internamos en lo que tiene que decir frente al amor, las relaciones y su ferviente fe, reflejada en “My Sweet Lord”una de las canciones más famosas del disco, en la cual Harrison grita Hare Krishna y Aleluya, como una sola expresión del creer.

Así de la mano de su guitarra, forma perfectas melodías para canciones perfectas: “Beware of Darkness”, “I’d have you anytime” (compuesta junto a su amigo Dylan), “Isn’t it a Pity”, por nombrar algunas. Sin duda las mejores Harrisongs están en All Things Must Pass, disco que ya puedes descargar en el siguiente link: http://www.sendspace.com/file/06g1wp que contiene el primer volumen. El otro volumen esta aquí: http://www.sendspace.com/file/10afem. Ahí los tienen, todos los temas de un destacable álbum.

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PD: La versión que bajarás es la remasterización de 2001 que repartió los temas en un disco doble, el cual contiene novedades como nuevas versiones de canciones antiguas y otras en modo acústico.

Saludos!

Bienvenidos al Centro de Una Irrealidad

Cabezones es una banda atípica en el mundo del rock. Comenzaron por allá en el año '94 con una propuesta hardcore, tenían un sonido muy sucio y letras de evidente corte político-social. Lo cual explica en gran medida que se hayan acercado a Andrés Gimenez (líder de los disueltos A.N.I.M.A.L.) para que hiciera la mezcla y manejara el sonido de sus primeros Ep's. A decir verdad, en ese momento no eran mejor que ninguna banda promedio del estilo y no tenían cómo destacar en la fuerte escena rockera argentina.

Pero todo cambió cuando Zeta, el ex bajista de Soda Stereo, los llevó a firmar con la multinacional Sony y se encargó de la producción del disco Alas, debut comercial de la banda en el año 2000 (antes habían editado Electroshok, pero que en la actualidad no es reconocida como la primera placa oficial).

Fue en ese momento en que la banda comenzó a tener una sonoridad propia, dando un vuelco hacia el hard rock, con guitarras muy poderosas y riff pegajosos. Lo anterior, en contraste con la voz de César Andino, la cual es muy suave y melódica, casi púber, perfecta para alguna banda de emo-core.

Esa mezcla de fuerza y melodía se siguió desarrollando con el disco Eclipse (2003), el cual le permitió a la banda girar en México, y además, hacer más de 50 recitales en 2 meses en su natal Argentina. Es decir, su consolidación era clara.

Pero sería con su última placa, Jardín de Extremidad (2005), que darían un paso la maduración total de su sonido, lo cual también significó el reconocimiento absoluto de la crítica y del público. Algunos incluso catalogaron al álbum como el mejor de ese año en el país trasandino.

Y siendo honestos, no es para menos. El disco es una exquisita mezcla de poder, riff fuertes, y en algunos temas, baterías aceleradas, que están perfectamente matizadas con la voz de César Andino. Quizás en un principio la mezcla cuesta digerirla (a su servidor le ocurrió) pero después de un par de "escuchadas" las canciones empiezan a tener gusto y lógica.

Ésta última en todo orden, pues que la música sea fuerte, que las vocalizaciones sean ultra melódicas, y que las letras tengan una temática sentimental, todo aquello armoniza perfectamente. El disco es casi una obra conceptual, en cada canción se puede ver que se habla de alguien que ya no está ahí, y el proceso de asimilación que hay que hace a partir de aquello, tanto a nivel de sentimientos y reflexión.

Desde esa perspectiva, las letras, que en un principio pudieran parecer melosas y facilistas (qué más fácil que escribir una canción de amor) cobran valor, y son absolutamente justificadas.

Si juntamos todo lo anterior, y le sumamos los notables arreglos de cuerdas que hay en la placa, hacen que el disco sea absolutamente recomendable.

Aquí está el link para que puedan descargar el disco

http://www.sendspace.com/file/u4s026

Escuchen el programa en el podcast ladob.podomatic.com

La Cosa Nostra

Hay algo raro en los descendientes de italianos. Tal vez porque son herederos directos de uno de los guitarristas y violinistas más virtuoso de la historia. Paganinni fue quien inició una travesía que no se ha detenido hasta el momento. Es que siempre alguno de ellos está a la cabeza del mundo de las cuerdas. Satriani, Vai, Zappa ... da como para pensar.

Lo único concreto es que el pasado sabado 21 de Octubre, uno de los herederos estuvo entre nosotros en el marco de la gira mundial 2006 del G3. Este show propiedad de Joe Satriani que a punta de virtuosismo y despliegue técnico es capaz de noquear a todos aquellos que dicen que este tipo de música carece de sentimiento. Cuando John Petrucci estaba en el climax de su actuación a todos los presentes se nos pararon los pelos del brazo y se nos detuvo por un instante el aliento.

Debido a tan memorable acontecimiento es que les ofrecemos el trabajo solista del guitarrista de Dream Theater "Suspended Animation" del año 2005, en el cual participa ese monstruo de la batería que es Mike Portnoy. El disco es intenso de principio a fin. Marcado de una dureza que va un poco más allá de lo hecho con Dream, Petrucci se da espacio para desarrollar sus tipicas lineas melódicas a través de riff gancheros que no deben apaciguarse para la entrada de un teclado o la voz de James Labrie como sucede en " el teatro de los sueños".

Temas como Jaws of Life, que abrió en concierto en Chile, invitan a los headbangers a disfrutar corporalmente la canción, que tambien ofrece pasajes de guitarra Shred alucinante y muy lirica. Por otra parte hay temas como Glasgow Kiss donde se ve la mano de Mike Portnoy acompañando con un grove algo jazzy un riff rockero que hace que la canción flote de un modo extraño al que estamos acostumbrados. En resumen es un tremendo disco.

Suspended Animation de John Petrucci, es el disco de la semana aca en Lado B... . Que lo disfruten

http://www.sendspace.com/file/ikkt2d

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El sonido de la ensoñación

Cuántas veces no hemos repetido la escena de estar pegados mirando a la nada desde la ventana de la micro usando los audífonos como si fueran parte de uno o tendidos en la cama con la radio de compañía. Así, enchufados a una canción que nos inyecta sentido, que completa los vacíos de esos momentos donde pareciera que los segundos, los minutos y las horas no existen. Sólo estás tú y el sonido de la música, transportándote a todas partes y a ningún lado al mismo tiempo.

Si hay bandas que producen tales efectos ensoñadores es el grupo irlandés-británico My Bloody Valentine con su disco Loveless. Lanzado en 1991, ha sido definido como el máximo exponente del estilo shoegazer, término que los críticos le dieron al sonido introspectivo de algunas bandas de la época, de las cuales Jesús & The Mary Chain serían los primeros referentes. Está claro que a los críticos les encantan las etiquetas, así, shoegazer, nacería de la revista estadounidense New Musical Express, pues notó que los miembros de estas bandas miraban al suelo mientras que tocaban o a sus pedales de efectos, en el caso de los guitarristas, dando la sensación de estar en un pleno estado de concentración.

Lejos de las etiquetas que no necesita, Loveless es un disco de una enorme potencia e intensidad, entregada por las guitarras distorsionadas y ruidosas de Kevin Shields, quien compuso casi la totalidad del disco. Éstas, nos envuelven y atrapan en canciones como "Sometimes" y "When you Sleep" y son acompañadas por hermosos teclados que de pronto aparecen para crear nuevas atmósferas. Las voces de Shields y Bilinda Butcher, se complementan pareciéndo a ratos que conforman un solo registro, formándose una mezcla perfectamente etérea, tanto como la propia música.

Loveless es un viaje constante, puedes escucharlo una y otra vez y nunca es como la primera. Te invitamos a oírlo y transportarte: ya puedes descargarlo desde el sitio http://www.sendspace.com/file/p2pu1w.

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Girls, Girls, Girls

En el Rock no hay muchas mujeres, porque si hemos de ser francos los hombres, es que el rock es bien machista. Es solo cosa de ver las letras de las canciones de grandes bandas como Motorheäd, AC/DC, Motley Crüe, Kiss y hasta algunas canciones de Elvis para darse cuenta de ello.

Pero de vez en cuando aparecen algunas mujeres con actitud que nos dejan babosos, independiente de si son bellas o no. Un caso claro es el Janis Joplin, quien no era para nada actractiva físicamente, pero que con su sensual desplante en el escenario tenía a todo el público en su bolsillo.

Y continuando con ese legado, pero de manera más actual y con una sonoridad más dura aún, es que aparecieron hacia finales de la década pasada The Donnas, unas chicas estadounidenses que rescatan el lado de rock más fiestero, ese que tiene mucho groove y que dan ganas de pararse de inmediato y empezar a basilar con su música.

La actitud de minas indefensas no va con estas chicas, y las letras del disco Spend The Night lo demuestran (Estoy en mi segundo trago, anque ya me habia tomado unos cuantos antes, estoy tratando de pensar, y pienso en ti en el suelo, yeah, tu en el suelo. Vamos y sácalo, sácalo, tienes que sacudirlo para mí!). Es así como dejan claro que las fiestas, diversión, y en especial el goce del sexo no son solo para nosotros los hombres, ellas también nos pueden enseñar algunas cosas. Y si son The Donnas ¿qué mejores maestras queremos?

Aquí está el link para que descarguen un buen disco de rock n' roll, en el que podrán ver que estas cuatro chicas se las traen, por momentos recuerdan lo mejor de los Ramones y AC/DC, incluidos solos de guitarras, así que afírmense si no las han escuchado.

http://www.sendspace.com/file/c73tpl (si les sale una ventana de propaganda, aprieten la x de la esquina de esa ventana al interior de la página y desaparecerá)

PS: Recuerden escuchar Lado B todos los miércoles a las 16:30 y 22:30 horario de Chile por el sitio www.radiojgm.uchile.cl

No diga Grupo.. Diga Supergroup

Cuando Andrew Wood (lider y vocalista de la banda Mother Love Bone) murió, un joven y talentoso músico se sintió tocado hasta lo más profundo de su alma. No solo había muerto un antiguo compañero de habitación o un amigo, había partido uno de los pilares de lo que posteriormente se llamaría la revolución grunge. Esa que en los 90 se apoderó de Estados Unidos y que tuvo tal potencia que tuvo la osadía de declarar muertos al Heavy Metal y a las mega estrellas del Pop.

Chris Cornell compuso inmediatamente dos canciones que ponían en evidencia su alma. "Say Hello 2 Heaven" y "Reach Down" eran un tributo para quien había sido uno de sus guías. Reunió a dos miembros de la banda de Wood para llevar a cabo su homenaje. Estos eran los jóvenes Stone Gossard y Jeff Ament, quienes se harían famosos a nivel mundia con Pearl Jam unos años después. También se unió al proyecto el baterista de la banda de Cornell, Soundgarden. Matt Cameron se hizo cargo de los ritmos de este tributo mientras que Mike McCready, guitarrista de unos nacientes Pearl Jam tambien quiso integrarse al proyecto. Las primeras jams dieron como resultado el tema "Temple of the Dog", que posteriormente se transformaría en el album tributo a Wood.

Con 10 temas, este albúm se destaca por la calidad extraordinaria de la voz de Cornell. Es un trabajo reflexivo, alejado de las guitarras mas duras de Soundgarden y Pearl Jam. Acá tenemos declaraciones de principios acompañada de una instrumentación intensa. Unas guitarras que entre rasgueo y rasgueo de pronto lanzan gritos de dolor y esperanza que tratan de alcanzar el plano astral en donde se encuentra la voz de Chris Cornell. Gritando, desgarrado por la partida de su amigo. El entonces pelilargo logra que los pelos del brazo se pongan de punta en cada climax alcanzado por su extraordinaria performance. Sin ser mejor que lo que harían cada uno de los integrantes en Pearl Jam y Soungarden, sigue siendo un buen disco.

Eddie Vedder participa en la canción Hunger Strike, apoyando en los coros a Cornell. Vedder había viajado a Seattle a audicionar para Pearl Jam. Entró en el estudio e improvisó junto a un boquiabierto Cornell que vio como un desconocido había captado el alma de su canción sin ni siquiera haberla escuchado antes.

Tras este trabajo, la banda se separó. Soungarden lanzó Badmotorfinger, disco fundamental en su carrera, mientras que Pearl Jam lanzó el albúm Ten, que los puso en el mapa mundial. Sin embargo Temple of the Dog esta ahí para recordarles el lazo que los unió alguna vez.

Pueden descargarlo desde acá http://www.sendspace.com/file/lmxyq0, que lo disfruten.

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El Lennon que llevamos dentro

Luego de que The Beatles se acabara oficialmente, John Lennon decidió someterse junto a su inseparable Yoko al tratamiento de terapia primaria (Primal Therapy), desarrollada y popularizada por el doctor Arthur Janov. Durante 4 meses, Lennon tuvo que confrontar sus miedos y traumas de su infancia, el abandono, como una forma de sanación interna.

Súbitamente la rabia y el dolor contenido por años emergieron, y qué mejor manera de canalizarlos que a través de la música. Es así como nació John Lennon/Plastic Ono Band de 1970, el primer disco solista del ex beatle y quizá el más explosivo, emocional e introspectivo de su carrera.

Todos los temas fueron compuestos por Lennon, quien también se encargó de las guitarras y la mayoría de las interpretaciones en piano. Además de revelar por primera vez las capacidades musicales y compositivas que Lennon poseía en el estudio, fuera de la dupla con Paul McCartney y su participación en The Beatles, el disco es un auténtico manifiesto acerca de su vida, el amor, la muerte y su manera de pensar.

En canciones como “God”, Lennon deja en claro en qué cree y a qué le ha perdido la fe. “No creo en Jesús…en Elvis, no creo en Beatles, solo creo en mí, Yoko y en mí…”, nos canta John a modo de confesión, mientras que el legendario Billy Preston (llamado alguna vez el sexto beatle) lo secunda en el piano. Asimismo, Mother, una de las canciones más intensas y emotivas del álbum, y “Mummys Dead”, reflejan lo que significó la pérdida de Julia, la madre del cantante, en un accidente en 1958.

Ser personal en este disco y de no dejarse llevar por ninguna exigencia musical del medio o el mismo público, pudo haber sido un gran riesgo para Lennon, especialmente cuando todos estaban alertas a qué iba a realizar cada beatle luego de la disolución. Sin embargo, la crítica lo alabó en su momento y hasta hoy se agradece la honestidad y pasión puesta en cada una de estas canciones. La catarsis de John Lennon se ha vuelto nuestra también.

Los dejamos entonces, con la que puede ser una excelente primera aproximación a Lennon, revisitada sorpresa o parte de la vida misma. Un álbum único, con Lennon totalmente en solitario, sin Beatles, sin Yoko gritando entremedio.
Solo John puro e intenso.

El link para descargarlo es: http://www.sendspace.com/file/x7167r

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Sicodelia y Polémica

Aguaturbia es un hito en Chile que, curiosamente, es muy desconocido para el común de la gente. Esta agrupación fue la primera que aplicó los conceptos del hippismo en Chile. Música absolutamente lisérgica, muy ligada al estilo de blues cultivado por la gran Janis Joplin, letras provocativas y una postura de rockstars volados inédita para la época en Chile (mitad de los 60').

Si bien esos 3 elementos parecen suficientes para que se destacaran en nuestro país, hay que agregar que las portadas de los 2 discos que editaron, la primera en la cual aparecían todos los miembros del grupo desnudos - que se ganó una portada del diario La Segunda - y la otra en la cual la cantante Denisse aparece crucificada al estilo del Cristo de San Juan de la Cruz del pintor Dalí.

Polémica y Buena Música, buena combinación para que esta banda pasara a la historia. Claro que es más reconocida fuera de Chile, en Estados Unidos se editó un disco compilatorio llamado Complete Tracks (1969-73), que abarca las canciones de los 2 álbunes mas unos temas inéditos. Esta placa no se encuentra en editado de manera oficial en nuestro país, y ningún otro material original de la banda se puede conseguir actualmente en las disquerías, salvo que sea importado. Y es precisamente esa versión es la que vamos a dejar aquí en el Blog a dispocisión de uds para que puedan apreciar en su magnitud a esta gran agrupación de blues sicodélico.

http://www.sendspace.com/file/evwriz

PS: Si descargan el disco, por ultimo dejen las gracias, presionan donde dice comments y pueden dejar su saludo. Eso sería.

Viejo No es Sinónimo de Añejo

Dylan podría tener 100 años y lo más seguro es que siguiera conservando buena salud, por lo menos a nivel musical. Modern Times ha sido sindicado por la mayoría de la prensa como el mejor disco del año y las ventas lo han acompañado también en ese sentido. En USA durante la semana pasada se consagró como el álbum màs vendido de esa semana con 195 mil copias. Algo no menor si pensamos que Dylan no es un artista mainstream y su musica no es para que suene en las radios todos los días.

Pero el gran Dylan lo logró y pareciera que sin mucho esfuerzo, pues el disco suena tan simple y tan fluido que las canciones no necesitaron de majestuosos arreglos para ser grandes temas. Y los estilos por los que se mueve Dylan son los que siempre ha usado, Folk, Country y Blues, y todos mezclados. Y a pesar que se pudiera pensar que ya no podría sonar nada fresco ni novedoso, Dylan lo logró y se puede disfrutar y quedar pegado con casi todos los temas del disco.

Bueno, suficiente bla bla, y aquí les dejamos el disco para que lo descarguen y lo decrubran uds mismos. Además, es la version especial del disco que incluye 4 temas más, entre ellos el Tema Things Have Changed que en su momento fue ganador del Oscar a Mejor Canción Original.

http://www.sendspace.com/file/9h2f27

recuerden escuchar LADO B todos los miercoles a las 16:30 y 22:30, horario de chile a traves del sitio www.radiojgm.uchile.cl

Con olor a campo y alcohol

Lo se, en esta ocasión he ocupado una vil excusa para cumplir un deseo. He ocupado el especial de rock sureño para compartir con ustedes una propuesta en extremo interesante, resumido en uno de los mejores lanzamientos del 2006. Y es que en este album se resume el talento y la carrera de unos de los mas representativos músicos del sur de los Estados Unidos.

Un hombre que con su guitarra forrada en la bandera de la confederación paseó el espiritu texano por todo el mundo con su banda Pantera y cuya muerte dejó un tremendo vacío en el mundo del rock. Así es, me refieron al señor Darrell Abbott, Mr Dimebag.

Dimebag en 1998 conoció al más rudo de los músicos de Country, David Allan Coe. El mismo que tocara con Charles Manson mientras estaban encerrados en la cárcel decidió unirse a los hermanos Abbott para trabajar en un disco que comenzó solo como una jam entre músicos que se entendían. Tras el asesinato de Dimebag, su hermano Vinnie Paul decidió sacar a la luz el resultado de este trabajo llamado Rebel Meets Rebel que mezcla el una de las voces mas puras del country, con las guitarras distorsionadas y las poderosas bases de batería que caracterizaban a Pantera.

Olvidense de ese oscuro album de Damageplan, este album esta lleno de onda y alegría, tal como Mr Dimebag fue siempre.

http://rapidshare.de/files/30922083/rebelMRl.rar

la clave del archivo rar, es www.metalunion.org

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El Bajo Mundo...

Como en todas las cosas, cada ámbito de la vida tiene a sus dioses y sus profetas. En el caso particular del Rock, los altares han ido apareciendo al lado del camino hasta el punto de llenar nuestros subconcientes de figuras mágicas y poderosas. Los bateristas se pierden en la fiereza de Keith Moon y los intrincados laberintos sonoros creados por Mike Portnoy mientras que los guitarreros aun siguen tratando de emular las poses de Mr Hendrix a la vez que tratan de tocar tan velozmente como Steve Vai.

El mundo del bajo por su lado tiene una figura descollante que pasó por mucho la linea de la genialidad. Quien no haya escuchado a Jaco Pastorius tocar alguna vez básicamente no puede opinar con propiedad sobre el instrumento de quien se instaló como el principal dios del "bajo mundo", tras ser asesinado a golpes a la salida de un Nigth Club.

Pero como en toda mitología, los dioses nunca están solos y siempre son desafiados por nuevos seres iluminados que alcanzan tal nivel de grandeza que pueden pararse cara a cara frente al más imponente de sus adversarios y producirle escalofrios con su música. Y en el "bajo mundo" ese lugar le corresponde a Stanley Clarke.

Clarke es junto con Pastorius los dos hombres claves en la introducción del bajo electrico al mundo del jazz. Llevaron un estilo que en los años 70 estaba más que acartonado y lleno de viejas formulas un nuevo nivel de expresión completando la visión que Miles Davis y Jimi Hendrix habian tenido una decada antes. Músico siempre innovador se ganó el desprecio de los más puristas a cambio de una propuesta fresca y propia que lo catapultó a ser reconocido como uno de los grandes maestros del bajo moderno. Sus incursiones en el rock, el funk y el jazz siempre han sido intensas y alejadas de los lugares comunes transformandolo en todo un referente de "bajo mundo"

Esta leyenda visitará nuestro pais el dia 1 de septiembre por lo que Lado B les ofrece su trabajo con Return To Forever junto a Chick Corea y Al di Meola para que puedan sentir en carne propia a que nos referimos.

http://www.sendspace.com/file/rnfr3r

Nos vemos la otra semana en una nueva edicion de LADO B por RADIO JGM (www.radiojgm.uchile.cl)